Principios de la animación: Leica-Reel, timing y los 12 fundamentos esenciales

Leica-Reel

Leica-Reel. Pieza audiovisual en la que se reúnen las imágenes del storyboard con la pista de audio preliminar, de manera sincronizada.

Los 12 principios de la animación

12 principios. Son normas o consejos a seguir para un buen resultado. Representan la realidad e interpretan la física del mundo real. Siguen vigentes y han evolucionado adecuándose a las nuevas técnicas.

Compresión y extensión (squash and stretch)

Exagerar las deformaciones de los cuerpos para un efecto más cómico o dramático. Motion blur: si la escena cambia en el tiempo aparece movida; en animación tradicional hay que simularlo. Permite mostrar la rigidez del cuerpo y su velocidad. El volumen debe permanecer intacto para que sea creíble y se extiende en la dirección del movimiento.

Anticipación

Informa sobre la velocidad de la acción: a mayor velocidad, mayor anticipación mediante un movimiento contrario. A veces es necesaria físicamente; otras, ayuda a focalizar la atención y a comprender qué va a pasar.

Puesta en escena

La puesta en escena engloba la composición, la posición de cámara y la disposición de los personajes y objetos para transmitir intención y estado emocional.

Poses

La silueta debe ser reconocible y no contradecirse. Debe haber una acción principal única para no distraer.

Cámaras

Es fundamental conocer la terminología de los tipos de planos y las posiciones de cámara para describir el estado emocional del personaje. La composición es similar a la fotografía en el cine: permite ocultar o destacar puntos de interés y traduce intenciones y ambiente en posiciones y acciones. El director lo esboza en el storyboard, pudiendo visualizarse con los animatics.

Movimiento

Diseñar cómo se mueve el personaje en la pantalla. El timing es fundamental y debe expresarse una única acción-idea por vez.

Animación directa y de clave a clave

Animación directa

Se crea cada fotograma de forma individual, siendo una animación más libre. No permite ver el resultado exacto hasta el final.

Animación por keyframes (clave a clave)

A partir de los fotogramas clave se crean los in-between (intermedios o intercalados). En animación por ordenador se habla de interpolación. Se conoce qué ocurrirá en cada momento.

Prolongación y acción superpuesta

Enriquecen y detallan la acción. Las cosas no se paran de golpe; puede considerarse lo opuesto a la anticipación. Depende de la acción principal, del peso y elasticidad del personaje u objeto y de la resistencia del entorno. Es el final del movimiento o la reacción del personaje.

Acción supuesta

Múltiples movimientos se mezclan e influyen en la posición del personaje. Los elementos se detienen en diferentes momentos: lo que está más afuera se detiene más tarde. Las distintas partes se mueven en momentos diferentes.

Entradas y salidas (lentas)

Aceleración y desaceleración gradual de un movimiento. Aportan credibilidad al movimiento y muestran la gravedad y la naturaleza física de los objetos. Se representan mediante curvas de animación.

Arcos

El movimiento en arcos parece más natural, ya que la naturaleza se desplaza en trayectorias curvadas.

Acción secundaria

Movimientos que acompañan y complementan la acción principal, potenciándola. Aportan interés, atractivo y realismo.

Sentido del tiempo

Un timing correcto hace que la animación obedezca las leyes de la física y proporcione emoción e intención.

Exageración

Ayuda a reflejar la esencia de la acción, acentuándola. Debe aplicarse con cautela y equilibrio. Una pose algo exagerada durante un breve instante puede dar más interés e incluso mayor realismo. Es una caricatura de la realidad más convincente. En los diálogos se suelen establecer poses exageradas en los puntos de mayor tensión o importancia; se observan como squash y stretch o con poses extremas.

Atracción

Facilita la conexión emocional con el público mediante aquello que tiende a captar la vista del espectador. El encanto de un personaje desaparecerá si se anima incorrectamente, por ejemplo, con asimetrías poco atractivas en las poses.

Dibujo sólido

El dibujo sólido agrupa conceptos técnicos que garantizan poses creíbles y consistencia espacial.

• Peso, balance y profundidad. Hay que cuidar los ángulos de cámara para obtener buenas poses.
• Encaje. Bloques sencillos y ejes para conseguir articulaciones coherentes.
• Volumen. Profundidad: evitar frontales y perfiles; buscar asimetría y movimiento hacia cámara.
• Proporciones. Conocimiento de las proporciones para poder manipularlas.
• Equilibrio. Poses estáticas: centro de gravedad en la perpendicular del punto de apoyo.
• Peso. Animar es desplazar pesos de un sitio a otro. Caderas = concentración del peso.
• Actitud. Reacciones coherentes del personaje ante determinada acción.