Renacimiento Musical: Características, Formas y Compositores

Contexto Histórico del Renacimiento

El Renacimiento abarca desde la segunda mitad del siglo XV hasta el siglo XVI. Desde el punto de vista político, se caracteriza por la aparición de los Estados nacionales y la concentración del poder en manos de los reyes. La España renacentista mantiene una rica y fructífera relación con Europa. La realidad y la percepción del mundo son muy diferentes a las de la Edad Media. La Tierra ya no es el centro inamovible del Universo. Sin embargo, ni la Iglesia ni los reyes quieren perder las prerrogativas que les concedían las viejas concepciones, por lo que persiguen las nuevas ideas. Este periodo es testigo de acontecimientos tan relevantes como el descubrimiento de América. Frente a la Reforma protestante de Lutero, se levanta la Contrarreforma. El Concilio de Trento establece el modo de organización y la doctrina de la Iglesia católica, intentando dejar sin argumentos a los reformistas protestantes, aunque la Reforma ya estaba consolidada.

Desde el punto de vista cultural, el hombre occidental se propone un cambio que afecta a todas las áreas de la vida humana. El Renacimiento musical no supone una ruptura con la Edad Media, sino una evolución; es la culminación de la polifonía. Esta será mucho más avanzada que la medieval y perfecciona las técnicas contrapuntísticas utilizadas anteriormente.

El Humanismo y la Música en el Renacimiento

El Renacimiento musical supondrá la perfección y evolución de los procedimientos polifónicos medievales. El Renacimiento cambia su forma de pensar por el humanismo, que valora lo profano porque no solo se centra en Dios, sino que le importa la vida terrenal y ser feliz. El pensamiento del hombre deja de ser exclusivamente teocéntrico. La música profana adquiere gran importancia. La música no solo sirve para orar a Dios, sino también para divertirse; así nace el madrigal. Con respecto al papel de la música en la época, esta es valorada por la clase civil y política. El pensamiento platónico considera que la música perfecciona a la persona. Los humanistas la consideran como un modo de exaltar al ser humano y cantar sus problemas.

Esto contrasta con varios hechos:

• La música se estudiaba en la universidad, que se dividía en dos bloques: el "Trivium" y el "Quadrivium", y su importancia se equiparaba a la de otras disciplinas de la época.
• Se consideraba que la música era imprescindible para toda persona que perteneciera a una clase alta.
• El músico pasa a estar bajo la protección de un mecenas, que le garantizaba su sustento económico.
• Nacen las capillas musicales, formadas por músicos que trabajaban para mecenas, y estaban compuestas por:
  • Los miembros del coro.
  • Los ministriles.
  • El maestro de capilla.

En las catedrales había capillas de prestigio (como la capilla papal en Roma). Por eso se conservan tantas partituras de los maestros de capilla de España. Músicos como Tomás Luis de Victoria y Francisco Guerrero fueron excelentes compositores de la época.

Características de la Música Religiosa Renacentista

1. Misas y Motetes: Las misas revelan los mismos recursos compositivos que los motetes, siendo ambas composiciones polifónicas. Se diferencian entre el siglo XV y el siglo XVI. La complejidad contrapuntística del siglo XV se representa por compositores de la escuela franco-flamenca.

2. Influencia del Concilio de Trento: En el siglo XVI, ambas formas se condicionan por el Concilio de Trento en la composición de obras religiosas. La Contrarreforma admite la polifonía, pero exige que las obras cumplan con:

• Comprensibilidad del texto: Se buscaba evitar el uso de muchas voces y técnicas contrapuntísticas complejas, como la imitación por inversión. Para solucionar esto, la Contrarreforma consideró prohibir la polifonía, pero finalmente la permitió como procedimiento compositivo, aunque las partes con texto extenso debían ser tratadas homofónicamente, mientras que aquellas con texto exiguo podían utilizar el contrapunto imitativo. No se debía elevar el número de voces, que ya estaban escritas a 4, 5 o 6 voces.
• Austeridad en la utilización de recursos expresivos: Se hacía hincapié en la música de la Iglesia, que debía ser seria y austera. Por eso, los motetes y misas tienen pocos recursos expresivos.
• Textos religiosos y en latín.
• Interpretación a capella.
• Composición de obras religiosas: Se expulsa el "cantus firmus" profano y la técnica de "parodia" en las misas. La técnica del "cantus firmus" suponía utilizar en la composición polifónica una melodía ya existente de la música profana.

