Poetas españoles del siglo XX: Modernismo, Generación del 27 y Vanguardias

Juan Ramón Jiménez

Juan Ramón Jiménez nació en una familia acomodada, dueña de un exitoso negocio de vinos. Comenzó la carrera de Derecho, pero la abandonó para dedicarse a sus verdaderas pasiones: la pintura y, sobre todo, la poesía. En 1900, muere su padre, no perdonándose nunca no haberse reconciliado con él antes. Esto lo dejó profundamente trastornado. A su vez, creció en él una profunda tanatofobia (miedo a la muerte), que lo obsesionó durante toda su vida y afectó de lleno a su producción literaria.

Primera época (1900-1916): Etapa modernista y sensitiva

Ese período tan triste, con todo, fue el de mayor producción del poeta onubense, con cerca de 20 obras publicadas, entre las que destacan Arias tristes (1902), Jardines lejanos (1904), Elegías (1907), La soledad sonora (1908) y Platero y yo (1914). Los modernistas se centraban de nuevo en la expresión de sus sentimientos, y eso, precisamente, es lo que hace Juan Ramón Jiménez: desahogar la profunda pena que siente por culpa de los avatares del destino. Recurrirá también a los símbolos para expresar dichas sensaciones, más concretamente al jardín, que representará el corazón de Juan Ramón Jiménez y sus emociones de pesar, nostalgia, angustia, amor… En sus inicios, como buen modernista, apostó decididamente por el verso alejandrino y la rima consonante.

Segunda época (1916-1958): Etapa de la poesía pura

En esta etapa, aparta las características típicas del Modernismo para hallar una poesía "desnuda", pura y libre de cualquier exigencia métrica o temática. Usará el verso libre y el lenguaje será mucho más sencillo y directo, si bien las ideas que trata de transmitir son más complejas. Sí mantendrá en sus escritos los símbolos, decantándose ahora por el mar, que representa, por un lado, la soledad y, sobre todo, el deseo de eternidad. El onubense seguía obsesionado con la muerte y, por ello, intenta encontrar una manera de alcanzar la inmortalidad. Se fija en el mar como símbolo de algo enorme que permanece igual por los siglos de los siglos, igual que la eternidad. De esta etapa destacan: Diario de un poeta recién casado (1916) y Eternidades (1917).

La Generación del 27

• Sienten una profunda admiración por la literatura popular y tradicional del Romancero (neopopularismo), así como por la obra poética de Luis de Góngora y otros autores clásicos.
• Influidos por Juan Ramón Jiménez, tratarán de eliminar todo lo que pueda entorpecer la belleza de un poema (métrica, rima) y se centrarán en buscar la belleza por medio del lenguaje, las imágenes, la metáfora pura, las repeticiones…
• A pesar de lo anterior, es una generación que cultiva las vanguardias (en especial el Surrealismo) para explorar y hallar un nuevo lenguaje poético que sea adecuado para expresar su visión de la realidad.
• Usan toda clase de estrofas, desde las relacionadas con la lírica popular (romance, copla) hasta las clásicas (sonetos, tercetos), pasando por el verso libre de las vanguardias (sin rima ni métrica).

Estilos poéticos de la Generación del 27

• Poesía Pura: Se ha eliminado el sentimentalismo melancólico y la historia personal del autor; se busca la pura musicalidad y sugerencia de la palabra. Su tema principal es la celebración del universo.
• Vanguardismo: Empleo de imágenes vanguardistas, espacios en blanco, y temas y objetos de la modernidad (automóviles, electricidad, geometría…).
• Neogongorismo: Se revaloriza la figura de Góngora como precursor de la poesía pura, de la metáfora vanguardista y del lenguaje de la poesía moderna.
• Neopopularismo: Imitación de las canciones tradicionales y de los romances de los siglos XV y XVI. Los poetas del 27 valoraban estos poemas como una forma de “poesía pura”, basada en la sencillez e imágenes irracionales.
• Surrealismo: Movimiento artístico que aprovecha la sucesión de imágenes que provienen del mundo del subconsciente. En literatura, se presenta con imágenes irracionales, sintaxis incoherente y el libre fluir de las palabras.

