El Romanticismo: Características, Arquitectura, Pintura y Escultura

Características del Romanticismo

El Romanticismo fue un movimiento cultural y artístico que surgió a principios del siglo XIX. Inicialmente, apareció como una reacción conservadora y tradicionalista frente al poder napoleónico y su imperialismo (Congreso de Viena, 1815). Posteriormente, evolucionó hacia una corriente revolucionaria y liberal.

Actitudes

El Romanticismo es, ante todo, una actitud frente a la vida, no solo un movimiento artístico. Se caracteriza por:

1. Culto al “yo”: Espíritu individualista, con una violenta exaltación de la propia personalidad.
2. Ansia de libertad: En la política (derechos y libertades del ciudadano), en la moral (la pasión y el instinto como única ley de vida) y en los sentimientos (pérdida de la serenidad y abandono a las emociones más intensas).
3. Angustia metafísica: La vida se percibe como un problema insoluble. El romántico se siente víctima de un Destino ciego.
4. Espíritu idealista: Aspiraciones a un mundo superior, cristalizado en ideales como la Humanidad, la Patria, la Mujer, etc.
5. Choque con la realidad: Desengaño al no corresponder la realidad con las ilusiones románticas. La consecuencia es la rebelión o la huida a mundos de ensueño (Edad Media caballeresca, países orientales, etc.).
6. Libertad de inspiración: Las viejas reglas son consideradas trabas sin sentido. Se proclama la libertad creativa, donde el “genio” de cada uno no admite imposiciones.
7. El arte se centra en lo particular, en lo que se sale de lo racional: Se destaca lo específico, pintoresco y excepcional.
8. Interés por autores y obras que alimentan la leyenda y el mito: Dante, Shakespeare, Lope de Vega, Goethe, Byron, etc.

Temas

1. Descubrimiento del paisaje: El paisaje se adapta a los sentimientos del artista, con predilección por paisajes nocturnos, la luna, ruinas, mares tempestuosos, cementerios, etc.
2. Motivos exóticos: El artista, insatisfecho con su entorno, huye hacia lo lejano en el espacio y en el tiempo:
   • Espacio: Países orientales (colorido, exotismo) y nórdicos (bruma, nostalgia y leyendas).
   • Tiempo: Vuelta a la Edad Media (exaltación de la tradición, valoración del cristianismo, época de ensueño y caballeresca).
3. Exaltación de lo nacional y lo popular: El romántico afirma su “yo” y su entorno (patria, nación y tradición). A partir de ahí, se da importancia al pueblo.
4. Grandes preocupaciones filosóficas y políticas: La inquietud espiritual hace aflorar los grandes temas metafísicos: Dios (incluso para rebelarse contra él), el alma, el Destino, el sentido de la vida y de la muerte, etc.

Arquitectura en el Romanticismo

La arquitectura romántica es un movimiento que buscó reinterpretar estilos arquitectónicos de épocas previas, añadiendo detalles culturales del momento. Se desarrolló durante el siglo XIX y principios del XX, alcanzando su mayor esplendor entre 1825 y 1875.

Los estilos más utilizados fueron el neogótico, el neorrománico y el neobizantino. El prefijo "neo" (nuevo o reciente) se agregó a los estilos medievales que se imitaban, siendo el neogótico el más popular.

El origen de la arquitectura romántica se encuentra en el Reino Unido, pero se consolidó en Francia y Alemania. Tuvo una notable influencia en países europeos como España, Austria e Italia, así como en países hispanoamericanos. Surgió como una respuesta contra la Ilustración y el Neoclasicismo.

La Revolución Industrial impulsó la arquitectura durante el Romanticismo. La influencia del movimiento se observa en edificios públicos, fábricas, palacios y casas.

Una de las construcciones más representativas es el castillo de Neuschwanstein, en Alemania, completado en 1886.

Eugène Viollet-le-Duc: Arquitecto, arqueólogo y escritor francés, famoso por sus restauraciones interpretativas de edificios medievales. Fue criticado por el atrevimiento de sus añadidos no históricos y la pérdida de autenticidad de muchos monumentos. Sus restauraciones buscaban mejorar el estado original del edificio, centrándose más en la estructura y la arquitectura que en los elementos decorativos. Algunas de sus restauraciones más conocidas son la catedral de Notre Dame, la ciudad medieval de Carcasona y el Mont Saint Michel. También diseñó la estructura interna de la Estatua de la Libertad (aunque no pudo terminarla).