Con respecto a la técnica de la parodia, esta suponía utilizar obras polifónicas enteras como base de la nueva composición. La prohibición implicó el empleo del canto gregoriano como "cantus firmus".

3. Ritmo: Tanto los motetes como las misas debían tener un ritmo tranquilo, pero natural, a diferencia de la música profana, que es expresiva y con partes movidas. Se utilizaba el "tactus", relacionado con la declamación del texto.

El Motete

Se puede definir como una forma musical polifónica a 4 voces, con la técnica del contrapunto imitativo, del "cantus firmus", forma homofónica, texto religioso en latín e interpretada en momentos de la misa y a capella. El motete era una forma polifónica cuyo texto era una cita corta en latín. Todas las voces cantan el mismo texto. Los motetes se estructuraban en distintas partes con tratamiento homofónico o contrapuntístico. Se usaba el "cantus firmus" procedente del canto gregoriano. Cuando se utilizaban técnicas contrapuntísticas, se adaptaba una frase musical a varias voces con libertad melódica.

La Misa

Se puede definir como una forma polifónica, a 4 voces, a capella, construida con la técnica del contrapunto imitativo, del "cantus firmus" u homofónica, con texto en latín y que consta de 5 partes: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei. En el siglo XV, cada parte se escribe en forma de motete, pero sin uniformidad de estilo. Este tema proporciona mayor uniformidad, pero sin el equilibrio orgánico que no aparece hasta el siglo XVI. Las misas de estos siglos se construyen tomando como base la construcción motívica, un "cantus firmus" que podía ser religioso o profano.

Compositores Destacados

• Siglo XV: Escuela franco-flamenca: Guillaume Dufay, Johannes Ockeghem y Josquin des Prez.
• Siglo XVI:
  • Compositores italianos: Giovanni Pierluigi da Palestrina. Obras: 103 misas, 600 motetes y 60 madrigales espirituales.
  • Compositores españoles:
    • Tomás Luis de Victoria. Obras: Officium Hebdomadae Sanctae, Missa pro defunctis, libro de misas y 46 motetes.
    • Cristóbal de Morales. Obras: libro de misas, Missa pro defunctis, más de 100 motetes y 16 madrigales.
    • Francisco Guerrero: Liber vesperarum y canciones y villanescas.

La Danza en el Renacimiento

La sociedad refinada adopta la danza como un entretenimiento de nobles. El éxito de la música instrumental está dedicado a la danza. La necesidad de componer una música para bailar condiciona su estructura: los pasos obligan a marcar desplazamientos, frases cortas con cadencias claras, ritmos y repeticiones. Los pares de danzas solían ser agrupados en parejas contrastantes, con ritmo binario y tempo lento, seguidos de una segunda danza. Algunas de las más célebres fueron:

• La Pavana: Danza de carácter procesional en ritmo binario, lento y ceremonioso. Tiene 3 partes, donde cada una se repite dos veces.
• La Gallarda: Danza de ritmo ternario, con la misma estructura que la pavana, pero con una coreografía más exigente.

El Origen del Ballet

La introducción de la danza en el teatro comienza a desarrollarse con reglas muy severas. Hay dos géneros: danza de sociedad y teatral. El primer ballet de la historia es el Ballet Comique de la Reine, representado en París en 1581, primera representación que combina música, poesía, decoración y danza.

