El Teatro del Siglo XVII: Del Renacimiento al Barroco
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En el transcurso del siglo XVI, el teatro popular europeo se distancia del cortesano, surgen corrales de comedias y se organizan compañías de profesionales. Los autores consiguen conectar con su público y se pone sólido fundamento a cuatro dramaturgias nacionales: la italiana, inglesa, francesa y española.
Italia
En Italia se produce tempranamente el paso de los textos de imitación grecolatina, en latín, a originales en romance. Surge así la Comedia dell'Arte.
Inglaterra
En Inglaterra aparece un teatro renovador popular con un proceso muy similar al español. Su máxima figura es William Shakespeare que con su propia compañía consigue transformar el teatro. No se ajusta, como Lope de Vega, a los principios clasicistas: la acción es múltiple, mezcla elementos trágicos y cómicos, quebranta las unidades clásicas de tiempo y lugar, además combina la prosa y el verso. (El sueño de una noche de verano, Macbeth, Romeo y Julieta).
Francia
En Francia triunfa el teatro de inspiración clasicista, con separación de géneros, obras de cinco actos y respeto a las tres unidades.
Características del Teatro del Siglo XVII
Renovación y consolidación de la fórmula teatral: La comedia nueva que aprovechó elementos medievales, renacentistas e italianos.
- Inobservancia y transgresión de la regla clásica de las tres unidades: El teatro barroco quiere imitar a la vida y darle movilidad a la obra, el dinamismo y la complejidad que el público pide, acepta el tratamiento de dos asuntos complementarios, un tiempo dilatado que permita narrar los hechos como verosímiles y espacios cambiantes y distanciados.
- Reducción a tres actos: Presentación, nudo, desenlace.
- Polimetría: Para asuntos de mayor trascendencia, endecasílabos y heptasílabos que son para temas más ligeros y los versos castellanos son de arte menor.
- Variedad de estrofas: El romance para una historia o una narración, el soneto para el que espera, redondilla y la quintilla son frecuentes en los diálogos y las estrofas de versos de arte mayor para asuntos serios.
- Decoro expresivo: Adecuado el habla al carácter del personaje, villanos - palabras rústicas, el viejo - sentencioso y grave, el galán y la dama - estilo culto, criados - estilo coloquial.
- Mezcla de lo trágico con lo cómico: Que permite el nombre de tragicomedia, es esencial la introducción de la figura del gracioso.
- El sentimiento amoroso y la honra, dos temas esenciales: En el amor predomina el enfoque platónico que aporta armonía y es el móvil de las acciones del personaje, la honra se equipara a la vida y su pérdida es casi como la muerte.
- Personajes habituales: Son el galán, la dama, criado, criada, el padre o viejo, el rey o un poderoso y desempeñan funciones fijas y tienen rasgos permanentes.
- El gracioso: Es esencial en este teatro, tiene un fino sentido del humor y rasgos que contrastan con los del galán y su amo. Tiene carácter práctico, es sensato y disimula bien la cobardía y astucia pícara para rehuir de los peligros.
Calderón de la Barca
Da el segundo impulso a la revolución teatral incorporando a la escena los recursos básicos del estilo barroco. Su técnica y una complicada escenografía siguen también los principios barrocos consolidando las líneas fundamentales de Lope. Si en Lope hemos encontrado una ingente obra dramática, de invención apresurada y espontánea naturalidad, Calderón presenta menos producción, más meditada y reflexiva, con una artificiosa expresividad formal. La finalidad estética y lúdica de Lope es en Calderón dramatización artística con propósito educativo. El primero se define por su orientación populista, el segundo por su intelectualidad cortesana, uno es símbolo de la naturalidad renacentista y otro la artificiosidad barroca. Su producción dramática abarca unas 120 comedias y 80 autos sacramentales.
Las comedias se agrupan en dos momentos creativos: en una primera etapa, estimula las notas del teatro de Lope y su escuela, posteriormente desaparecen los elementos realistas y surge lo simbólico, lo fantástico y poético, en un periodo creador personal.
La vida es sueño - Fecha de composición
Puede situarse hacia 1635. Pertenece a la época de mayor pujanza creativa de Calderón, que comprende la década 1630-1640.
Temas
Puede definirse el tema principal como la restauración del orden amenazado por las pasiones y la fatalidad gracias a la voluntad. Al comienzo de la obra el orden amenazado aparece destruido tanto en el ámbito de las relaciones y comportamientos humanos como en el terreno político: problema de Rosaura. Ha sido privada de su honor a causa de la pasión desordenada e ilícita de Astolfo. Referente al segundo, es la amenaza que pesa sobre el reino de Polonia por culpa de una nefasta predicción que anuncia que Segismundo, hijo del rey Basilio, será un tirano para su pueblo y se sublevará contra su padre para despojarle del reino. Basilio, tratando de preservar el orden político, encierra en una torre perdida en el monte a su hijo, al cuidado de Clotaldo para que la predicción no se cumpla. Al final de la obra el orden social, humano y político se restablece.
Otros temas: La vida como sueño.
Estructura de la trama
Se desarrollan dos acciones, la principal corresponde a Segismundo desde su confinamiento en la torre hasta su restitución en el trono de Polonia tras ser liberado por los vasallos rebeldes y derrotar a su padre y la segunda acción tiene como centro a Rosaura y su motivación es la recuperación del honor perdido. Parece que se rompe la unidad que se mantiene en el drama barroco.