El Teatro Español del Siglo XX: Valle-Inclán, Lorca, Mihura y Buero Vallejo

El Teatro de Valle-Inclán

El teatro de Valle-Inclán es uno de los más originales del siglo XX español. Desde La Celestina y el teatro del Siglo de Oro, no se había creado en España un teatro de tal fuerza y novedad. Su primera obra, es el drama Cenizas, adaptación teatral de un cuento publicado en su primer libro Feminas. Trata del tema del adulterio desde un punto de vista opuesto al tradicional.

Ciclo Mítico

Se desarrolla al mismo tiempo que la farsa. Supone la ruptura con el teatro al uso. Son comedias escritas en forma dialogada, difíciles de representar. Ofrecen un mundo de pasiones primitivas y de violencia dramática. Marcan el cambio de Valle del modernismo a un estilo que culminará en el esperpento. Presentan el final de una familia aristocrática, los Montenegro, que acaba sus días de poder y gloria en mitad de las luchas internas por lo que queda de la herencia familiar. Es un mundo poseído del mal, la destructividad y la muerte.

Ciclo de la Farsa

y técnica deformante del esperpento.

TEATRO DE FEDERICO GARCÍA LORCA

La producción teatral de Lorca se enmarca dentro del teatro renovador de preguerra. El panorama teatral del primer tercio del siglo XX en España puede resumirse en varias tendencias: el teatro poético modernista ; el teatro cómico ; la comedia tradicional y, finalmente, el teatro renovador, cultivado por Ramón del Valle-Inclán y Federico García Lorca.
Lorca es uno de los autores del teatro renovador. Lorca nació en Fuentevaqueros en 1898, estudió Letras y Derecho en Granada y también música con Manuel de Falla. En 1919 se trasladó a Madrid, a la Residencia de Estudiantes, donde se relacionó con los poetas del grupo del 27. Durante el curso 1929-1930 viaja a Nueva York y La Habana,experiencia que va a marcar su vida y su obra. En 1932 funda el teatro universitario La Barraca, con el que recorre los pueblos de España representando a los autores clásicos. Posteriormente viaja a algunos países hispanoamericanos en los que tienen gran éxito sus obras teatrales. Fue detenido y fusilado en 1936, al iniciarse la Guerra Civil.
Como autor teatral, Lorca escribió teatro desde muy joven, aunque se dedicó a él de forma más intensa en sus últimos años.
-Época juvenil, en la que escribe El maleficio de la mariposa, estrenada en 1920, de espíritu simbolista, en la que se expresa la frustración amorosa y Mariana Pineda, escrita en 1925 y estrenada dos años después, con la que revitaliza el drama en verso.
-Obras de carácter popular e infantil: en esta etapa destacan varias piezas breves de guiñol, como El retablillo de don Cristóbal .
-Obras de temática amorosa: en ellas Lorca trata uno de los temas principales de sus obras, la frustración amorosa, aunque aún no poseen rasgos trágicos como en sus piezas posteriores. Destacan La zapatera prodigiosa, que retocó varias veces entre 1926 y 1933, Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín y Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores .
-Comedias imposibles: en este grupo destacan un conjunto de obras teatrales que se relacionan con su crisis personal y su encuentro con el Surrealismo, como también sucedía en su obra poética Poeta en Nueva York.
Entre sus piezas dramáticas citaremos El público , en la que subyace la acusación hacia las personas que muestran su hipocresía e insensibilidad hacia quienes perseguían un amor imposible en la sociedad de la época, o bien Así que pasen cinco años , obra de lucha interior y frustración íntima.
-Obras de fuerte contenido trágico: suponen la culminación de su producción teatral. Escritas entre 1932 y 1936. En ellas se unen lo local y lo universal y plantean conflictos universales, de ahí su éxito intemporal.
Además como tema principal
El deseo de libertad. Adela será el máximo exponente de esta manera de pensar. La primera que, mediante pequeñas «hazañas» la harán la verdadera víctima de las circunstancias que envuelven a la casa.
El cumplimiento con el designio imperioso de las leyes naturales e intuitivas. Las referencias a la naturaleza de índole simbólica están buscadas y medidas: la masculinidad, la pasión, el deseo sexual primitivo, representado en los dos caballos de la obra: el de Pepe el Romano y el Garañón que relincha y piafa dentro de la casa; el deseo, presente en todo momento con la mención reiterada del calor que hace hervir la sangre de las hermanas; etc.Simbología Lorca estaba fuertemente influido por el simbolismo, común en la Generación del 27.
El agua: sed como referencia al deseo sexual . El pueblo no tiene ríos pero sí pozos . Se contrastan las referencias al agua estancada/envenenada de los pozos con el agua limpia e infinita de mar
Blanco-negro viene reforzando la idea del documental fotográfico: blanco para lo positivo en general mientras que lo negro se refiere a la muerte y al fanatismo religioso .
El color verde: significa la rebeldía en Lorca. Lo demuestra mediante el vestido verde que luce Adela y el abanico que usa, ella es la única de las hijas que se rebela contra la voluntad de su madre.El verde es también representación de la muerte para Lorca, así lo podemos apreciar en el mismo personaje de Adela que acabará su vida trágicamente.