Su aportación teórica fue significativa, defendiendo el uso de una metodología racional en el estudio de los estilos del pasado, contrapuesta al historicismo romántico. Sus teorías influyeron en artistas posteriores, como Gaudí. Fue poco valorado en su época, ya que sus ideas eran demasiado diferentes a las de sus contemporáneos.

Pintura en el Romanticismo

Francisco de Goya

Pintor y grabador español, su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. Su estilo evolucionó desde el rococó, pasando por el neoclasicismo, hasta el prerromanticismo, siempre con una interpretación personal y original. Se adelantó a todos los movimientos pictóricos que aparecieron en Europa, desde el Romanticismo al Surrealismo, pasando por el Impresionismo y el Expresionismo. Es considerado el Padre del Arte Contemporáneo, uno de los artistas españoles más relevantes y uno de los grandes maestros de la historia del arte mundial.

Para Goya, la pintura es un vehículo de instrucción moral, no un simple objeto estético. Recibió la influencia de Velázquez y Rembrandt.

Viajó a Italia en 1770, donde conoció el incipiente neoclasicismo, que adoptó al trasladarse a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su trabajo como pintor de cartones para los tapices de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara ("El quitasol"). Allí tuvo acceso a las colecciones de pintura de los reyes, y sobre todo a Velázquez, del que se enamoró.

Muy trabajador, cultivó todos los géneros, destacando sus retratos (y numerosos autorretratos) y sus escenas costumbristas que captan a la perfección el Madrid de la época. También realizó obras de temática erótica, que le causaron algún disgusto con la Inquisición, institución que siempre rechazó.

Realizó innovadores cuadros sobre los momentos históricos que estaba viviendo. Con estas pinturas sentó un precedente estético y temático para el género, alcanzando un mensaje universal ("El levantamiento del Dos de Mayo").

Cada vez más sordo (a causa del saturnismo, una intoxicación por derivados del plomo), Goya se encerró en sí mismo, volviéndose huraño y solitario, pero a cambio pintó lo mejor de su producción, con obras arriesgadas como las Pinturas Negras, realizadas mediante óleo sobre muro seco, decorando su casa de campo, la Quinta del Sordo. Estas pinturas preludian el Expresionismo o el Surrealismo casi 100 años antes de su nacimiento.

También es muy popular su "Maja desnuda", en parte por la polémica generada en torno a la identidad de la retratada.

Primera etapa, optimista: costumbrismo y retratos. En cartones.

Segunda etapa, pesimista: afectado por la guerra, realiza obras de esta temática. También realiza grabados como "Los caprichos" y "Disparates", y destacan sus "Pinturas negras". Los caprichos son una sátira de la sociedad española de finales del siglo XVIII (80 grabados), sobre todo de la nobleza y el clero. La técnica es mixta: aguafuerte, aguatinta y retoques de punta seca.

Francia

Théodore Géricault (1791-1824)

Pintor francés, una de las principales figuras pioneras de la pintura romántica. Estudió con el pintor académico Pierre-Narcisse Guérin, también maestro de Delacroix. Rechazó el neoclasicismo imperante, estudió a Rubens y comenzó a pintar directamente del modelo, sin dibujos preparatorios. En Italia estudió a Miguel Ángel y el Barroco. Su comentada "La Balsa de la Medusa" combinaba el diseño barroco, el realismo romántico y los sentimientos no controlados. Admiraba a Constable y estuvo en Inglaterra exponiendo "La Balsa de la Medusa" y sus pinturas de caballos (1829-1822). Su carrera, aunque corta, fue muy influyente, especialmente por sus temas modernos, su ejecución libre y la representación del movimiento romántico. Géricault sentía pasión por los caballos, que se convirtieron en una de las imágenes más frecuentes y uno de los símbolos más significativos de su arte. Desde el inicio de su carrera, prefirió tratar temas de la vida cotidiana, elevándolos a la categoría de hechos heroicos. Mostrando la desesperación y el sufrimiento de la gente, se convirtió en el pintor romántico más representativo.

