Arquitectura y Pintura Barroca: Bernini, Borromini y el Caravaggio
Arquitectura barroca italiana
Se distingue por el gran empleo de la columna, tanto para decorar fachadas como para producir efectos de perspectiva. Los edificios se enriquecen con mármoles policromos, bronces y mosaicos. Es la época colorística, luminosa y pictórica.
San Pedro del Vaticano
En 1451, Leon Battista Alberti se dispuso a remodelar, por orden de Nicolás V, la basílica constantiniana del Vaticano. Donato Bramante concibió la iglesia de cruz griega con la enorme cúpula. Muerto Bramante, se sucedieron diversos proyectos debidos a Rafael, Fra Giocondo, Antonio de Sangallo, entre otros, titubando entre cruz griega y cruz latina.
En 1546, los trabajos fueron confiados a Miguel Ángel, quien aceptó de mala gana, sin cobrar, por obedecer al Papa y «por la gloria de Dios, el honor de San Pedro y la salvación del alma», según sus palabras. A su muerte, la iglesia había llegado hasta el tambor de la cúpula. La cúpula fue terminada por Vignola, Giacomo della Porta y Fontana, y la cruz griega fue transformada en cruz latina.
La prolongación de la basílica y su fachada se deben a Carlo Maderno en 1612. Finalmente, Bernini abrió la fachada a la gran plaza y situó bajo la cúpula el enorme baldaquino de bronce.
Francesco Borromini
Contemporáneo casi exacto de Bernini, su obra estuvo a la sombra de este durante muchos años, siendo considerada extravagante frente al éxito de Bernini. Para el crítico Milizia, Borromini era un loco y veía locura en su arquitectura.
Su arquitectura es sinuosa, llena de curvas cóncavas y convexas. Sus cúpulas presentan al exterior la concavidad en lugar de la convexidad. Katrmèr de Kincy decía que Borromini utilizaba todo elemento al revés de su significado y al contrario de su uso, así daba apariencia de debilidad a lo que debía ser fuerte, y de fuerza a lo que no debía expresar más que ligereza. Llevando la contraria a los materiales nobles y naturales utilizados por los arquitectos barrocos, usa los más humildes y artificiales, como el ladrillo y el estuco.
Borromini consideraba que no se puede actuar sobre el foco de luz, el sol, pero sí sobre la pantalla, los edificios. Estudió cómo debía colocar las formas para que crearan un efecto al incidir el sol sobre ellas. Utiliza el escorzo, lo inclinado respecto al plano frontal, y las formas sinuosas que pueden cambiar la luz constantemente.
San Carlo alle Quattro Fontane. Borromini hizo el convento e iglesia de pequeñas dimensiones sobre un terreno irregular, con la nave en elipse.
Baldassare Longhena
Tras la peste que asoló Venecia en 1630, la República de Venecia decidió erigir una iglesia dedicada a la salud, ganando el concurso Baldassare Longhena. Santa Maria della Salute es un octógono regular rodeado de una galería, planta bastante antigua que podemos encontrar en el arte bizantino.
Arquitectura barroca en Francia
La clase burguesa y los reyes se construyeron grandes palacios, con un cuerpo alargado y dos grandes alas hacia el jardín, formando escuadra. Destaca la presencia de buhardillas, en francés mansards, cuyo invento se atribuye al arquitecto François Mansart.
En el urbanismo destaca la configuración de plazas cuadradas, al estilo de la Plaza Mayor de Madrid, en las que los edificios presentan tal unidad que parecen ser un solo bloque que se prolonga por los cuatro lados. Así es la Plaza de los Vosgos de París (1605).
Lemercier, protegido del cardenal Richelieu, fue el arquitecto que hizo la iglesia de la Sorbona. Pero es en la época de Luis XIV cuando se desarrolla un estilo barroco que es a la vez fastuoso y racional, bastante clasicista. Para completar el Palacio del Louvre se invitó a París a Bernini, pero sus proyectos parecieron demasiado ambiciosos, pues había que destruir todo lo existente, y no fueron aceptados. Le Vau y Perrault fueron los arquitectos del Rey Sol que continuaron el Louvre (1667-1670).
Al primero se le encargó el diseño del nuevo gran palacio de Versalles (1669-1685), que, por ser considerado de pequeñas proporciones, fue alterado por Louis Ardouin-Mansart, sobrino de François Mansart. Le Brun fue el encargado de la decoración interior, incluyendo el Gran Salón de los Espejos, y Le Nôtre el constructor de los racionalistas jardines. Ardouin-Mansart fue también autor de la iglesia de los Inválidos (1678-1691) y de la Place Vendôme.
