Obras Maestras de la Pintura Flamenca y el Bosco: Un Recorrido por su Simbolismo

El Bosco: El jardín de las delicias

Identificación

El jardín de las delicias es una obra de El Bosco realizada entre 1510 y 1515. Pertenece al arte gótico y es un tríptico de madera pintado al óleo sobre tabla, de tema religioso. Actualmente, se encuentra en el Museo del Prado.

Descripción detallada

El tríptico se divide en tres paneles:

• El panel izquierdo: Representa el Paraíso en el momento de la creación de Adán y Eva. En el centro aparece Dios, con Adán a su derecha y Eva a su izquierda, junto a la Fuente de la Vida. También aparecen símbolos del mal, como animales que se devoran entre sí o una roca con rostro humano que representa a Satán. Predominan los tonos vivos, especialmente de la gama fría.
• El panel central: Muestra el triunfo del pecado con la representación de hombres y mujeres de distintas condiciones sociales y etnias entregados a los placeres de la carne. En la parte superior está la Fuente de los Cuatro Ríos del Paraíso Terrenal; hay dos construcciones inestables donde aparecen escenas obscenas y un ciervo cazando a un hombre, representando el "mundo al revés". En la zona central se representa la cabalgata del deseo, con jinetes montados sobre animales que giran alrededor de un estanque donde se bañan mujeres. En la parte inferior se observan todo tipo de relaciones carnales, tanto heterosexuales como homosexuales, y símbolos de lujuria como frutas, plantas y pájaros. Predominan también los colores fríos.
• El panel derecho: Representa el Infierno y los castigos de los pecados del panel central. Está organizado en varios niveles: en la parte superior aparece una ciudad en llamas; en la zona media destacan las orejas con un cuchillo y el hombre-árbol, que sostiene sobre su cabeza una pista de patinaje (el contraste entre frío y calor como infierno); en la parte inferior hay distintos castigos, como el infierno musical, el castigo de los avaros y la soberbia. En este panel predominan los colores oscuros.

Comentario

El Bosco fue un pintor holandés perteneciente a la pintura flamenca y es considerado el primer pintor del surrealismo. La obra tiene un carácter didáctico, porque quiere advertir al ser humano de las consecuencias de pecar. Fue muy valorada por Felipe II por su contenido moral y ahora está en el Museo del Prado, siendo una de las mejores obras del autor.

Van der Weyden: Descendimiento de la Cruz

Identificación

El Descendimiento de la Cruz es una pintura de carácter religioso realizada por Van der Weyden hacia 1435. Es la tabla central de un tríptico del que se han perdido las tablas laterales. Pertenece al arte gótico y fue encargada por el gremio de los ballesteros de Lovaina para la capilla de Nuestra Señora de Extramuros. Actualmente está en el Museo del Prado.

Examen técnico

La obra está realizada en madera mediante la técnica del óleo sobre tabla. Presenta una composición simétrica con el eje central de la cruz, José de Arimatea y el joven que desciende el cuerpo de Cristo. Es una composición cerrada, en forma de paréntesis, formada a la izquierda por San Juan y a la derecha por María Magdalena (cuya ropa indica su condición de pecadora). La Virgen María aparece desmayada por el dolor de la muerte de su Hijo (episodio de la Quinta Angustia) y es sostenida por San Juan Evangelista y María Salomé. Detrás se ve a una mujer llorando y, tras María Magdalena, un hombre sostiene un tarro para embalsamar el cuerpo de Cristo.

Hay dos diagonales paralelas que forman los cuerpos de Cristo y la Virgen, creando contrastes entre una figura desnuda y otra vestida, colores cálidos y fríos, y la postura del brazo caído del cuerpo muerto y del desmayo. El fondo dorado, típico del gótico, hace que destaquen las figuras de colores vivos. Las figuras tienen mucho volumen y parecen casi esculturas gracias a los contrastes de luz y sombra y al detallismo en los rostros. La expresividad es fuerte, visible en el llanto, el desmayo y el dolor de los personajes. El dibujo es minucioso, con finas líneas, colores controlados y detalles en los pliegues y texturas de los vestidos, rasgos distintivos de la pintura flamenca.

