La Pintura de los Primitivos Flamencos y la Escultura y Pintura Románica

La Pintura de los Primitivos Flamencos (Siglo XV)

La pintura de los primitivos flamencos surge en torno a los dominios de los Duques de Borgoña en Flandes (actual Bélgica), una de las zonas más urbanizadas de Europa. Desde el punto de vista pictórico la pintura de los primitivos flamencos significa un impresionante avance técnico y formal frente al Gótico Internacional. Hacia 1435, van der Weyden y Jean Van Eyck desarrollaron la técnica de la pintura al óleo y un estilo de un impresionante realismo y habilidad técnica.

Consideración del Artista

Existe una gran diferencia entre la consideración del artista flamenco y del primitivo italiano. Así, en contraste con la amplia documentación que tenemos sobre Giotto, lo cual manifiesta su consideración como artista reconocido e incluso idealizado, conocemos muy poco sobre los pintores flamencos. El pintor flamenco suele ser considerado poco más que un hábil artesano, aunque se sabe que Jean Van Eyck actuó como embajador del Duque de Borgoña.

Técnica y Temática

El material más utilizado es la pintura al óleo. La tradición atribuye a los hermanos Van Eyck la invención de la técnica del óleo, mediante la utilización de aceites de linaza y trementina. La técnica del óleo permite retocar continuamente y realizar "arrepentimientos". Además el óleo permite practicar la técnica de la veladura, la aplicación de sucesivas capas de color traslúcidas que permite representar un amplio arco de tonos diferentes. Estas pastas son muy diluidas y delgadas. La técnica pictórica es minuciosa, es muy probable que se pintara con pinceles diminutos y lentes, de hecho, las pinceladas sólo se advierten por medio de lentes. Es también probable que se empezaran a utilizar las cámaras oscuras aunque no hay pruebas concluyentes de ello. Soporte. Normalmente se pinta sobre tabla. Se pintan trípticos para ser vistos abiertos y cerrados, en algún caso se realizan polípticos más complejos.

Elementos Formales

Domina el dibujo sobre el color: el dibujo es de una gran perfección técnica. El color es brillante y está muy saturado por efecto del óleo. Hay una gran riqueza cromática y se utilizan las veladuras para multiplicar las tonalidades. Nunca antes del siglo XV se había conseguido un colorido tan intenso en la pintura. La luz es a veces difusa y a veces direccional. La luz se utiliza para crear corporeidad, pero también para enfatizar el realismo y las calidades y texturas de los objetos. Con ella se crea una atmósfera densa e incluso se generan efectos similares a los de la perspectiva aérea en el horizonte de los paisajes.

Escultura y Pintura Románica

Escultura

Subordinación a la arquitectura. Su adecuación al marco arquitectónico es tal que se “deforma” la figura (“ley del marco”), convirtiendo la arquitectura en un elemento complementario. Los artistas alargaban, retorcían o estiraban las figuras para adaptarlas al espacio de que disponían (según fuesen capiteles, tímpanos…). Rigidez y no se plasma ningún movimiento. Suelen estar realizadas en piedra caliza, granito o mármol, pero también en madera o marfil. En el caso de los grandes conjuntos en piedra, estos solían estar policromados con vivos colores, que se han perdido en la mayoría de los casos y que tal vez tuviesen un importante papel en el simbolismo románico. Antinaturalismo. Las figuras no son realistas ni idealizadas. Se pierde el ideal de la escultura clásica. Las figuras llegan a ser deformes y perfectas. No es intenta la escultura naturalista, la representación fiel del mundo, ni los objetos tal cual nos aparecen a los sentidos. Se busca siempre el simbolismo o la alegoría y que pretenden representar ideas o vivencias. Presenta una FUNCIÓN DIDÁCTICA Y MORALIZANTE. La escultura románica cumple entre otros su principal objetivo, que es el de comunicar e instruir a los fieles, de mayoría analfabeta (triunfa pues lo icónico, que exige imágenes para representar ideas). Son “libros en piedra”. Se representan figuras planas (sin volúmenes), hieráticas, tendentes a la geometrización, con composiciones geométricas. Jerarquización u orden en las figuras o escenas que se esculpen. Temática religiosa (Pantocrátor, Virgen entronizada con el Niño, Crucifixiones y escenas narrativas). Hay un horror vacui en la decoración de las portadas a dejar un espacio sin decorar.

