Rogier Van der Weyden: La Maestría Gótica de *El Descendimiento de la Cruz*

El Descendimiento de la Cruz

La obra conocida como **El Descendimiento de la Cruz** es considerada la **obra maestra** del pintor flamenco **Rogier Van der Weyden**.

Ficha Técnica

• Título: El Descendimiento de la Cruz
• Tipo de obra: Tabla central de un tríptico.
• Técnica: Óleo sobre tabla.
• Cronología: Hacia 1435.
• Tema: Religioso.
• Autor: Rogier Van der Weyden.
• Estilo: Gótico (Primitivos Flamencos).

Contexto Histórico y Encargo

Este cuadro fue la sección central de un tríptico, pintado como encargo de la **cofradía de los ballesteros de Lovaina**, destinado a una capilla de Nuestra Señora Extramuros. En honor a dicho gremio, el artista incluyó diminutas **ballestas** en los ángulos de la composición, un detalle de gran simbolismo.

Trayectoria de la Obra (Procedencia)

La regente de los Países Bajos, **María de Hungría**, llegó a un acuerdo de canje con los responsables del templo: obtuvo la pintura original a cambio de un órgano. Más tarde, el rey **Felipe II** la traería para España.

Inicialmente, la obra se ubicó en el Palacio del Pardo. Sin embargo, el rey sentía tal aprecio por este cuadro que, cuando estableció una nueva corte en **El Escorial**, encargó a **Coxcie** una réplica. Esta copia debía quedarse en el Pardo, mientras que el original se llevaría a decorar El Escorial. Hoy en día, esta copia de Coxcie se encuentra en El Escorial y la obra original, en el **Museo del Prado**.

Iconografía y Tema

El tema es **religioso**, típico de la pintura gótica: **Cristo bajado de la cruz**. Los Evangelios hablan de ello: **José de Arimatea** pidió a Poncio Pilato que le dejara llevarse el cuerpo de Jesucristo para enterrarlo. A pesar de que el Nuevo Testamento no lo describe con detalle, la pintura, y el arte en general, lo ha representado una y otra vez, convirtiéndolo en un motivo central de la Pasión.

Composición y Estilo

El Espacio y el Fondo

Rogier van der Weyden encaja a las figuras en un espacio apaisado, en forma de **urna**. El fondo es liso, de **oro**, un elemento típicamente gótico italiano del *Dolce Stil Nuevo*; de este modo, las figuras parecen **esculturas policromadas**. El fondo de oro simboliza, además, la **eternidad** y es propio de lo divino. La ausencia de paisaje en el resto del cuadro centra toda la atención en las figuras, que se alojan en un espacio reducido.

Pese a esto, en la parte inferior, hay un pequeño fragmento de paisaje, con diminutas plantas, un hueso alargado y una **calavera** junto a la mano de María desmayada. Este detalle puede simbolizar a **Adán**, el primer hombre en la tierra, y su destino, conectando la redención de Cristo con el pecado original.

Estructura y Movimiento

Para la concepción de este retablo, el autor se ha fijado en un retablo de figuras talladas, donde los personajes aparecen dispuestos como en un **altorrelieve**. Rogier opone una composición intelectualmente muy trabajada frente a la configuración intuitiva de Van Eyck. La superficie se distribuye mediante movimientos que se complementan:

• Las figuras de San Juan (a la izquierda) y de María Magdalena (a la derecha) se corresponden a pesar de las diferencias de expresión y modelado.
• Se repite la postura de Cristo en la Virgen desfallecida.

Jesucristo aparece en la misma posición que su madre, lo que significa que los dos sufren el mismo dolor, ilustrando así la **Compassio Mariae** (la compasión de María). Su **composición axial** (vertical y horizontal) se inscribe en un **óvalo**. Las posiciones del brazo de Jesucristo y de la Virgen expresan las direcciones básicas de la tabla. Puede trazarse una diagonal desde la cabeza del joven que ha liberado a Cristo hasta la Virgen y el pie derecho de San Juan. Los rostros están alineados horizontalmente, una alineación que viene suavizada por la línea ondulada de las expresiones corporales de los personajes.

Simbolismo y Emoción

El artista utiliza el recurso del **trampantojo** en sendas tracerías góticas en los dos ángulos principales. Es un cuadro cargado de **simbolismo religioso**, desplegando en esta escena toda una gama de exquisitos matices y de doloridas expresiones, con una profunda emoción religiosa. Las lágrimas de María de Cleofás, por ejemplo, buscan provocar la emoción del espectador ante las expresiones de los personajes.

Color y Luminosidad

Los ropajes y el uso magistral del **claroscuro** proporcionan los efectos lumínicos. El artista utiliza los **colores complementarios** entre dos personajes consecutivos para resaltar más cada individualidad. Los colores **fríos** caracterizan a los personajes más patéticos: las mujeres y el joven subido a la escalera; los demás personajes visten colores **cálidos**.