Miguel Mihura

Dramaturgo, periodista y autor español de guiones cinematográficos considerado el más importante creador del teatro del absurdo y de humor en lengua castellana de este siglo.
Su padre, Miguel Mihura Álvarez era actor, autor y director teatral.
Durante la Guerra Civil , fundó su propia revista, bautizada como La Ametralladora. En ella ganó fama como autor de artículos humorísticos.
En 1941, Miguel Mihura fundó la revista cómica más importante del periodismo español: La Codorniz, dirigida por el propio Mihura hasta 1944. En La Codorniz colaboraron las principales firmas de la literatura humorística de posguerra, como Antonio Lara Gavilán y Álvaro de Laiglesia.
OBRA TEATRAL
Por la fecha de su primera obra , pertenece Mihura a la etapa de renovación del teatro español anterior a la Guerra Civil , etapa caracterizada por la ruptura de las formas y temas dramáticos convencionales. Por eso muchos lo adscriben a la generación de Alejandro Casona y Jardiel Poncela; pero Mihura no será conocido como dramaturgo hasta después de la Guerra Civil, estrenando solamente a partir de los años 50.
Tres sombreros de copa
Esta es una obra por que la Mihura sintió antipatía. El que se estrenada tan tarde privó al público de conocer un teatro moderno que rompía con las convenciones del anterior. Mihura, como Valle-Inclán, fue víctima de un teatro que comercializó el gusto vulgar del público y se cerró a lo nuevo e innovador. Esta obra era en el 1932, junto con el teatro de Valle-Inclán, un comienzo absoluto, y suponía una ruptura con el teatro cómico anterior, ruptura iniciada por Jardiel Poncela. Poncela había iniciado la ruptura con el teatro cómico, pero no la había llevado del todo a cabo. Mihura con esta obra inicia la verdadera ruptura, inaugurando un nuevo estilo de humor y una nueva farsa. Mihura descubre el desgaste de la semántica, de frases hechas y tópicos. Revoluciona no sólo el fondo, sino también la forma. Asocia elementos en el lengua de difícil asociación; trasgrede la ley de las proporciones; adjetiva adverbialmente acciones absolutas ; distorsiona la causalidad lógica y propone otra imaginaria; proyecta hecho y pasiones ad absurdum.Se relacionó a Mihura con Eugenio Ionesco. En provincias la obra produjo escándalo como inmoral. Representada en París en la temporada 1958-1959, la crítica conservadora la recibió mal y la vanguardista la sintió como un «impacto sorprendente». La innovación de Mihura en comedia fue aprehender lo racional mediante lo irracional, pasar de la vida al sueño y del sueño a la vida, multiplicando los «campos de lo real».
En esta obra se presenta la colisión de dos mundos irreconciliables, pero necesitados entre sí: El mundo burgués, cursi y adinerado de una provincia española y el mundo inverosímil, sin esperanzas y libre que forman el negro Buby Barton y las graciosas y estúpidas muchachas de su ballet en el music-hall. El mundo burgués está representado por Don Sacramento, El Odioso seños, El Anciano militar, El Cazador astuto, El Romántico enamorado, El Guapo muchacho y el Alegre explorador. Don Sacramento es un puritano a ultranza, de rígidas costumbres, implacable, esclavo de lo que tiene que defender. Todo lo que no coincida con su mentalidad apergaminada lo tacha de bohemio. El Odioso señor, el rico, sólo tiene la obsesión del dinero y del sexo. A este capitalista erótico no le importa su reputación , la reputación la compra con su fortuna. Estos dos personajes son los vértices de una misma figura. En este mundo nace Dionisio, el joven protagonista de la comedia.
