La Tercera Generación Franco-Flamenca: Innovación y Humanismo Musical

La Tercera Generación Franco-Flamenca

Los compositores que realizan su labor en este periodo —Josquin des Prez, Heinrich Isaac, Jacob Obrecht y Pierre de la Rue— no solo están cronológicamente en medio de todo el periodo renacentista, sino que son un punto central en él. Al igual que absorben el estilo de las generaciones anteriores, lo modifican construyendo así su propia identidad y marcando el futuro, algo similar a lo que ocurre con Beethoven años después.

Innovaciones en el estilo y la técnica

No son los primeros en utilizar la imitación, pero sí en convertirla en el instrumento fundamental de su estilo. Frente a la composición sucesiva anterior, donde las voces responden a funciones jerárquicas, ahora la concepción es más simultánea, vertical y acordal, con mayor sensibilidad por los centros tonales.

Frente a la complejidad y artificio de un Ockeghem, los músicos de esta generación, entre los que destaca Josquin, expresan lo que podríamos llamar un naturalismo en la música. Construyeron sus piezas sobre motivos melódicos concisos, de perfil muy definido y cuyo ritmo era generado a menudo sobre las mismas palabras del texto. Con frecuencia, expresaban los sentimientos de esas palabras de un modo fácil de oír.

Junto a la imitación de todo tipo entre todas las voces, utilizan también:

• Escritura contrapuntística libre.
• Homofonía estricta.
• Contrastes entre dúos agudos y graves.
• Escritura a cuatro partes con métrica cambiante.
• Melismas serpenteantes (restringidos), cadencias claras y frases solapadas sin costuras.

El humanismo y la influencia de Josquin

Josquin humanizó la música al convertirla en discurso, anticipando una idea que llegaría a dominar en los años posteriores del siglo: expresar el significado de las palabras del texto del modo más literal y gráfico posible.

Sus obras se interpretaron e imitaron hasta finales del siglo XVI, difundidas por la imprenta, que surge cuando él se encontraba en la cumbre de su carrera. Sus contemporáneos le proclamaron como "el mejor compositor de nuestro tiempo" y Lutero, en 1583, dijo de él: "Es el maestro de las notas; estas tienen que obrar como él quiere".

Evolución de las formas musicales

El Motete

El motete toma ahora la posición de vanguardia que había tenido la misa en las dos generaciones anteriores, mientras que esta comenzó a mostrar los signos de conservadurismo que la iban a caracterizar a medida que avanzaba el siglo XV.

La nueva relación entre música y texto trajo consigo un mayor grado de expresividad, siendo el texto la espina dorsal de la estructura, musicalizada por secciones para lograr una plena expresión de su contenido. Las sugerencias de la música profana italiana, con sus villanellas y madrigales, se funden en el arte contrapuntístico.

La Misa: Paráfrasis y Parodia

En las misas continúa el proceso de alejamiento paulatino de los modelos monotónicos hacia obras basadas en modelos polifónicos:

• Misa de paráfrasis: La nueva práctica de la imitación continua saca la melodía preexistente de su papel estructural en el tenor y la esparce por todas las voces, con secciones extensas de material nuevo.
• Misa de parodia: Se basa en el repertorio contemporáneo de motetes, convirtiendo los motivos del tejido polifónico en pilares estructurales. Esta se convertiría en el tipo favorito del siglo XVI.

Música Profana

En la música profana abandonan las viejas formes fixes en favor de esquemas poéticos de repetición más libres. En los países del norte aparece la chanson.

• España: El villancico fue la forma más popular, con una estructura clara y un sentido moderno de centro tonal. Su estructura estrófica suele seguir el esquema AAB (mudanza y vuelta).
• Alemania: El lied (normalmente tenorlied) llega a su madurez a principios del XVI, manteniendo su identidad nacional mediante melodías populares en el tenor como cantus firmus, mientras emula la polifonía franco-flamenca.

Gracias a las tempranas publicaciones, este estilo se extendió rápidamente por toda Europa.