Pintura Románica

Las características formales de la pintura románica coinciden con las de la escultura. FUNCIONES. Se destacan dos: decorativa (interiores de los templos, sobre ábsides y muros; o sobre tabla) y pedagógica o ilustrativa (enseñar en una sociedad analfabeta -como es la feudal- los contenidos de las Sagradas Escrituras.). TEMAS RELIGIOSOS. Una muestra de la sociedad que enmarca el arte románico, la feudal, del mecenazgo de la iglesia, y su influencia e importancia en la sociedad medieval. El tema más repetido es el del Pantócrator, también el de la Virgen Trono de Dios, imagen frontal en la que no hay comunicación psicológica entre madre e hijo. Otros temas son escenas de la Biblia o vidas de santos. TÉCNICAS. Al fresco o al temple (VER PÁGINA SIGUIENTE). ESCENAS: Carácter narrativo. Característica relacionada con su función didáctica ya que busca la narración sencilla de la Biblia. FIGURAS: Es una pintura antinaturalista, con predominio de la frontalidad, hierática y sin movimiento. No son realistas ni tienden a la idealización. PERSPECTIVA. No tiene perspectiva. No se busca ni la profundidad ni la representación tridimensional. Son obras planas. Cuando hay que representar un momento se elige el más tenso y espectacular, el más expresionista y representativo. ESTRUCTURA IMÁGENES: Predominio de la línea sobre el dibujo. El perfil de las figuras está bordeado con un trazo negro muy grueso que envuelve a las manchas de color. COLORES: Los colores son puros (sin mezclarlos) y primarios. Los colores son planos y no tiene gradaciones ni matices refinados. Asimismo se usaba una escasa gama cromática (pocos colores). Los colores son intensos; predominando los ocres, rojizos, amarillos, blancos y negros. FONDOS: El fondo es liso, por lo que la figura centra toda la atención del artista. LUZ: La iluminación es clara y se extiende por toda la obra, sin aparecer contrastes de luz y sombra. La iluminación interior de los templos contribuyen a otorgar un fuerte simbolismo a las obras. COMPOSISICIONES: Son sencillas, geométricos, ordenadas y adaptadas a la arquitectura. Las composiciones son simples y se hacen a base de yuxtaponer figuras (poner una al lado de otra), dispuestas de forma frontal y ordenadas de manera geométrica. Existe una jerarquía en las figuras que se pintan y se observa en su tamaño.

Iconografía Escultura

El arte románico es anónimo, pero comparte los modelos iconográficos primero, que los edificios románicos tienen de hecho una lectura iconográfica (desde la plata al grosos de los muros). Y, segundo, que los programas iconográficos se establecían concienzudamente y se debían al que llamamos artifex theorice a los que la innovación les importaba menos que el reconocimiento. Podemos enumerar algunas de las constantes iconográficas. En los claustros (capiteles) encontramos desde escenas del Antiguo y Nuevo Testamento hasta monstruos (que suelen representar los pecados). En las iglesias: primero, el Pantocrátor, que posiblemente está inspirado en los modelos bizantinos. Se encuentra en la mandorla mística (papel de mediador de Cristo), generalmente rodeado del tetramorfos. Lleva la diestra alzada (bendición/amenaza) y suele portar un libro (el libro de los vivos: Apocalipsis). Se pueden reconocer los signos de la pasión. Segundo, la Virgen en Majestad en la que la Virgen María aparece en un trono siendo ella a su vez el trono sobre el que se sienta el niño. El modelo de esta representación tiene también origen bizantino, en la que el niño está totalmente de espaldas a la Virgen. En las portadas podemos ver el Juicio Final (a veces el Pantocrátor) en el tímpano, que aparece rodeado (arquivoltas) de los veinticuatro ancianos del Apocalipsis; en alguna aparecen setenta y dos (discípulos enviados por Jesús, naciones que pueblan la Tierra según el Génesis en la traducción de los LXX). En las jambas de las portadas pueden estar los apóstoles (como sostenes de la Iglesia) o santos; en el parteluz se encuentra la figura a la que está dedicada la iglesia (Virgen María, Santiago). En las portadas se encuentran, además, otros modelos: la Ascensión y Pentecostés (la llegada del Espíritu Santo: por ejemplo en Sainte-Madeleine de Vézelay).