Los Instrumentos

En esta época aún no existe el nombre de orquesta, de manera que no hay partituras con instrumentos específicos, y las obras se interpretan con lo disponible. Las familias se dividen en dos categorías en función del sonido, timbre o ejecución:

• Música alta: Instrumentos de gran potencia sonora, agrupaciones destinadas para la interpretación al aire libre y en público.
• Música baja: Intensidad suave, para espacios interiores.

Algunos instrumentos eran de cuerda pulsada, como el laúd y la vihuela, o de teclado, como el órgano y el clave.

Audiciones

Ave Maria - Josquin des Prez

• Ritmo: Compás en 2x2 y 3x4, existe heterometría. La obra está escrita en distintos compases. Esto no aparece indicado en la partitura para adaptar mejor los acentos del texto y de la música. Con respecto al tempo, es moderato o andante, con un pulso constante llamado "tactus", asociado al texto. Las melodías son silábicas (a cada nota corresponde una sílaba del texto), aunque algunas partes son melismáticas (el "Amén" al final).
• Melodía: El ámbito es el decimosegundo, con un diseño melódico ondulante, y la melodía está articulada en distintas frases musicales. Los intervalos son conjuntos. Existe una clara diferenciación entre las 4 voces: los sonidos más agudos destinados a sopranos y los graves a la voz más baja. Esto surge en el Renacimiento y llega hasta nuestros días. La escala es de Re mayor, aunque la obra se considera pretonal. El empleo de alteraciones de las notas Fa y Do anuncian el modo mayor.
• Timbre: Aunque se escuchan voces femeninas, en su época eran interpretadas por niños o falsetistas. La voz del altus la cantan contratenores, y los bajos son voces masculinas. Es vocal sin acompañamiento instrumental, o a capella.
• Textura: Después del primer compás hasta el quinto, contrapunto imitativo; del quinto al octavo, textura homofónica; del noveno al trigésimo quinto, textura homofónica; y el "Amén" contrapuntístico. La parte más compleja se trata de forma homofónica, y las más sencillas, en contrapunto.
• Periodo: Motete renacentista del siglo XVI, voces con el mismo texto y se tiende a la inteligibilidad.
• Género: Litúrgico, música profana, música culta dirigida a un público ilustrado, con música a capella.
• Forma: Motete con forma polifónica a 4 voces, construida con la técnica del contrapunto imitativo.

Hoy comamos y bebamos - Juan del Encina

• Melodía: El ámbito es reducido, de quinta. El diseño es ondulante y predominan los intervalos conjuntos. Existe un motivo recurrente de 3 notas que asciende por grados conjuntos. Las tesituras de las voces se diferencian, con los sonidos más agudos para la voz superior y los graves para la inferior. Está en modo de Re. En la partitura aparecen alteraciones sobre la melodía, llamada "música ficta", y su interpretación está a elección del músico.
• Timbre: Interpretada por un coro de cámara mixto. La música de la voz superior está en clave de Sol, la intermedia en Sol a la octava baja y la inferior en clave de Fa en cuarta. Se alterna coro y solista, que no aparece en la partitura. Tampoco aparecen indicaciones para instrumentos, pero sabemos que en la música profana sí los hay. Algunos instrumentos que aparecen son timbales, pandereta, chirimías y un instrumento de cuerda pulsada. Estos acompañan a las voces realizando una variación.
• Textura: Homorrítmica, porque las voces transcurren con un mismo ritmo y texto. No existe fragmento contrapuntístico.
• Periodo: Pertenece a finales del siglo XV.
• Género: Música culta o profana y vocal con acompañamiento instrumental. Podemos decir que es un villancico.
• Forma: Un villancico era una forma musical profana. Proviene de "villa", que tiene un carácter popular. Tiene forma: desde el compás 1 al 13, estribillo; a partir del 14 hasta el final, la estrofa se repite; y una tercera estructura llamada "vuelta", que no tiene repetición literal.
• Autor: Juan del Encina, compositor y poeta. Es el más representativo del género villancico. Se conservan 48 de este autor.
• Título: Hoy comamos y bebamos.