Ejemplo: "La Balsa de la Medusa" (1818-19). Esta obra tiene todos los elementos de la época romántica. Basada en hechos reales a partir de una tragedia, es un hecho histórico. Se puso en contacto con los supervivientes del accidente para documentarse. Su composición es triangular. "La Medusa" es la fragata que encalla. El cuadro nos habla de la desesperación, y hay una progresión piramidal desde los muertos (que se sabe que están muertos por su rigidez y sus formas) hasta los aún vivos, arriba, luchando desesperadamente por vivir; se ve cómo hay diferentes formas de afrontar un problema: los que tiran la toalla o los que luchan.

Eugène Delacroix (1798-1863)

Pintor y litógrafo francés. En 1815, siguiendo la recomendación de su tío, entró en el taller del pintor neoclásico Pierre-Narcisse Guérin, donde Théodore Géricault y el Barón Gros fueron sus maestros. Visitaba frecuentemente el Louvre, estudiando y copiando a los grandes pintores que admiraba: Rubens, Velázquez, Rembrandt... Se debatió entre la tradición, el clasicismo y el deseo de hallar, tras las apariencias, la realidad. Estudió a Goya y se interesó por la litografía. En 1817 posó como uno de los náufragos de la espléndida obra de Théodore Géricault, "La Balsa de la Medusa". Artista culto, prototipo de artista inquieto, el único que representa las pasiones de la época: liberalismo revolucionario, pesimismo byroniano, filohelenismo, orientalismo contemporáneo.

El artista frecuentaba los salones literarios donde conoció a autores como Victor Hugo. Melómano apasionado, se relacionó con músicos como Chopin, Liszt o Schubert; Delacroix prefería la amistad de músicos, escritores y poetas a la de los pintores de su época.

Ejemplo: "La Libertad guiando al pueblo" (1830). Representa la Revolución Francesa. La mujer representa la libertad, unida a la república. Están representados los estamentos contra los que se levanta el pueblo pobre (representado por el niño) y el ejército (representado por los muertos). Predominan el blanco, rojo y azul; los colores de la Revolución Francesa. El blanco representa la libertad, el azul la igualdad y el rojo la fraternidad. El color le da sentido a la obra, al contrario de lo que sucedía con el academicismo, que le daba más importancia al dibujo.

Antoine-Jean Gros

Pintor francés y miembro de la nobleza (barón). Su pintura, inicialmente neoclásica, se acercó luego al Romanticismo, atraído por su fuerza y expresividad dramática. Su maestro y amigo fue Jean-Louis David, autor de "La muerte de Marat". Es conocido por sus pinturas históricas en las que Napoleón aparece frecuentemente como protagonista.

Antoine fue hijo de un conocido pintor de miniaturas que le enseñó a dibujar a los seis años, época en la que ya apuntaba dotes de un gran maestro. Hacia 1785 entró a pintar en el estudio del pintor neoclásico David. La muerte de su padre en extrañas circunstancias durante la Revolución Francesa obligó a Gros a mantenerse por sus propios recursos mediante la pintura. A partir de este instante, y hasta su muerte, su única profesión fue la pintura. En 1793 abandonó Francia y se trasladó a Italia. Durante su viaje por Italia, visitando Florencia, conoció a la esposa de Napoleón, Josefina. El 15 de noviembre de 1796, Gros se presentó (gracias a su colega David) ante el ejército francés cerca de Arcola, justo en el instante en el que Bonaparte colocó la bandera sobre el puente. Gros resultó impresionado por este incidente y encontró lo que sería a partir de entonces su dedicación.

Bonaparte le dio el encargo de inspector de correo, profesión que le permitió seguir al ejército en sus campañas militares, y en 1797 fue elegido por una comisión para seleccionar las obras pictóricas que deberían enriquecer los fondos del Louvre.

Gros simultaneó su vida militar con su trabajo como artista, reforzando la expresividad y energía de sus cuadros. En este periodo pudo influir sobre pintores como Théodore Géricault y Eugène Delacroix.

