Vocabulario Esencial del Arte Renacentista: Técnicas, Composición y Maestros

Vocabulario Fundamental del Arte Renacentista (S. XV-XVI)

A continuación, se presenta un glosario de términos esenciales relacionados con la arquitectura, la pintura y la composición artística características del Renacimiento y sus periodos adyacentes.

Alegoría

Es una representación de pensamientos o ideas abstractas a través de figuras humanas. Esto se consigue gracias a las posturas, gestos y vestimentas de estas figuras. Es decir, es la personificación de ideas abstractas. Fue utilizada en el Renacimiento (S. XV-XVI).

Ejemplo: El Jardín de las Delicias (aunque posterior, utiliza una fuerte carga alegórica).

Almohadillado

Es un aparejo de sillares cuya cara visible ha sido labrada con forma de almohadilla que cubre la totalidad o parte de una fachada. Estos aparejos provocan efectos de claroscuro y dan una apariencia blanda a la construcción. Es característico del Renacimiento (S. XV-XVI).

Ejemplo: El Palacio de Carlos V.

Alto Renacimiento

Es el periodo de apogeo del Renacimiento, que comprende los años finales del Siglo XV y las primeras décadas del Siglo XVI. Este periodo se caracteriza por la experimentación con la perspectiva, la técnica del sfumato, claroscuros y terribilitá.

Ejemplo: La Última Cena de Leonardo da Vinci.

Arte de la Contrarreforma

Es una tradición artística que surgió durante la Reforma Protestante (Siglo XVI) en Europa. Trataba temas protestantes y buscaba divergir de la tradición humanística del Renacimiento en Europa del sur.

Ejemplo: El retablo de la iglesia de Santa María en Wittenberg.

Claroscuro

Es el contraste que se produce entre las sombras y la luz de la obra. Es una técnica utilizada para realzar ciertos elementos del cuadro y para desarrollar efectos visuales de modelado y relieve. El claroscuro se comenzó a utilizar en el Renacimiento (S. XV-XVI).

Ejemplo: La Gioconda.

Colores Planos (Tinta Plana)

Es un área, forma o zona donde el color no sufre variaciones de textura. Se consigue al aplicar la pintura sobre la superficie de la obra de forma continua y con la misma intensidad, evitando así los efectos de claroscuro.

Ejemplo: Mujer, pájaro y estrella de Joan Miró (Surrealismo).

Composición Abierta

Se organiza a partir de un elemento lateral de la obra. Este tipo de composición tiende a predominar el color y los elementos se fragmentan. En la pintura, la forma abierta se expresa a través del poco contraste. Este tipo de composición comenzó a usarse en el Manierismo (Siglo XVI).

Ejemplo: Las Hilanderas de Velázquez (Barroco).

Composición Cerrada

Se organiza en torno a un eje central hacia el que se dirigen todos los elementos del cuadro. Generalmente globaliza los elementos. Este tipo de composición es característica de estilos rigurosos como, por ejemplo, el Renacimiento (S. XV-XVI).

Ejemplo: La Entrega de las llaves a San Pedro.

Composición Triangular

Se trata de un tipo de composición en la que los motivos principales de una obra forman un triángulo imaginario. Esto suele aplicarse a imágenes religiosas, bodegones y retratos. Es característico del Renacimiento (S. XV-XVI).

Ejemplo: La Entrega de las llaves de San Pedro.

Condottieri

Eran los líderes de las compañías libres profesionales, militares contratadas por las ciudades-estado italianas y el papado, desde finales de la Edad Media y a lo largo del Renacimiento.

Escorzo

Es un recurso utilizado para dar sensación de profundidad. Se utiliza para representar un cuerpo en posición oblicua al nivel visual. Este efecto existe en todos los cuerpos con volumen. Fue utilizado en el Renacimiento (S. XV-XVI).

Ejemplo: Lamentación sobre Cristo muerto de Andrea Mantegna.

Fresco

Es una técnica pictórica realizada con pinturas obtenidas a partir de la disolución de pigmentos diluidos en agua de cal. Al secar, los pigmentos se integran químicamente en la propia pared, fijándose así los colores. Por ello, esta técnica no admite corrección. Fue utilizada desde los egipcios.

Ejemplo: La donación de la capa de Giotto.