Pintura de Caballete en la Nueva España: Del Manierismo al Tenebrismo y el Barroco Novohispano

Pintura de caballete en la Nueva España

Todo tenía que ser importado, aunque el comercio económico con España era limitado. Los artistas no iban solos: se organizaban en gremios regidos por ordenanzas, con categorías como imagineros, doradores, frisqueros y sargueros. El interés se centraba en los primeros pintores, los retablos y la pintura religiosa (santos, antiguo y nuevo testamento, la Virgen). Durante mucho tiempo la producción fue realizada principalmente por manos de artistas españoles; más tarde surgió la Escuela de Pintura Novohispana, que dominaba sobre todo la facilidad de aplicación y los colores brillantes. Los artistas autóctonos estaban limitados, no copiaban modelos originales sino estampas y grabados.

Desde los inicios hasta la primera generación manierista

El primer artista con obra documentada fue Nicolás de Texeda Guzmán, autor del conjunto del retablo mayor de Cuautinchán, en Puebla. Los pintores activos a mediados del siglo XVI y la llegada de grandes pintores a México fueron Simón Pereyns y Andrés de la Concha.

Simón Pereyns

Uno de los grandes artistas del siglo XVI. Ambarino, procesado por la Inquisición por su vida licenciosa. Realizó el retablo de la Virgen de la Merced de la Catedral de México, el retablo de Huejotzingo (tres calles, cuatro entrecalles y banco), grandes composiciones, apóstoles, la Magdalena, la Egipcíaca, etc. Trabajó junto al escultor Pedro de Reyna. Destaca el cuadro de la Virgen de los Perdones, de corte rafaelesco, y San Cristóbal.

Andrés de la Concha

Otra gran figura del movimiento novohispano. Sevillano, de gran fama en México. Realizó el retablo mayor de la Catedral de Oaxaca, hoy perdido, y tablas aisladas. Colaboró en el retablo de Huejotzingo y en la primera iglesia de Santo Domingo; participó también en otros retablos como los de Yanhuitlán y Tepozotlán. Además intervino como arquitecto. Fue una figura compleja, renacentista en sus empleos y activo tallador. Sobresalen sus tablas dedicadas a Santa Cecilia, la Sagrada Familia con San Juanito (la uva, San José viejo), el martirio de San Lorenzo (no se recrea la tragedia), la tabla de los Cinco Señores o Santa Parentela (Catedral de México) y la Virgen del Rosario.

Otros artistas destacados junto a estos dos son Francisco de Morales, que trabajó junto a Pereyns, y Alonso Franco, vinculado a los dominicos.

Segunda generación

Provenientes de España, aparecen en su obra también elementos de rasgos mexicanos.

• Alonso Vázquez, nacido en Ronda. Buen dibujante y colorista, falleció pronto; obra no extensa. Destacan Virgen con el Niño y Virgen de las Uvas.
• Baltasar de Echave Orio: el de mayor prestigio y fama en su época. Vasco, sus hijos heredarían su oficio; representa el manierismo italiano. Pinturas de los retablos de la iglesia franciscana de Tlatelolco y de la Profesa; también se le atribuyen las tablas del retablo franciscano de Xochimilco. Gran número de sus pinturas en el Museo Nacional, como la excepcional Oración en el Huerto, de enorme repercusión posterior, además del Martirio de San Aproniano y San Ponciano, con niños adultos y cartela.
• Juan de Arrúe: primer pintor natural de México, progenitor sevillano. Terminó el retablo iniciado por Andrés de la Concha y en México participó en el retablo mayor de la iglesia de San Jerónimo.

Última generación manierista

Comienza la transición del manierismo al barroco, con un sentimiento nacional algo diferente al de la península.

• Luis Juárez: suavidad y amabilidad, fijó tipos y motivos iconográficos. Obras: Oración en el Huerto (próxima a Echave Orio), Desposorios de Santa Catalina, San Miguel y el Ángel de la Guarda, Imposición de la casulla a San Ildefonso.
• Baltasar de Echave Ibía: hijo de Echave Orio, poco conocido, sobrecargado en la figura de su padre. Excelente en los azules. Versiones de la Inmaculada, la Anunciación y la Visitación.
• Alonso López de Herrera: fuerza y calidad de dibujo, "divino Herrera". Resurrección y Asunción, imposición de la casulla. San Agustín y Santo Domingo. Juventud libidinosa, se arrepiente y se hace sacerdote. San Agustín, dardo de amor divino, primer barroco; Santo Domingo, modelo indígena.
• Conocidos también Gaspar de Ángulo y Basilio de Salazar.

