El 3 de Mayo de Goya: Simbolismo y Legado en la Pintura Española

El 3 de Mayo en Madrid: Una Obra Maestra de Goya

La icónica obra El 3 de Mayo en Madrid, también conocida como Los Fusilamientos, se encuentra en el Museo Nacional del Prado. Fue creada por Francisco de Goya y Lucientes en 1814. Su estilo se sitúa en la transición entre el Neoclasicismo y el Romanticismo, abordando un tema de carácter histórico y alegórico.

Contexto Histórico y Encargo

El 24 de febrero de 1814, seis años después de los trágicos sucesos representados, Goya escribió al regente, el cardenal Luis de Borbón, ofreciéndose a «perpetuar mediante el pincel las más notables y heroicas acciones de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa», en clara alusión a Napoleón Bonaparte.

La obra conmemora el levantamiento de Madrid contra el ejército francés, provocado por la imposición de Napoleón de coronar a su hermano José Bonaparte como rey de España, en detrimento de Fernando VII. La implacable persecución de los civiles sublevados culminó en fusilamientos masivos en diversos puntos de Madrid.

La acción se sitúa en la montaña del Príncipe Pío, desde donde es visible, presumiblemente, el cuartel del Conde-Duque, cuya arquitectura se dibuja al fondo de la composición. La inclusión de una mujer y de un fraile en la escena aporta un rasgo de verosimilitud, ya que las mujeres se unieron a la lucha y fueron víctimas de la represión, y aquella noche fue fusilado el clérigo Francisco Gallego y Dávila.

Composición y Simbolismo Artístico

La composición de El 3 de Mayo se articula en dos grupos principales:

• A la izquierda, una hilera de personas que han sido, son o serán ejecutadas, con rostros llenos de terror y desesperación.
• A la derecha, el pelotón de soldados franceses, alineados en diagonal, sin mostrar el rostro, lo que los deshumaniza y los convierte en meras máquinas de matar.

La luz juega un papel crucial: ilumina intensamente a los personajes de la izquierda, dejando en la penumbra a los soldados de la derecha, lo que refuerza la diferenciación y el dramatismo entre ambos grupos. La figura central, con los brazos alzados y una camisa blanca que irradia luz, parece encararse a los soldados, convirtiéndose en el foco principal de la obra, alrededor del cual se distribuyen el resto de figuras.

Una línea alta del horizonte convierte al espectador en un protagonista más, potenciando el realismo del tema. Goya logra una profunda expresividad en los personajes a través de escorzos violentos y una sabia descripción de sus actitudes: miedo, terror, resignación, heroísmo. En contraste, los soldados franceses aparecen como autómatas, figuras no humanas que representan la brutalidad de la guerra.

Goya abandona el heroísmo idealizado del Neoclasicismo para forjar un estilo propio, apartándose de las convenciones pictóricas vigentes y vinculándose a la iconografía tradicional del martirio en la pintura española.

La gama cromática es intencionadamente reducida —predominan el ocre, negro, blanco, amarillo y rojo— y las pinceladas largas y abiertas potencian el dramatismo de la escena.

Simbolismo y Referencias

La figura del hombre con los brazos en cruz se relaciona directamente con la crucifixión de Jesús, evocando un martirio laico. Los colores amarillo y blanco de su vestimenta, divisas heráldicas del Papa, simbolizan la Iglesia, mientras que la luz que lo envuelve puede interpretarse como una metáfora de la asistencia divina a los condenados a muerte.

Legado e Influencia en la Historia del Arte

El historiador de arte Kenneth Clark afirmó sobre este cuadro: «es la primera pintura que puede llamarse grande y revolucionaria en toda la expresión de la palabra, en su temática, en su género y en su intención».

La obra pertenece al género de la pintura histórica, que narra acontecimientos reales o literarios y que, en la corte, constituía la ocupación más importante para un pintor.

Se desconoce la función exacta de estos cuadros pintados por Goya. Algunas hipótesis sugieren que pudieron servir como decoración de un arco de triunfo levantado con motivo del regreso de Fernando VII al trono de España, o bien para conmemorar los sucesos del Dos de Mayo. El 3 de Mayo formó pareja con La carga de los mamelucos, otra obra que retrata el inicio del levantamiento.

Goya, con esta obra, profundiza en el espíritu de denuncia de la guerra y del invasor francés, una temática que ya había explorado en su célebre serie de grabados Los desastres de la guerra. Para su representación, el pintor aragonés recoge la herencia de la crudeza de los martirios de santos, propia de la tradición barroca, y hace un uso dramático del claroscuro característico de la pintura española e italiana del siglo XVII.

Desde el punto de vista compositivo y temático, El 3 de Mayo ejerció una notable influencia en obras posteriores como El fusilamiento de Maximiliano de Édouard Manet y La matanza de Corea de Pablo Picasso, consolidándose como un referente ineludible en la representación de la barbarie bélica.