El Renacimiento: Arte, Cultura y Sociedad en los Siglos XV y XVI

El Renacimiento: Un Nuevo Paradigma Artístico y Cultural

1. Panorama Histórico-Cultural

El Renacimiento es un movimiento cultural que surge en Italia en el siglo XV y se extiende al resto de Europa en el siglo XVI. Se caracteriza por un retorno a los modelos clásicos de la antigüedad griega y romana en la pintura, escultura y arquitectura.

En las universidades se estudian los clásicos en griego y latín, cuestionando los dogmas establecidos. La invención de la imprenta facilita la difusión de la cultura escrita, mientras que la brújula permite la expansión del mundo conocido.

En el siglo XVI, la Iglesia se ve marcada por la acumulación de cargos y riquezas, generando una división entre el alto y el bajo clero.

El ser humano se convierte en el centro del universo (antropocentrismo). A diferencia del Gótico, donde las dimensiones del edificio dominaban al hombre, en el Renacimiento, el hombre domina al edificio. Esto se refleja en la preferencia por edificios más pequeños y proporcionados.

2. Características Principales

El Renacimiento representa una recuperación de la Antigüedad y una ruptura con la estética medieval. El Humanismo, una corriente ideológica, filosófica y cultural, influye profundamente en los intelectuales y artistas de la época.

Se produce una renovación en los sistemas de representación, destacando la aplicación de la perspectiva artificial en las representaciones plásticas.

Desde una perspectiva social, se pasa del artista-artesano a la figura del artista-creador.

3. Disciplinas Artísticas

3.1 Arquitectura

• Se retoma la superposición del dintel al arco, utilizando elementos como entablamentos y frontones, pero también bóvedas.
• Son característicos el muro de sillería de paramento almohadillado y el muro de paramento esgrafiado.
• Se emplean columnas clásicas: dóricas, jónicas y corintias, a veces superpuestas en el exterior del edificio. También se utiliza la columna abalaustrada, con formas bulbosas en el fuste.
• Los entablamentos se componen de arquitrabe, friso y frontón, siguiendo los modelos clásicos.
• Se utilizan arcos de medio punto y bóvedas de medio cañón, esquifadas, de paños curvos, vaídas y grandes cúpulas.
• En la decoración se emplean grutescos o candelabros, donde el artista combina elementos de la naturaleza (animal y vegetal) creando seres fantásticos. También se usan flores, frutos, trofeos y objetos diversos.

4.1 Quattrocento (Siglo XV)

• Brunelleschi: Su obra más representativa es la cúpula de Santa María de las Flores en Florencia. Cubre las tres naves de la catedral gótica, inspirándose en el Panteón de Agripa en Roma, pero ideando un sistema de doble cúpula para contrarrestar los empujes.
• Michelozzo: Construye el Palacio Riccardi, siguiendo el modelo del Palacio Pitti, pero acentuando las diferencias del almohadillado en los tres pisos y enriqueciendo los vanos con parteluces.
• Leon Battista Alberti: Destaca su iglesia de San Andrés de Mantua, con planta de cruz latina de una sola nave con capillas laterales, cubierta con bóveda de cañón y cúpula sobre el crucero. La fachada se presenta como un arco de triunfo romano coronado por un frontón.

4.2 Cinquecento (Siglo XVI)

• Bramante: Su obra más destacable es el templete de San Pietro in Montorio, construido en el lugar donde, según la tradición, fue crucificado San Pedro. De planta circular, presenta dos cuerpos, el segundo de menor diámetro y cubierto por una cúpula. Las metopas del friso dórico se decoran con objetos litúrgicos.
• Miguel Ángel: Realiza la obra de San Pedro del Vaticano. Sustituye la planta de cruz griega de Bramante por una de cruz latina y añade una gran cúpula sobre el crucero, apoyada en un tambor con ventanas y frontones.
• Antonio Sangallo el Joven: En el Palacio Farnesio, renuncia al almohadillado florentino, limitando el claroscuro al encuadramiento de los vanos. Alterna frontones curvos y rectilíneos en la planta principal.