Como miniaturistas destacan los Lagarto, granadinos, con obras como la Virgen del Rosario o Santa Catalina, de color especialmente intenso y rico.

Escultura

El papel clave en la evangelización fue la escultura, preferida frente a la pintura. Se trabajaba en piedra, madera y pasta de maíz. Hubo un constante anonimato y escasa consideración, siendo parte integrante de un complejo sistema de producción. Grandes talleres como el de Andrés de la Concha.

Retablo: manifestaciones artísticas más complejas, en las que se hermanan las tres artes (arquitectura, escultura y pintura). Exige amplia colaboración; de manifestación fundamentalmente española, nos han llegado la mínima parte.

Piedra: mano de obra indígena, rasgos prehispánicos, tallas de poca profundidad, grosor homogéneo y perfiles angulosos, rostros de gran ingenuidad. Ejemplos: capillas posas de Calpan, ángeles sosteniendo escudo franciscano, San Andrés, Juicio Final. Atrio de Cuauhtinchan; cruz atrial de Atzacoalco con los símbolos pasionales; atrio de Acolman, convento de Acolman, al lado de Teotihuacán, importancia de la ciudad mítica. Pasión de Cristo ilustrada. Fachada bellísima de arcos de medio punto, columnas y pilares de la iglesia; anunciación en las enjutas; jóvenes en la parte superior con mano indígena, frutas, cabezas. Fachada de Yuriria, Pundaro, toro ornamentado, ramajes vegetales.

Pasta de maíz: Virgen de la Salud y Cristo del Cacao, de gran devoción. Diego de SKpra: Santa Ana, Virgen y Niño.

Retablos: Tlacolula, Cuauhtinchan, uno de los primeros realizados, muy ortodoxo, tres calles, tres pisos, ático y banco: Anunciación, Epifanía, Calvario. Huejotzingo, Pereyns y Concha, con Reyna, escultor: tres calles, ático, entrecalles y tres pisos, franciscano, Cristo y llagas, San Francisco. Yanhuitlán y Xochimilco: cuatro pisos, ático, cuatro entrecalles con estípites antropomorfos.

El Barroco novohispano

A partir del segundo tercio del siglo XVII se producen una serie de cambios que ingresan en el Barroco, el periodo más original y brillante de la época. El artificioso manierismo se ve influido por la suavidad y gracia de Murillo, el cromatismo de Valdés Leal y, además, Rubens.

El tenebrismo

El tenebrismo no tuvo tanto arraigo y difusión como en España, especialmente en el ámbito sevillano. Su introductor y gran cultivador fue la señera figura de Sebastián López de Arteaga. Tendencia de origen caravaggesco, con fuertes contrastes de luces y sombras, el realismo como principal recurso expresivo y la construcción de sombríos y austeros ambientes que sirven de fondo a vigorosas figuras, casi siempre de tema religioso. Pronto desembocará en el pleno barroco, pletórico en las formas y en los colores, que tiene como grandes ejemplos a las señeras figuras de Cristóbal de Villalpando y Juan Correa. Aunque todos estos artistas trabajan fundamentalmente en la capital del virreinato, los encargos les llegan desde los lugares más alejados. No podemos olvidar tampoco la Escuela Poblana que, en torno a la figura del obispo Palafox y Mendoza, alcanzará un alto grado de calidad en lo referente a la dotación de obras y muebles para la catedral, siendo sus figuras más significativas Miguel Cabrera y Pedro García Ferrer.

Sebastián López de Arteaga (1610-1652)

Hijo de un platero sevillano. Desconocemos quién fue su maestro, aunque sí se evidencia el gran impacto que tuvo en él la pintura de Zurbarán. Pinturas mitológicas del arco de triunfo levantado con motivo de la llegada del nuevo virrey, conde de Salvatierra, falleciendo tempranamente a causa de las heridas causadas por una disputa.

