Teoría del Teatro: Evolución, Sociedad y Corrientes

La Teoría del Teatro: Un Proceso Ordenado de Estudio

La teoría del teatro es un proceso ordenado de estudio creado por teóricos para estudiar la teatralidad mediante el establecimiento de una serie de conceptos constantes, como en el método científico. Esta se ocupa de:

• Analizar el discurso escénico.
• Descubrir la comunicación teatral.
• La recepción.
• Explicar los modos de significación.
• Establecer géneros y estilos teatrales.
• Establecer la relación entre el teatro y su sociedad.

Establecemos tres paradigmas:

• La corriente literaria (estudia la literatura).
• Los estudios teatrales (otras disciplinas para explicar el teatro).
• Teoría general del teatro (descripción y explicación de lo teatral).

Funciones del Teatro en la Sociedad

El teatro es una dinámica cultural en constante cambio en la que confluyen cuatro aspectos:

• Aspecto simbólico: el ámbito cultural está lleno de símbolos y sirven para crear la identidad de grupo.
• Aspecto social.
• Aspecto económico: precisa recursos.
• Aspecto político e ideológico: el teatro precisa poder, pero se enfrenta a él.

Teorías: sistema: red de elementos y procesos que generan dinámicas entre sí, partes independientes. *Sistema teatral: conjunto de dinámicas que definen en el contexto lo que es el teatro.

Teoría de los Campos Sociales

Leyes que determinan el funcionamiento del ámbito teatral en la sociedad. Para ello usamos la idea de centro y periferia: en el centro está el canon, todo lo importante (ítems, géneros, formas); la periferia es lo opuesto y situamos todo lo secundario o minoritario. Esta es necesaria ya que evoluciona el canon. La propia periferia también tiene un centro y una periferia. La periferia justamente enfrentada al canon se llama alternativa. Dos procesos: lucha por el centro y distinción de élites y masas. El canon es de dos tipos:

• Estático: no cambia (monumentos).
• Dinámico (contemporáneo).

Esta lucha se mueve por intereses, aunque intentemos fingir lo contrario. El capital será de tres tipos:

• Económico.
• Social.
• Simbólico (valor moral).

Todos estos campos están inmersos en otros dos campos: el campo económico (necesita capital y poder social) y el campo del poder político (busca material social y simbólico).

El Sistema Teatral

Puede ser una red como un espacio de comunicación. Even-Zohar lo calificó como un sistema de sistemas, aplicó el concepto en la literatura y dice que un sistema es un espacio comunicativo formado por distintos elementos en relación con las actividades en dinámicas. Estos elementos son:

• Emisor: productor del sistema teatral, por función hacen que existan las obras teatrales. Distintos productores:
  • Dramaturgo: emplea la literatura dramática como género de creación.
  • Director: encargado de realizar el espectáculo, lo construye escénicamente.
  • Compañía: espacio de convivencia entre los distintos elementos de producción, espacio de convivencia jerarquizada.
• Recepción o consumidor: consume teatro, lo emplea para su bienestar social. Estos pueden ser:
  • Directos (van a ver).
  • Indirectos (ven el anuncio).

  También podemos subdividir el público en consumidor profesional (vinculado) o amateur. Dentro hay técnicas. Las encuestas están orientadas a conocer las dinámicas y para aumentar el consumo, que varía según el tiempo.

• Mensaje: el producto (obra, puesta en escena) es el conjunto de signos como resultado de esa actividad. Este sujeto está relacionado con el concepto de repertorio, que son todos los elementos necesarios para la construcción de los textos (reglas, materiales, etc.). El repertorio tiene tres niveles:
  • Elementos individuales (un tipo de personaje, un signo determinado).
  • Sintagmas (combinación de algunos elementos individuales del repertorio).
  • Modelos (combinación de elementos para crear una totalidad).

  Los elementos que entran dentro del repertorio están todos determinados por elementos situacionales.

• Contexto: son las instituciones, son entidades, mecanismos y formas de organización que tienen varias funciones como:
  • Mantener el orden cultural (mantener intereses colectivos en el sistema para garantizar el orden de los distintos sistemas).
  • Mediar entre los distintos agentes del campo del sistema teatral para garantizar su funcionamiento.
  • Establecer criterios para la conformación del canon.
  • Asegurar el mantenimiento de aquellos agentes que detentan el poder simbólico.

  Son capaces de legitimar las dinámicas. Las instituciones garantizan así las dinámicas del sistema, están vinculadas con los sistemas de poder (político) y velan por su funcionamiento, siempre permanecen dentro del canon. Ejemplos:

  • Crítica (función institucional).
  • Premios (mantienen el canon).
  • Clubes de espectadores (relación con el consumo).
  • Asociación de productores.
  • Los cuerpos gubernamentales (relación entre el poder político y las culturas).
• Canal: sería el mecanismo que permite que fluya la comunicación. En este caso, sería el mercado donde se intercambian los distintos tipos de capital del sistema teatral (económico, simbólico y social).