3.2 Escultura

Rompe con las formas medievales y se inspira en la antigüedad grecolatina. La figura humana, reflejo del antropocentrismo renacentista, se representa con veracidad y realismo. Se caracteriza por:

• Contrapposto: La figura se apoya en un pie, liberando el otro y arqueando la cadera. A menudo, la cabeza gira hacia un lado, rompiendo la simetría.
• Interés por el desnudo: Se busca la belleza frontal de los cuerpos.
• Movimiento sosegado: El contrapposto sugiere un movimiento pausado.
• Equilibrio de proporciones y simetría: Se establece un canon de 9-10 cabezas y se busca la relación entre el todo y las partes.
• Multiplicidad de puntos de vista (estereometría): Aunque las figuras se representan de frente, la cabeza suele estar ladeada.
• Se utilizan diversos materiales: piedra, mármol, bronce, terracota, yeso, madera, pero predominan el mármol y el bronce.
• Los temas preferidos son los mitológicos y religiosos. La temática mitológica a menudo encubre simbolismos cristianos.

4.1 Quattrocento (Siglo XV)

• Ghiberti: Destacan sus dos puertas de bronce para el Baptisterio de Florencia. La segunda, conocida como la "Puerta del Paraíso", presenta escenas del Antiguo Testamento en compartimentos rectangulares.
• Donatello: Cultiva el bulto redondo y se interesa por la figura humana en diferentes edades. Su obra más característica es "La Asunción".
• Verrocchio: Su obra más representativa es "El Colleoni" de Venecia, una estatua ecuestre en bronce que replica el "Gattamelata" de Donatello e inspira en el "Marco Aurelio".

4.2 Cinquecento (Siglo XVI)

• Miguel Ángel: Su obra más característica es el "David", una estatua de bulto redondo y exenta que representa el contrapposto clásico, mostrando un perfecto conocimiento de la anatomía humana.
• Miguel Ángel: "Moisés": Estatua sedente de bulto redondo y exenta. Refleja un gesto manierista de crispación. Los cuernos sobre la cabeza se interpretan como símbolo de iluminación divina.
• Miguel Ángel: "Los Esclavos": Esculpidos en mármol blanco, simbolizan las artes liberales encadenadas tras la muerte de Julio II.

3.3 Pintura (Siglo XV)

Se busca la perfección en la representación de la figura humana, con rostros, gestos y actitudes realistas. Se utiliza la perspectiva geométrica para una visión matemática de la realidad. La técnica predominante es el óleo sobre lienzo.

Se caracteriza por la simplificación, claridad y grandiosidad. Los temas principales son religiosos, mitológicos y alegóricos.

4.1 Quattrocento (Siglo XV)

• Botticelli: "El Nacimiento de Venus": Venus, desnuda sobre una concha, es empujada a la playa por los Céfiros, recibida por Flora.
• Ghirlandaio: Sus temas religiosos sirven de excusa para escenas profanas donde lo anecdótico cobra importancia. Ejemplo: "El Nacimiento de la Virgen".
• Masaccio: "El Tributo de la Moneda": Representa tres escenas consecutivas: el recaudador pidiendo el impuesto, Pedro recogiendo el óbolo del pez y Pedro pagando al recaudador.

4.2 Cinquecento (Siglo XVI)

• Leonardo da Vinci: "La Gioconda": Retrato de la esposa de Francesco Giocondo. Destacan la misteriosa sonrisa, el tratamiento de la luz ("sfumato") y el paisaje.
• Leonardo da Vinci: "La Virgen de las Rocas": Inscribe las figuras en un triángulo y las enlaza a través de miradas y gestos. La luz crea una atmósfera de misterio.
• Leonardo da Vinci: "La Última Cena": Pintura mural donde los personajes se agrupan de tres en tres, dejando a Cristo en el centro. Refleja la expresión de asombro de los apóstoles ante el anuncio de la traición.