Arteaga fue un gran pintor, y no solo pintó por afición, como decía al ser nombrado notario del Santo Oficio, pues fue solo a título honorífico; esta era su verdadera profesión. Aún por estas fechas la pintura era considerada un arte vacilante. Lo mismo se hallaba en vigorosos modelos de fuertes contrastes y empastes lumínicos que en la serenidad y amabilidad de la pintura italianizante, de pincelada más ligera y luminosa. Así, con dificultad se podría pensar que fueran de la misma mano el Cristo crucificado de la basílica de Guadalupe, de correcta anatomía y semblante reposado, y el que se guarda en el Museo Nacional, de expresión dolorida, músculos modelados y de líneas ondulantes, inmersas en la atmósfera patética y densa. Mayor contraste hay aún entre el cuadro de los Desposorios de la Virgen y la Incredulidad de Santo Tomás. En el primero, la escena, aunque muy narrativa, se desenvuelve en un ambiente galante, de armonioso colorido y figuras idealizadas, de estirpe rafaelesca con fondo abierto; mientras que el segundo, muy claroscurista y efectista, nos lleva directamente a Zurbarán. Aquí, el realismo es excepcional, el color adquiere su pleno valor en función de los contrastes y las figuras poseen gran monumentalidad.

Otras obras de interés: la Virgen con el Niño y un apostolado, en el Museo Nacional, donde se aprecian sus dotes como gran dibujante; y la Estigmatización de San Francisco, del museo de la basílica de Guadalupe, donde sigue muy de cerca la composición de Rubens a través de un grabado de Lucas Vorsterman, aunque dulcifica el rostro del santo de acuerdo con los gustos de su medio. También destacó como retratista, como el del arzobispo Mónzon y Zúñiga o los de los inquisidores. En cuanto a la cronología, hoy se cree que sus cuadros tenebristas son los más tempranos, atemperando estos ideales pictóricos para adaptarse a los novohispanos, más dulces y suaves, lo que no quita calidad a su obra, sino que, en definitiva, resulta más acorde con las preferencias estéticas del medio donde trabaja.

José Juárez (1615-1661)

Es, probablemente, el mejor pintor novohispano de mediados del siglo XVII. Hijo de Luis Juárez, se formó en el taller paterno, atraído por el tenebrismo de López de Arteaga, siendo también él uno de sus principales cultivadores. Dueño de un activo taller donde se formarían, entre otros, Baltasar de Echave Rioja y Antonio Rodríguez, sus compactas figuras, iluminadas lateralmente, dan a su obra y a sus volúmenes la mayor precisión, siendo en los rostros, en las manos, en la caída y textura de los paños donde sigue más de cerca a su maestro. El Museo Nacional guarda sus mejores obras: La adoración de los Reyes, La aparición de la Virgen a San Francisco (majestuoso manejo de luces y sombras, niño viejo, cartela), Santos mártires Justo y Pastor, Martirio de San Lorenzo, cuadro dedicado al Calvario inspirado en grabado flamenco rubensiano, San Alejo, San Buenaventura, El encuentro de Jesús con su madre (calidad de rostros), San Jerónimo y la Virgen de Guadalupe.

Pedro Ramírez

Figura poco conocida, de grandes contrastes e influencia flamenca. Obras: Liberación de San Pedro, Jesús asistido por ángeles (se tuvo por obra de Zurbarán), pinturas de la vida de la Virgen en la catedral de Guatemala (Inmaculada, Nacimiento, Adoración...), y Triunfo de la Iglesia y la Eucaristía, inspirado en Rubens.

Baltasar de Echave Rioja

Último gran tenebrista, barroco más teatral; transita del tenebrismo al barroco de Valdés Leal. Cierra la dinastía de los Echave, su abuelo Echave Orio. Obra escasa: el Entierro de Cristo del Museo Nacional, de iluminación teatral; el Martirio de San Pedro de Arbués; cinco lienzos de Santa Teresa; y el Triunfo de la Eucaristía y de la Iglesia, de inspiración rubensiana.