Comentario

Van der Weyden centra la obra en la expresión del dolor humano provocado por el descendimiento de Cristo y la angustia de la Virgen. La pintura permaneció en la iglesia de Lovaina hasta que fue adquirida por María de Hungría, para después pasar a manos de Felipe II y llegar a España. Estuvo en el monasterio de El Escorial, pero finalmente se trasladó al Museo del Prado. Es una obra increíble por su gran expresividad del sufrimiento humano.

Van Eyck: Matrimonio Arnolfini

Identificación

El Matrimonio Arnolfini es una obra de Jan van Eyck (1390-1441) que pertenece a la escuela flamenca dentro de la pintura gótica. Está realizada al óleo sobre tabla y se conserva en la National Gallery de Londres.

Estudio de la escena

La escena se desarrolla en una pequeña estancia. En primer plano aparecen un hombre y una mujer, solemnemente cogidos de la mano. El hombre, descalzo, con tocado y vestimenta oscura, levanta la mano derecha; la mujer viste un amplio vestido de pliegues, lleva una toca blanca en su cabeza y apoya la mano libre sobre su vientre. También aparece un pequeño perro. Sobre ellos cuelga un candelabro de seis brazos con una sola vela encendida. El sitio se ilumina por una ventana a la izquierda, sobre cuyo alféizar y sobre un arcón hay algunas frutas.

Al fondo se observa una cama con dosel de telas rojas y un sillón junto a la pared, del que sobresalen unos zapatos. En el respaldo del sillón aparece la figura de Santa Margarita, de la que cuelga una escoba o látigo. Sobre el sillón hay un rosario y, en la pared, un espejo convexo que refleja a dos personajes más situados en la puerta, uno de ellos el propio autor del cuadro. La técnica es óleo sobre tabla, característica de la pintura flamenca. Presenta una pincelada corta y precisa, contornos suaves y un modelado muy naturalista mediante gradaciones cromáticas. La luz es natural. Los colores son vivos y la perspectiva está construida mediante líneas de fuga. La composición es sencilla, con los protagonistas en primer plano y mostrando a otros dos personajes gracias al espejo.

Comentario y Simbolismo

La inscripción en la pared certifica el autor y la fecha de la obra. Jan van Eyck fue el principal representante de los Primitivos Flamencos y trabajó al servicio de los Duques de Borgoña, instalando su taller en Brujas.

Desde el punto de vista estilístico, la obra presenta rasgos propios de la pintura flamenca del siglo XV: gusto por los ropajes amplios, minuciosidad en los detalles, gran naturalismo e intimismo lumínico. Todo ello refleja una concepción de la vida cotidiana cargada de sentido religioso. Los personajes representados son Giovanni Arnolfini, mercader italiano establecido en Brujas, y su esposa Jeanne Cenami. La escena representa el momento del juramento matrimonial, que en la época podía realizarse sin sacerdote ante testigos, por lo que el cuadro funciona como retrato de bodas y documento legal.

Cada objeto posee un significado simbólico:

• La vela encendida: Simboliza la presencia de Cristo.
• El perro: Representa la fidelidad.
• El rosario y el espejo: Aluden a la pureza y la presencia de testigos.
• Las frutas: Muestran la inocencia anterior al pecado original.
• Santa Margarita: Se relaciona con la protección en los partos.
• Estar descalzos: Indica que se hallan en un espacio sagrado.

Estos símbolos elevan lo terrenal a un plano espiritual. La obra influyó notablemente en pintores posteriores. Se sabe que estuvo en la Colección Real de Madrid antes de llegar a la National Gallery tras la Guerra de la Independencia.