Autores

Rafael Alberti

Nació en el Puerto de Santa María (Cádiz). Se trasladó con su familia a Madrid. Desde 1930, intervino activamente en política como miembro del Partido Comunista. Vivió el exilio en Argentina e Italia. Su primer libro, Marinero en tierra (Premio Nacional de Literatura en 1925), pertenece a la corriente del neopopularismo. Alberti combina el tono y el léxico sencillo de la poesía del cancionero con temas e imágenes vanguardistas. El mar estará bien presente en su obra, convirtiéndose en un claro símbolo de todo lo que ha perdido el poeta en su vida: su niñez, su inocencia, su felicidad… Por consiguiente, el tono empleado por Alberti en sus escritos siempre será nostálgico y melancólico, fuertemente inspirado en su propia biografía y sus propias vivencias, las cuales no fueron nada sencillas. En 1928, publica Sobre los ángeles, libro de orientación surrealista que muestra, con cierta desesperanza, su compasión por los pobres, los desplazados, los exiliados… Es decir, por aquellos que lo han perdido todo por culpa de la guerra y el odio, igual que él.

Luis Cernuda

Nació en Sevilla. Exiliado tras la Guerra Civil, vivió en Inglaterra, Estados Unidos y México, donde murió. El tema principal de su obra, que agrupó con el título La realidad y el deseo, es la búsqueda de plenitud, amor y libertad del ser humano frente a una realidad que niega los ideales e ilusiones. Los temas de su poesía son, por tanto, el amor, la soledad, el ansia de belleza y el deseo de una sociedad más tolerante. El amor en Cernuda es un sentimiento pasional absoluto, capaz de conseguir cualquier cosa. Por ejemplo, en este poema revela claramente que su amor sobrevivirá a la mismísima muerte (como en su día dijese Quevedo), e incluso al olvido, al sentimiento más opuesto que pueda existir frente al amor. Todo ello permite al poeta expresar lo que siente por su ser amado, unas emociones que, por desgracia, no podrán hacerse nunca realidad. Cernuda es consciente del tiempo en el que vive y sabe que su homosexualidad nunca será aceptada. Por tanto, jamás podrá amar con absoluta libertad a nadie. Esa frustración se traducirá en un tono melancólico que presidirá muchos de sus poemas.

Federico García Lorca

Nació en Fuente Vaqueros (Granada). Convivió con Salvador Dalí y Luis Buñuel en Madrid. El éxito de Romancero gitano lo consagró como uno de los grandes poetas del momento. Residió en Nueva York durante el curso académico 1929-1930, experiencia negativa que reflejó en su obra Poeta en Nueva York. Fue asesinado en Granada al comienzo de la Guerra Civil (1936). El Romancero gitano es un libro de poemas narrativos protagonizados por personajes andaluces y gitanos que habitan un mundo amenazado por fuerzas inquietantes. La riqueza de las imágenes da a los poemas una atmósfera de belleza e irrealidad cercana al surrealismo. Con Poeta en Nueva York, protesta contra la civilización moderna encarnada en la ciudad de Nueva York, que representa la aniquilación de la naturaleza, la explotación del ser humano y la marginación de las minorías. Su musicalidad y el uso de estrofas sacadas de la lírica popular (como el romance o la copla) dan pie a diferentes artistas a poder adaptar sus obras para ser cantadas. Por ello, sus versos serán octosílabos, con rima asonante en los pares. A su vez, se aprecia claramente la ambientación de las historias que narra (a fin de cuentas, es un romancero) en una Andalucía trágica, en la que los gitanos se enfrentan a la fatalidad y al destino. El pueblo gitano es, para Lorca, un símbolo de libertad y de lucha contra una sociedad que lo oprime, lo margina e incluso lo asesina. La Guardia Civil, en este sentido, es el antagonista de los gitanos, representando este cuerpo lo peor de una sociedad conservadora, restrictiva, intolerante y que impide a las personas ser como son. Sin embargo, esa lucha solo puede llevar a un destino: la muerte.