El mundo del music-hall es amoral a rajatabla. Se vive en el presente, cada minuto es agotado al máximo, el futuro es siempre incierto. De este mundo viene Paula, la joven protegonista. Estos dos mundos son aparentemente contrarios, en realidad son estamentos constitutivos de una misma sociedad. Aquí surge el amor verdadero entre Dionisio y Paula, que de antemano queda condenado por el engranaje de estos dos mundos contrarios. La acción transcurre en un hotel de provincias, donde Dionisio pasa su última noche de soltero, debiéndose casar al día siguiente con la hija de Don Sacramento. En esta noche se enfrentan los dos mundos, y nace y muerte el amor de Dionisio y Paula. En la noche de «despedida de soltero», Dionisio hace la experiencia de la libertad fuera de la norma, para renunciar a ella de nuevo y volver a la convención y la norma.
El caso de la mujer asesinadita
Obra escrita en colaboración con Álvaro de Laiglesia. Es la última obra escrita en colaboración con otro autor. Es una farsa excelente, una comedia expresionista, minuciosamente construida y calculada, modelo de precisión dentro del arte teatral. Los autores juegan con la cara misteriosa, irreal y poética, y con la real, cotidiana y «normal», de la misma acción.
La bella Dorotea
Es la mejor de las últimas obras de Mihura. Es una nueva síntesis de sus temas favoritos. Está en la línea de Tres sombreros de copa, aunque los medios teatrales sean diferentes a los de 1932. Los procedimientos verbales han cambiado, más alejados del surrealismo. Los personajes se acercan aquí más a la personalidad concreta que al tipo.
Dorotea es una heroína de la libertad, entrañable y grotesca a la vez. Su rebelión contra la sociedad tiránica y mezquina consiste en no querer quitarse el traje de novia con que se ha quedado plantada por el novio el día de la boda. Dorotea sabe que su acción no sirve para nada y «que los gestos heroicos no los comprende nadie», esto da a su actitud un carácter heroico. A pesar de conocer la inutilidad de su gesto persiste en él, «para que tuvieran presente la injusticia que habían cometido con sus comentarios y sus críticas. Y para ser el fantasma de sus conciencias».
Milagro en casa de los López
Sólo el amor y la luna traen fortuna El tema de Mihura ha sido el conflicto entre los convencionalismos sociales y la vida libre. Pero las últimas obras son ellas mismas un cierto compromiso a la comicidad fácil al público. Mihura hispanizó el humor del Gordo y el Flaco y los hermanos Marx. Su primera obra preconiza las tendencias irracionalistas del teatro del absurdo. Mihura necesitó haber tenido otro público del que tuvo en España. Su primera obra justifica por sí sola el puesto que ocupa Mihura en el teatro español contemporáneo.
Los problemas que presenta el teatro de Mihura son de «personalidad». Mihura es pesimista: Las personas se encuentran siempre en un medio opresivo en el que sólo cabe una actitud.