Implicaciones Económicas en el Hecho Teatral

Una compañía es una empresa teatral, pero de artesanos, ya que el teatro es un arte efímero, por lo que no se puede producir en serie. W. Baumol explicó que al ser un arte efímero esto conlleva también a una economía efímera, por lo que esta tampoco puede ser en serie, produciendo así lo que denominó la laguna de productividad. Toda arte escénica llevará una laguna. Por ello, el mercado del sistema tiene que estar orientado a paliar esto, ya que el sistema solo funciona si se palía la laguna. Por ello, sacamos la conclusión de que el teatro debe ser subvencionado y, por ello, las instituciones deben evitar que se produzca esa laguna de productividad, no solo con dinero.

La Política Teatral

El teatro depende de dos campos: el económico y el político, ya que el Estado tiene la capacidad de intervenir en la cultura, tiene la capacidad de mediar en el proceso teatral. Hay tres formas por las que el Estado interviene sobre la vida cultural:

• Reglamento de tutela (el teatro asegura un orden jurídico o leyes).
• Intervención directa (establecimiento de servicios públicos que hacen cultura o la gestionan).
• Intervención indirecta (fomentando incentivos fiscales).

Después de las formas de intervención, hay otras más concretas:

• Conservación y utilización del patrimonio cultural.
• El apoyo y la promoción de la creación artística (becas).
• El impulso de la formación en materia cultural.
• Planificación cultural (establece los elementos de necesidad).
• Difusión de la cultura (campañas de promoción).
• Gestión y organización.

Para comprender cómo funcionan las políticas culturales no basta con lo escrito, sino que hay 5 modelos de política cultural:

• Mecenazgo cultural: sostiene directamente a los artistas.
• Modelo patrimonial: formas de intervención, el Estado mantiene ciertas formas de arte pasado. También lo llamamos modelo carismático porque pretende generar canon.
• Modelo de democratización cultural: cuando el modelo patrimonial está en mínimos, el Estado del bienestar tiene que permitir que todo el mundo tenga fácil acceso a las diferentes formas culturales.
• Modelo de democracia cultural (total y libre acceso).
• Modelo de gestión cultural (alejar la intervención del Estado para ser aséptico).

Las Teorías en la Edad Media

En la Edad Media, había una fuerte influencia del cristianismo, Dios lo dominaba todo. Los actores y actrices eran perseguidos en los inicios porque ridiculizaban a los cristianos. De este modo, comenzó a generarse un teatro ambulante relacionado con el paganismo. Por ende, la Iglesia comienza a hacer teatro. Este teatro era de multitudes. San Agustín diferenciaba en dos mímesis: perversa y útil (para enseñar), finalidad moralista. Detrás de la idea de mímesis tenemos la idea de decoro, que sigue una idea de modelo filtrada por un concepto moral. Las obras expresan siempre la idea de modelo prototípico. En la base del decoro medieval, todo se representaba en función de un modelo medieval. No se le daba valor a la verosimilitud del momento en el que tuvieron lugar los acontecimientos. Averroes fue el primero en traducir la Poética. En 1498 se traduce al latín la Poética por Valla. Hasta que en 1542 Robortelo comenta la Poética y la traduce por tradición aristotélica, horaciana, platónica y retórica. La lectura estará muy filtrada por el cristianismo. Como resultado de estos trabajos, uno de los comentaristas fue Castelvetro, a él le debemos la famosa regla de las tres unidades (lugar, tiempo, acción). Tras traducirse al castellano por González de Salas, uno de los comentaristas fue Pinciano, que influye en Lope de Vega y en Góngora, marcando un canon de escritura. Este es el que dice que al ser difícil la unidad de tiempo y de lugar, debe dividirse en jornadas. En realidad, Lope de Vega reescribe la Poética a través del “Arte nuevo de hacer comedias”.

Teóricos Clasicistas Franceses (XVII)

Francia, foco cultural de Europa. Los académicos escriben teatro a partir de las teorías de Aristóteles. La corte de Francia se convierte en un modelo de Europa y se crea un estilo francés de hacer teatro. En este momento se presta mucha atención al texto y es este el que condiciona la puesta en escena. En el XVII se desarrolla una lucha entre antiguos y modernos. Una vía intermedia es Corneille, que crea polémicas con los finales de sus obras. Como respuesta, el Cardenal Richelieu pide a la Academia Francesa que intervenga y crean un opúsculo, que es la opinión de la Academia sobre el escrito de Chapelain, donde plantean si es decoroso y verosímil que una obra sea de esa forma.