El tema característico del teatro de Lorca es la frustración o insatisfacción, que nace del choque entre dos fuerzas:

• Un deseo de libertad, de plenitud erótica y vital, encarnado casi siempre en personajes femeninos: Adela, en La casa de Bernarda Alba; la Novia, en Bodas de sangre.
• La realidad (la sociedad, la tradición, el destino…) que se opone al cumplimiento de esos impulsos.

En cuanto al estilo, el teatro de Lorca presenta los siguientes rasgos:

• El empleo de un lenguaje intensamente poético, saturado de símiles, de metáforas y de símbolos.
• El uso del verso y la prosa. Algunas obras están escritas íntegramente en verso, y otras alternan verso y prosa.

Símbolos de Lorca

• La luna (que ya aparecía en el romance anterior) es portadora de dolor, tragedia y muerte. También puede representar la fecundidad (y, de esa forma, la vida) y la belleza.
• El agua, cuando fluye con libertad (como en un río), se entiende como fuente de vida, incluso de pasión sexual. Sin embargo, también puede ser un elemento de muerte si se encuentra estancada.
• El caballo representa la pasión desbordada, deseo, poder, vigor…
• Los metales simbolizan siempre la muerte, al ser algo frío y sólido.
• La sangre es la pasión y la vida, por lo que, si esta fluye fuera del cuerpo, simboliza la muerte.
• El espejo significa el hogar, una vida sedentaria.

El poeta granadino quiso poner voz a tanto sufrimiento y tanta angustia; y, de paso, reflejar también su propia melancolía personal, fruto de su añoranza por Andalucía, sus fracasos personales recientes y su condición homosexual. De ahí nació su segunda gran obra lírica, Poeta en Nueva York. El estilo neopopular desaparece por completo, como se puede apreciar, para dar paso a un surrealismo complejo, fuertemente metafórico y simbólico, difícil de comprender. Manifiesta al lector las sensaciones que Nueva York, como símbolo de ese capitalismo que destruía personas, le había producido. En ese sentido, la ciudad estadounidense representa la suciedad, la corrupción, el asco, la crueldad, la muerte, el hedor… Nueva York le arrebata su esencia vital, su personalidad y, finalmente, lo destruye por completo. Por medio del verso libre, Lorca también denuncia la situación que vive la etnia negra en América; manifiesta la soledad que siente el hombre ante un mundo tan absurdamente cruel; etc.

Ramón Gómez de la Serna

Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) fue el iniciador de las vanguardias en España y el creador de las greguerías. Las greguerías son enunciados breves e ingeniosos que responden a las siguientes características:

• Empleo de metáforas insólitas y de otros recursos estilísticos como las personificaciones o los juegos de palabras.
• Sentido del humor.

Vanguardias europeas

Los principales movimientos de vanguardia que afectan a la literatura europea son el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo.

• Futurismo: Su rasgo fundamental es la exaltación de la velocidad, la técnica, el deporte o la fuerza. Los textos futuristas se caracterizan por el uso de onomatopeyas y de signos no verbales, así como por las innovaciones tipográficas. El autor más destacado es el italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944).
• Dadaísmo: Los autores dadaístas cultivaron la poesía fonética, y sus obras presentan un carácter deliberadamente absurdo y provocador. En este movimiento sobresale el poeta rumano Tristan Tzara (1896-1963).
• Surrealismo: Propugnó la liberación del ser humano de la tiranía de la razón y la moral, mediante un arte y una literatura nacidos del inconsciente. Los escritores se inspiraron en los sueños y practicaron la escritura automática: textos surgidos en estado de semisueño o distracción, sin control consciente o racional del mensaje. El iniciador del movimiento fue el escritor francés André Breton (1896-1966).