En el siglo XVIII aparece el llamado estilo rococó o rocalla, por el uso de este elemento decorativo (ojarasca).
Gianlorenzo Bernini
Las figuras de Bernini no solo se mueven libremente en profundidad, sino que parecen participar del mismo espacio en que el espectador se encuentra. Su luz es difusa, fugaz, efímera. Como la luz, capta el momento fugaz, lo más imaginativo y dramático. En su pasión por la luz combina mármol y bronce creando el claroscuro. Diluye la frontera entre arquitectura, escultura y pintura.
Bernini creó modelos iconográficos que fueron seguidos por todos los demás: las tumbas, con la de Urbano VIII; el retrato, con el de Constanza Bonarelli y Luis XIV; el retrato ecuestre, con el Constantino de la Scala Regia o el de Luis XIV; las fuentes, con rocas, vegetación natural, movimiento del agua, etc.
El David
David está en plena concentración, presto a lanzar la honda mientras frunce el ceño. Apunta con su honda a un Goliat imaginario que suponemos se sitúa en el espacio donde está el espectador. Sin imaginarnos a este personaje, el David no tendría sentido.
A partir de entonces, el cardenal Maffeo Barberini se convierte en el Papa Urbano VIII y toma a Bernini como su protegido. Dijo de Bernini: «Hombre extraordinario, inventor sublime, nacido por mandato divino para gloria de Roma e iluminar el siglo».
La pintura barroca
La pintura se fundamenta en lo efímero y cambiante. Se pinta lo que se ve, lo feo y lo bonito, lo molesto y lo agradable, en un afán de naturalismo que rompe con los cánones clasicistas. El pintor abandona el taller para buscar temas en la misma naturaleza. Los protagonistas son el paisaje, el pueblo en sus actos ordinarios y los individuos retratados física y moralmente.
El realismo determina el auge de los temas cruentos, especialmente de martirios de santos. Se representa el misticismo con elementos sobrenaturales y teatrales: resplandores salpicados de nubes, gigantescas decoraciones de las bóvedas que simulan el cielo. Los temas religiosos, a causa de la Contrarreforma, se multiplican y repiten hasta la infinidad, aunque la mitología y con ella el desnudo no desaparezcan.
Las grandes conquistas de la pintura barroca son la luz, el movimiento y el colorido. La luz crea la atmósfera para las figuras; el movimiento se logra con las posiciones en diagonal, los escorzos e incluso figuras de espaldas al espectador; el color se independiza del dibujo.
El naturalismo: Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1610)
Persona de violento y pendenciero carácter, como atestiguan las múltiples denuncias que se conservan en los archivos del Estado de Roma. Sus fechorías, incluido un asesinato, coinciden temporalmente con sus mejores obras.
«Aviso: el citado domingo por la tarde se produjo en Campo Marzio una gravísima pelea, con cuatro hombres a cada lado. Capitaneaba uno de ellos Ranuccio da Terni, que cayó muerto tras largo combate, y el otro Michelangelo da Caravaggio, pintor de cierto renombre en nuestros días, del que se dice que resultaría herido, pero cuyo cuadro se desconoce…». Se afirma que el motivo de la disputa fueron intereses de juego y diez escudos que el fallecido había ganado al pintor. 31 de mayo de 1606.
No le interesan los efectos ingeniosos de rayos de sol, ni emplea la luz con fines sentimentales o românticos. Así, jamás hubiera introducido la luz de la luna en un paisaje. Coloca a las figuras en la semioscuridad con una fuerte luz que cae sobre ellas sin crear espacio ni atmósfera. El tenebrismo ignora el paisaje y se centra en las figuras, con total realismo e incluso vulgaridad.
En los colores desprecia todos aquellos que infundan vanidad y lujo, y, sobre todo, el azul, al que consideraba un vicio: lo utilizó muy poco y muy degradado de tono.
El decorativismo
Las bóvedas producen la ilusión de que los muros del templo se prolongan en pisos y más pisos, con galerías, columnas y entablamentos, hasta perderse en las nubes, aunque estos elementos están absolutamente fingidos.
Inicia el estilo el arquitecto Pietro da Cortona con la pintura de la bóveda del salón del Palacio Barberini; lo siguen Andrea Pozzo, que llega a simular una cúpula que no existe con arquitectura imaginaria, y Luca Giordano, que trabajó en España (El Escorial, techo).