Las Bases del Neoaristotelismo

• Fundamentan el racionalismo (no razonan, a través de su razonamiento llegan a estas normas).
• El modo de conocimiento del propio teatro (el éxito depende de someterse a las normas, por eso los jueces son los académicos).

Para estos teóricos, el centro de la obra poética era la imitación de la naturaleza de un modo decoroso, surgiendo así la Belle Nature, modelo de cómo tiene que ser la naturaleza (moral cristiana). En este período se creó una poética que no solo habla de teatro y es la de Boileau, que tiene cuatro partes:

• 1º Habla de cuestiones generales entre la razón y la escritura, la retórica y los críticos.
• 2º Géneros menores que entiende como canónicos (idílico, elegía...).
• 3º Géneros mayores.
• 4º Habla de la escritura y del autor.

La de Boileau es una poética clásica y prescriptiva. Está relacionada con el concepto de buen gusto. Boileau establece un canon muy vinculado con la literatura y su premisa es que las obras deben agradar y conmover. Deben tener una finalidad didáctica, y lo que ante todo recomienda es la unidad de acción. Él recupera el concepto de verosimilitud de Aristóteles. Todas estas premisas nos llevan hasta un teatro realista. Boileau da mucha importancia al texto y recomienda que la obra dramática se detenga para así comentar todos los puntos. Los personajes de Boileau son personajes de conducta cristiana.

Radicales de la Época

Proponen romper la relación del clasicismo francés. Beaumarchais habla de un nuevo género, pide que se tenga en cuenta el saber hacer de la farsa de Molière y de la comedia del arte. S. Mercier exige que el teatro hable de su tiempo, del siglo XVIII, y no de antiguos emperadores.

Diderot

Hace una revisión del clasicismo francés y subraya que la genialidad debería preceder a la teoría. Nos habla también de que la mímesis debe ser aquella que imite la naturaleza bella y que hay que imitar el mundo tal y como es. Con estas ideas introduce el concepto de veracidad. La mímesis tiene que ser veraz y verosímil. A partir de aquí propone una teoría de la interpretación. En general, reflexiona sobre la idea de géneros y dice que hay personajes elevados, personajes bajos e iguales (la burguesía) y esto da lugar al drama burgués. Estos deben servir como modelos de conducta (valores revolucionarios). Para Diderot, el principio del drama es el mimetismo. Como queremos un texto mimético y realista, los personajes serán semejantes a nosotros, por lo que el teatro tendrá que representar acciones cotidianas. El teatro tiene que ser moral, basándose en los valores de la burguesía. Él revisa el concepto de catarsis y hace el equivalente que será entender a los personajes. Un tema principal es el dinero porque la burguesía es la clase social del capitalismo.

Modelos Posteriores: Sturm & Drang

Aquí encontramos a Victor Hugo y Schiller. Schiller reflexiona si el drama es convincente. A él le importa más el creador y no la obra, es un idealista. Victor Hugo, gran escritor del XIX, reflexiona sobre el hecho teatral de su tiempo. Para él, el teatro es el reflejo de la sociedad, habla de la idea de lo grotesco, que tiene que ver con la perspectiva, la libertad creativa, el objeto de la mímesis y cómo lo experimentamos nosotros desde dentro. De ahí surge el nuevo género: la novela romántica. Después del Romanticismo, como oposición, surgen las vanguardias. Con ellas conviven el Naturalismo, el Simbolismo y el Realismo.

Realismo

Teoría en la que la mímesis tiene que tener una relación más directa con el mundo y ser su reflejo. Dentro del mismo Naturalismo existen teorías más extremistas que procuran que la mímesis sea extremadamente realista (Naturalismo).

Simbolismo

Como el Realismo, pero expresa más allá de las palabras. Considera que la realidad es mucho más de lo que podemos ver a simple vista, por lo que deberían expresarse las ideas. La diferencia entre ellos es la imagen escénica y la escenografía (nace).

Naturalismo

Parte del Realismo. Émile Zola fue su creador y opina que el teatro tiene que ver con la vida real, por lo que tiene que ser cronista de la realidad. Émile cree que los teatros románticos son falsos y están manipulados en función de un código. El teatro debe aspirar a analizar al individuo en función del medio en el que vive. Esto implica una escenografía concreta, puesta en escena realista, aspectos más sólidos de la realidad, rechazar los tipos y los géneros, un vestuario concreto y salvar el sentido de acción para que el efecto de la mímesis resulte creíble. Todo esto para que el espectador resulte identificado y se dé cuenta de su evolución.