ANTONIO BUERO VALLEJO

Nació el 29 de septiembre de 1916 en Guadalajara.
En las obras de tipo social se analiza la sociedad española con todas sus injusticias, mentiras y violencias. Pertenecen a este grupo Historia de una escalera , Hoy es fiesta , Las cartas boca abajo y El tragaluz Dramas históricos Buero toma a veces los «materiales del pasado histórico sin intención ni empeño alguno de recrearlos históricamente, sino como trampolín o espejo y como mina de significaciones cara al presente y como ‘modelos’ en el sentido que la sociología da al vocablo» .
Pertenecen a este grupo Un soñador para un pueblo , Las Meninas , El concierto de San Ovidio y El sueño de la razón . El motín de Esquilache, la España de Felipe IV, el París de 1771 y la dictadura de Fernando VII constituyen, respectivamente, el telón de fondo de estas obras.
Un soñador para un pueblo relata el fracaso de un hombre empeñado en mejorar la vida de un pueblo.
Características generales de su teatro
Con frecuencia se clasifica toda la producción del autor en obras realistas, históricas y simbólicas. Aquí señalaremos cuatro grandes bloques de «ingredientes» que se dan simultáneamente, en diferentes proporciones, en cada una de sus obras desde aquellas dos primeras obras que presentó al Premio Lope de Vega en 1948 .
UN TEATRO HUMANISTA. Sus obras son ante todo la defensa de la dignidad del hombre. Y se presenta de lo humano una imagen totalizadora . En sus obras encontramos una reflexión sobre la situación del hombre en el mundo, en situaciones de opresión , intolerancia , falta de horizontes , la soledad , la mentira … Es un teatro poblado por los grandes temas humanos , un teatro existencial, donde por encima de la peripecia concreta del personaje cobra importancia la dimensión metafísica del ser y sus actos. Con frecuencia las obras, tan cercanas muchas veces al subgénero clásico de «tragedia», se estructuran como la búsqueda de la verdad por parte de un personaje, en lucha contra las limitaciones propias o impuestas. La purificación final debe alcanzar también al espectador, testigo y actor mudo a quien la obra plantea unas interrogaciones fundamentales que afectan a su vida y que debe responder.
En muchas ocasiones encontramos la dialéctica entre personajes «activos» y personajes «contemplativos». Los primeros carecen de escrúpulos y actúan movidos por el egoísmo o por sus bajos instintos, y, llegado el caso, no dudan en ser crueles o violentos si con ello consiguen sus objetivos. Los contemplativos, o «soñadores», se sienten angustiados. El mundo en que viven es demasiado pequeño. Se mueven en un universo cerrado a la esperanza. A pesar de ser conscientes de sus limitaciones, sueñan un imposible, están irremediablemente abocados al fracaso. Nunca ven materializados sus deseos. Los activos no son personajes malos; en Buero no hay una presentación maniquea buenos-malos, antes bien parece proponerse la integración del sueño y la acción.
ESPAÑA. Todas las obras de Buero serían adscribibles strictu sensu al «realismo». Unas retratan el presente, los personajes son contemporáneos o cercanos al espectador. . Otras reflejan momentos históricos pasados . En algunas ocasiones aparecen explícita o implícitamente varios momentos temporales . En ambos casos se verifica un proceso crítico a la realidad: nos encontramos a los desheredados, los oprimidos,…La guerra civil y sus secuelas es un tema recurrente, en unas ocasiones más en segundo plano y en otras de modo más central
NEOSIMBOLISMO. Sugerir o evocar temas, situaciones, etc. mediante el recurso a la alusión indirecta o simbólica es muy frecuente en el teatro de Buero. En ocasiones podría explicarse como una manera de hacer referencias políticas evitando a la censura: esa «Fundación» como cárcel o dictadura irrespirable. En otros momentos el simbolismo adquiere una dimensión más existencial o metafísica: esa «escalera» que representa el fracaso ante el paso del tiempo. O ambas: como esa terraza de Hoy es fiesta, donde los inquilinos están felices pero encerrados por la propietaria,… Y quizá en este sentido existencial hay que leer la frecuente presencia de personajes con taras físicas o psíquicas: la lucha del hombre con / contra sus límites, etc. Esta dimensión simbólica afecta también al propio texto espectacular, y hay que atender a los significados más allá de lo aparente: en la elección de tal o cual música, o en la disposición de los elementos en la escenografía: plano superior, inferior, etc.