Alemania

Caspar David Friedrich

Pintor paisajista del Romanticismo alemán del siglo XIX, generalmente considerado el artista alemán más importante de su generación. Su obra fue muy apreciada durante el Romanticismo.

Es conocido por sus paisajes alegóricos en los que muestra figuras contemplativas opuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales, árboles estériles o ruinas góticas. Sus pinturas presentan al humano en una perspectiva disminuida en contraste a extensos paisajes.

Varios fallecimientos ocurridos en su familia a lo largo de su infancia le indujeron a que se ocupase intensamente en el tema de la muerte.

Su interior se refleja en sus obras, de paisajes tormentosos. Representa el sentimiento a través de los paisajes, al igual que los ingleses. Su obra más importante es "El caminante sobre el mar de nubes" (1881), una de las más importantes del Romanticismo. Tiene un carácter más introvertido, más relacionado con el nacionalismo alemán. Obra que, en definitiva, es el paradigma de la gran idea romántica, el instante en el que el hombre se siente sobrecogido por el paisaje natural o espiritual.

Philipp Otto Runge

Aunque comenzó tarde su carrera y murió joven, se le considera el más destacado de los pintores románticos alemanes, después de Friedrich. Runge era un místico, y en su obra intentó expresar nociones de la armonía del universo a través del simbolismo del color, la forma y los números. Runge fue también uno de los mejores retratistas alemanes de su época; varios ejemplos pueden verse en Hamburgo. Su estilo era rígido, intenso, a veces casi ingenuo. "Autorretrato"

Inglaterra

William Blake

La pintura de Blake, basada en visiones fantásticas de rico simbolismo, tiene cierta influencia de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete. Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas. La relación que hay entre los poemas y las ilustraciones es compleja y exige imaginación por parte del lector, ya que se basa no tanto en el tema del poema en sí como en la sensación que este transmite. "Dante y Virgilio a las puertas del infierno". (1824-27)

John Constable

Pintor inglés de paisajes. La región de Suffolk, su región, fue el tema preferido de sus paisajes. Fue básicamente autodidacta, empezó su carrera como dibujante topográfico en Londres y pronto entraría en la Academia. Frente al paisajismo de Turner que mostraba lo sublime, Constable prefiere centrarse en lo pintoresco, tendiendo al realismo, aunque por supuesto su objetivo era evocar ideas o emociones. Se preocupó en sus paisajes de la luz y cómo afecta al ambiente, avanzando el posterior Impresionismo. Su técnica fue considerada revolucionaria e influyente para los artistas posteriores. Incluso se afirmó que preludia la fotografía.

Al principio, su obra estaba formada por cuadros religiosos, pero a partir de 1820 todos pasaron a ser paisajes. Busca de los paisajes no solo la estética, es decir, la forma realista, sino que con lo que ve pretende evocar un sentimiento. Fue uno de los primeros pintores en trabajar al aire libre, algo de lo que tomarían buena nota los artistas de la Escuela de Barbizon y posteriormente los impresionistas. "El carro de heno" (1821) es su obra más importante.

William Turner

Es uno de los mejores paisajistas de la historia, es responsable de que el paisaje sea considerado un género mayor. Su obra llega a una iconicidad mínima, rozando la pintura abstracta.

Es conocido por sus pinturas de paisajes británicos con acuarela, aunque también en óleo fue un importante maestro. Se adelantó al Impresionismo, ya que es considerado como "el pintor de la luz". Capta la atmósfera, consigue pintar el aire.

No lo tuvo fácil para abrirse un hueco en el elitista mundo del arte en la Inglaterra de la época. Muy bajito y con un marcado acento, no fue un gran artista en cuanto a relaciones sociales. Además, no brillaba precisamente por su estabilidad mental, pero con 14 años consiguió una plaza en la Royal Academy of Art y tuvo la suerte de viajar por todo el mundo, aprendiendo de los grandes maestros.

Turner se convirtió con el tiempo en un viejo excéntrico. Solo le interesaba la pintura. Tuvo muy pocos amigos (al que menos soportaba era a su colega y rival Constable). Sin embargo, fue un pintor extraordinariamente popular por su audacia y talento y un experimentador que llevó al óleo técnicas propias de la acuarela, y se acercó al Impresionismo e incluso al Arte Abstracto, pudiéndose ver sus huellas en pintores como Rothko o Kandinsky.

