La Transición Estilística del Renacimiento: Manierismo, Composición y Perspectiva

El Manierismo: La Ruptura con el Equilibrio Clásico

El Manierismo es el estilo artístico creado en Italia a finales del Renacimiento, específicamente en la tercera década del siglo XVI. Se denominó así debido a que los artistas creaban sus obras «a su manera», perdiendo los patrones clásicos establecidos.

Características Estilísticas del Manierismo

El Manierismo se caracteriza por ser un estilo en el que abunda la tensión frente al equilibrio clásico. Sus rasgos distintivos incluyen:

• El agobio espacial.
• La luz tremolante.
• Un cromatismo intenso y convencional.
• La volumetría exagerada en las figuras.
• La expresividad, la inquietud y la sorpresa.
• El uso de formas poco naturales y la acentuación de lo inusual.
• La alteración de las proporciones, disposiciones o posturas de las figuras humanas, tanto esculpidas como pintadas.

Manifestaciones Artísticas

Arquitectura

En la arquitectura manierista se manifiesta la angustia y el desequilibrio mediante la desaparición del orden y la armonía, favoreciendo la monumentalidad y el dinamismo. Un ejemplo notable es el Palacio del Té del arquitecto Giulio Romano.

Artes Plásticas (Pintura y Escultura)

En las artes plásticas encontramos dramatismo y formas sinuosas que generan desequilibrio y tensión, apartándose de la belleza clásica. La figura serpentinata se convierte en uno de los elementos característicos de la pintura y la escultura.

• Pintura: Destaca el alargamiento de las figuras, alterándose las proporciones anatómicas a voluntad del artista, así como el uso arbitrario del color.
• Artistas representativos: Giambologna en escultura (con obras como El Rapto de las Sabinas), Tintoretto y El Greco en pintura.

Estudio de un Mural Renacentista: Técnica, Composición y Luz

El siguiente fragmento describe una obra maestra del Renacimiento, realizada al témpera y óleo sobre yeso seco (mural a secco), que representa la escena de la Última Cena, en el momento en que Jesús anuncia la traición. Por ello, se aprecian los intensos gestos de cada uno de los personajes, manifestando asombro, incredulidad o cólera ante la noticia.

Composición y Geometría

La composición de la obra es marcadamente geométrica, basada en divisiones verticales, horizontales y diagonales. La figura de Jesús, de composición triangular, centra la obra, y los apóstoles se distribuyen simétricamente en grupos de tres.

Perspectiva y Efecto Ilusionista

Se aprecia el uso magistral de la perspectiva lineal, dibujada perfectamente mediante los casetones del techo, que convergen en la cabeza de Jesús. La intención del artista era crear un efecto ilusionista en la sala donde fue realizada la obra, buscando que el espectador formara parte de ella. Además, se utiliza la perspectiva aérea, un recurso muy empleado por Leonardo, para dar profundidad espacial.

Tratamiento de la Luz

Con respecto a la luz, se aprecian dos focos principales: uno frontal y otro secundario trasero, generado a través de un sistema de ventanas (recurso habitual del artista). Este juego lumínico realza la figura central y da la sensación de que la obra posee luz natural, contribuyendo a la profundidad y el dramatismo de la escena.