Tiene una obra de un naufragio, pero a diferencia de "La balsa de la Medusa" del francés Géricault, el protagonista de su obra es la naturaleza, no ninguna figura humana. "Lluvia, vapor y velocidad".

Prerrafaelitas

Su referente es el arte renacentista anterior a Rafael, dando gran importancia al dibujo y a los temas literarios, cotidianos y medievales.

John Everett Millais

Pintor e ilustrador inglés, destacado en el arte romántico, miembro fundador de la Hermandad Prerrafaelita. "Ofelia"

William Holman Hunt

Pintor británico, uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita. "El despertar de la conciencia"

Escultura Romántica

1. Se caracteriza por la emoción y la importancia del yo.
2. Se busca expresar los logros individuales.
3. Busca el retorno al arte medieval, como una reacción a la Ilustración.
4. Evoca la emoción mediante los gestos y las expresiones de las figuras. Se hace énfasis en expresar nuevas emociones que no eran comunes en otras obras (sorpresa, terror, miedo...).
5. Se combinan elementos de la naturaleza con figuras humanas. Los artistas del Romanticismo no confiaban en el mundo humano, por lo que pensaban que la conexión con la naturaleza era un aspecto fundamental de todas sus obras (muchas piezas representaban ángeles).
6. Se pensaba que utilizar modelos de otras obras influía de manera negativa en la imaginación de cada escultor. Esto hizo que la mayoría de los escultores del Romanticismo utilizaran puramente las ideas originales que les viniesen a la mente, excluyendo cualquier estímulo “artificial” externo.
7. Se utiliza principalmente el mármol, que no consigue tanta expresión como la posterior arcilla.

François Rude es el escultor más importante, es el autor de uno de los grupos escultóricos principales del Arco del Triunfo de París ("La Marsellesa", una de las esculturas más importantes del Romanticismo) y de "El niño pescador napolitano jugando con una tortuga".

Pintura en España

Retrato

Federico de Madrazo

Se encontraba dentro del círculo elitista, dedicándose a hacer retratos de personas de la clase alta. Viajó a París y tuvo influencias del academicismo francés. Su retrato de Isabel II le llevó a su auge como retratista, aunque su cuadro más conocido en la actualidad es el de la "Condesa de Vilches". En esta obra, a diferencia del academicismo, trata diferente los tres planos de la imagen (la mujer, el sillón y el fondo).

Pintura Historicista

Eduardo Rosales

Aunque realizó retratos o paisajes, sus mayores logros los consiguió en un estilo muy personal con la pintura histórica monumental. Viajó a Roma, donde se asoció con los puristas nazarenos. Sus primeras obras son puristas, pero posteriormente desarrollaría una pintura más personal, inspirada en Velázquez. Su gran obra maestra es "Doña Isabel la Católica dictando su testamento". Autor de "La muerte de Lucrecia".

Costumbrismo y Paisajismo

Mariano Fortuny

Pintor, acuarelista y grabador español. Considerado junto a Eduardo Rosales uno de los pintores españoles más importantes del siglo XIX después de Goya. Le apasionaría la tauromaquia, quedaría encandilado por sus valores plásticos e impresionado por la mezcla de color y drama ritual, elegancia y brutalidad del universo taurino. "Corrida de toros". "El coleccionista de estampas" y "Fantasía sobre Fausto" le catapultarían al éxito definitivo. Autor de "La odalisca".

Prerrafaelitas

La Hermandad Prerrafaelita fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses fundada por Millais, Rossetti y Hunt en 1848. La Hermandad duró apenas un lustro, pero su influencia se vería en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX. Estos rechazaban el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX. Promulgaban el regreso al detallismo minucioso y el luminoso colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael, a los que consideraban más auténticos. Su pintura se focaliza en evocar el estilo de los antiguos pintores del Renacimiento y asuntos aún más antiguos, medievales e incluso de la época clásica. Les fascinó particularmente la Edad Media.

El ideario del grupo se basaba en: expresar ideas auténticas, estudiar la Naturaleza para expresar estas ideas, seleccionar en las obras antiguas lo directo y sincero y, lo más importante, buscar la perfección. Los prerrafaelitas creían en la libertad para escoger las propias ideas y técnicas pictóricas. Pintaban al aire libre y deseaban captar el color tal como aparecía.

La Arquitectura del Siglo XIX

La industrialización transformó la sociedad de la Europa del siglo XIX. El crecimiento urbano hizo necesario un nuevo urbanismo. Por tanto, se busca una arquitectura que se adapte a las necesidades y posibilidades de la nueva sociedad.

Se mezclan numerosas propuestas: se recuperan algunos estilos del pasado (historicismo), se revaloriza la arquitectura popular (Arts & Crafts) y se exploraron las posibilidades de los nuevos materiales (arquitectura de hierro).

Arquitectura Historicista

La aparición de las ideas nacionalistas en países como Alemania, Francia, España o Reino Unido llevó a la indagación en el pasado en busca de las propias raíces, sobre todo a través de lo medieval. Esto supuso la existencia simultánea de diferentes tendencias artísticas, algunas contradictorias entre sí. Este eclecticismo (o mezcla de estilos arquitectónicos) tiene su plasmación en la arquitectura historicista. De estas corrientes, la más importante fue el neogótico, nacido de la atracción que el espíritu romántico sentía por el mundo medieval.

El arquitecto más relevante de esta corriente fue Augustus Pugin, quien construyó junto a Charles Barry el Parlamento de Londres. En Francia destacó Viollet-le-Duc, quien restauró Notre-Dame y el recinto amurallado de Carcasona. En España, Elies Rogent construyó en estilo neorrománico el edificio de la Universidad Central de Barcelona.

Las Nuevas Posibilidades del Hierro

El progreso exigió encontrar respuestas a los nuevos problemas:

1. El aumento de la población requirió construcciones rápidas y baratas.
2. Los nuevos medios de comunicación exigieron la edificación de estaciones, construcción de puentes... En general, grandes obras públicas.
3. Las nuevas industrias necesitaban instalaciones de características y dimensiones hasta entonces desconocidas.
4. El progreso en cultura y educación llevó a la creación de museos y bibliotecas.

Además, la gran riqueza producida llevó a la búsqueda de nuevos mercados, y se potenciaron las exposiciones universales, que constaban de grandes instalaciones efímeras que exigían alto desarrollo de la técnica constructiva.

A finales del siglo XVII, la nueva concepción arquitectónica la protagonizaron los nuevos materiales: vidrio y hierro colado. El segundo es un material muy resistente que permitió la construcción de grandes vigas para amplios espacios. Primero, fue usado con pretensiones de modernidad, pero fue rechazado por los arquitectos y destinado a edificios industriales (puentes, graneros, estaciones...), y cuando se utilizó en el interior de los edificios, se siguió la manera tradicional.

A mediados de siglo, se emplearon experiencias más técnicas y se construyeron grandes pabellones de hierro y cristal en los recintos de las exposiciones universales, signo de desarrollo económico y técnico del país.

En el último tercio del siglo XIX, las estructuras metálicas sirvieron de soporte y permitieron que los muros fueran solo elementos de cierre, aunque el vidrio se usó como piel traslúcida para sustituirlos.

A finales de siglo se añadió el cemento, nuevo material que dominó la arquitectura del siglo XX.

Las obras más conocidas de este estilo son las realizadas para las exposiciones universales: el Crystal Palace de Joseph Paxton (Primera Expo Internacional de Londres de 1851) y la Torre Eiffel de Alexandre-Gustave Eiffel (Expo Universal de París de 1889).

Modernismo y Escuela de Chicago

Escuela de Chicago: Surge en 1871 al ser destruida la ciudad estadounidense de Chicago a causa de un incendio, por lo que tuvo que ser reconstruida. Participaron muchos arquitectos, y la falta de espacio y especulación del suelo obligaron a levantar edificios muy altos: los rascacielos. Estos fueron posibles gracias a las estructuras metálicas. Louis Sullivan fue la figura más destacada, construyó el Auditorium Building y los almacenes Carson (es la época en que surgen los grandes almacenes y los auditorios).

Con esta escuela surgió el funcionalismo: la función determina la forma. Al pensar más en la función que en la estética, son más racionales y utilizan las líneas rectas en sus construcciones.

Modernismo: Su máximo exponente fue Gaudí, quien realizó sus obras en la ciudad de Barcelona.

En la historia del arte, la modernidad comienza en la Revolución Francesa. El progreso es un ideal del modernismo, y la sociedad va junto a ello hasta en la actualidad. A diferencia de la Escuela de Chicago, el modernismo se centra más en la forma, por lo que se guían más por sus sentidos y utilizan la línea curva.

Escuela de Chicago VS Modernismo Funcional VS Bonito

Escultura del Siglo XIX

La evolución de la escultura durante el siglo XIX estuvo relacionada con la evolución de la pintura, pero con posibilidades formales y temáticas más reducidas. La escultura se independizó de la arquitectura y se hizo más libre, pero a su vez la escultura monumental cedió lugar a la pequeña figura para decorar el hogar.

La influencia de Delacroix se evidenció en los trabajos de François Rude, sobre todo en "La Marsellesa", que decora el Arco del Triunfo de l'Étoile, en París. Otro artista, Baptiste Carpeaux, fue autor de los relieves de la Ópera de París.

Dentro de la época del Realismo destaca Daumier, autor de esculturas llenas de vida y espontaneidad, alejadas de los cánones académicos, como "Ratapoil".

Realismo

Este es un movimiento muy característico de España. El Realismo, tanto en literatura (Zola, Balzac, Oller, Galdós) como en pintura, buscaba la realidad más cercana y cotidiana. Son las nuevas clases populares surgidas de la Revolución Industrial, con su miseria y necesidades, las que protagonizan las obras. El Romanticismo y su idealización dejan paso al Realismo, que triunfó en Francia entre 1848 y 1870.

Con el Realismo se abandonan los temas medievales, clásicos y orientales, y se sustituyen por temas contemporáneos tratados con objetividad, en los que aparecen las ideas político-sociales del momento. Lo que condujo a esto fue:

1. La definitiva implantación de la burguesía.
2. El positivismo filosófico.
3. La sensibilidad y conciencia de los artistas hacia los problemas sociales surgidos en la industrialización.
4. El desencanto por los fracasos de la Revolución de 1848 (abandono del mundo idealizado).

El Realismo se negó a idealizar imágenes, el enfoque directo choca con la concepción del arte como sublimador de la realidad.

El artista es parte de la sociedad y no puede quedarse quieto ante ella. A menudo toman partido por los más humildes y se comprometen con los grandes problemas políticos y sociales (ARTE COMPROMETIDO).

La aparición de la fotografía con el daguerrotipo de Daguerre en 1839, la difusión de la prensa escrita, la revolución tecnológica y el positivismo filosófico influyeron en los artistas. En cuanto a la composición, los encuadres eran como los de una instantánea fotográfica, y la técnica era libre y diversa. La litografía y el dibujo fueron útiles para la difusión en la vida cotidiana.

Durante la formación del Realismo francés, el desacuerdo del arte oficial con las nuevas tendencias abrió una brecha entre el arte oficial que se exponía en los salones oficiales y un arte independiente, que evolucionó hacia nuevas temáticas y expuso sus obras en salones extraoficiales.

La pintura barroca española es un referente para el lenguaje pictórico realista, pero fue Goya con sus "Caprichos" y "Desastres de la guerra" el precursor de este movimiento.

Los realistas pintaron sin selección temática, representaban fielmente lo que tenían ante los ojos. La creación artística debía ser técnicamente perfecta, el artista pintaba lo que miraba pero elegía lo que miraba. En los más sensibles surgió la necesidad de mostrar las miserias del proletariado. Otros se dedicaron a representar la naturaleza sin los conceptos académicos ni románticos.

El fundamento de la representación realista del paisaje lo encontramos en la Escuela de Barbizon, desarrollada en Francia en 1830 por jóvenes pintores encabezados por Rousseau.

En Francia encontramos a Courbet, Daumier y Millet, quienes definieron la escuela realista francesa, antecesores de las corrientes europeas.

Gustave Courbet: "El taller del pintor"

Honoré Daumier: "Vagón de tercera clase"