Obras Maestras de la Música Clásica: Estructura y Significado

Guillermo Tell (Obertura), Rossini

Esta obertura no se atiene a la forma sonata, anticipa los temas musicales y tiene cuatro secciones que se enlazan entre sí sin ninguna pausa. La primera es un andante en mi menor para cinco violonchelos solistas, acompañados por contrabajos; la segunda es un allegro en mi menor que describe una tormenta, primero tiene una sección totalmente inestable con trinos de cuerda, después estalla mediante un motivo cromático descendente de maderas, violines y trombones, y llega a su fin con trinos de cuerda. La tercera es un andante en Sol mayor que utiliza una melodía suiza y está protagonizada por el corno inglés que realiza un solo orquestal; y la última sección es un allegro vivace en mi mayor con estructura ternaria (ABA) y coda, e incluye la "marcha de los alemanes" iniciada con un toque de trompeta.

Chopin: Nocturno en Fa# mayor

Este nocturno tiene una estructura ternaria (ABA') con una breve transición y una pequeña coda, y todas las secciones tienen indicación de tiempo larghetto menos la B que tiene doppio movimento. La sección A es un periodo binario de 8+8 compases en fa# mayor. La transición es una sección modulante de 8 compases desde do# mayor hasta re# menor basada en la progresión ómnibus descendente y que reutiliza el ritmo de puntillo de la anacrusa de la sección A. La sección B está construida sobre una subdivisión en cinquillos, las cuatro frases iniciales repiten un arco melódico hasta alcanzar el clímax y luego se produce un motivo que desemboca en un pedal de dominante de la tonalidad principal que conduce a A'. Esta tiene 10 compases por la extensión de la cadencia final antes de resolver en la tónica amplificada por una coda.

Concierto para violín y orquesta (1.^er mov.), Mendelssohn

Este concierto es un ejemplo clave en la adaptación del formato clásico al romántico y la última obra sinfónica compuesta por Mendelssohn. El movimiento comienza con la exposición del tema A por parte del solista, que se lo cede a la orquesta y termina con una cadencia perfecta. Después llega al tema B mediante una transición de apoyaturas cromáticas donde se modula a sol mayor. El tema B, introducido por las maderas, es después expuesto por el violín. Este termina con una cadencia conclusiva. La primera parte del desarrollo se asienta en la menor, después modula a si menor y termina en mi mayor; en la segunda, el violín usa el tema principal para llegar a un pedal de dominante que conduce a la cadenza solista, un pasaje de bariolage. Por último, recapitula los temas AB hasta una codetta y termina en coda.

Quinteto con piano (2.º mov.), Schumann

Este movimiento tiene una forma original pero similar al rondó sonata. La exposición (ABA) introduce el tema principal en do menor y el tema secundario no cambia de tonalidad, solo de modo. Después, a través de una misteriosa transición, modula a fa menor dando paso al tema C, derivado del A, que desemboca en una exposición de A conformando una especie de sección central de desarrollo. En la recapitulación se vuelve al tema secundario, pero en fa mayor, y después recapitula el tema principal en la tonalidad homónima retornando en la mitad a do menor. Este procedimiento se conoce como recapitulación en la subdominante, y resuelve en una coda poética.

Lucia di Lammermoor (Acto II, "Chi mi frena in tal momento"), Donizetti

La ópera belcantista italiana del siglo XIX, desde Rossini hasta el joven Verdi, alcanzó gran éxito gracias a su estructura musical en varias secciones, que combinaba partes lentas y rápidas. Un ejemplo notable es Lucia di Lammermoor de Donizetti, basada en la novela The Bride of Lammermoor de Walter Scott, que narra el amor trágico entre Lucy y Edgar en Escocia. La obra incluye el famoso "sexteto" del Acto II, una pieza compleja que intensifica el drama. Estas óperas suelen comenzar con una parte lenta (Adagio) y culminar con una rápida (Cabaletta), destacando la habilidad de los cantantes. Lucia triunfó en Italia y pronto se difundió internacionalmente, convirtiéndose en una obra clásica del belcanto.

La Traviata (Aria de Violeta del Acto I), Verdi

Esta aria comienza con un recitativo donde Violetta rememora la declaración de amor que le hizo Alfredo. Está en fa menor y tiene dos estrofas. La primera parte tiene una frase inicial puntuada por acordes en la orquesta que se repite dos veces y un puente que prepara la entrada del tema de amor en fa mayor. Tras conducir a la cavatina con una cadenza, arranca el tempo di mezzo donde Violeta decide pasar página de lo sucedido. La cabaletta, en la bemol mayor y ritmo de vals rápido, recupera el perfil frívolo. Entre esta y su repetición, Alfredo interrumpe el canto entonando su declaración de amor, lo que hace que Violetta dude, pero al final continúa con la cabaletta con energía renovada.

Sinfonía Fantástica (4.º mov.), Berlioz

Este movimiento utiliza el tema de marcha compuesto años antes en sol menor y compás de 2/2, tiene indicación de tiempo feroce y estructura AAB. Es el movimiento más breve y de estructura más sencilla de la sinfonía, pero también el más popular. La idée fixe (melodía repetida en los cinco movimientos) aparece poco antes del final como último pensamiento del artista. La sección A tiene una estructura similar a la exposición de sonata con dos temas en sol menor y si bemol mayor, y el tema del artista es una escala descendente a lo largo de dos octavas sometida a diversas variaciones. La sección B se asimila al esquema de desarrollo-recapitulación; en su sección inicial expone los temas A y B, en la central incluye un desdoblamiento del tema principal, y en el epílogo el clarinete toca la idée fixe.

Totentanz, Liszt

Esta obra para piano y orquesta comparte rasgos con el concierto para piano, el poema sinfónico y la sonata. Consiste en un conjunto de variaciones sobre el "Dies Irae" y su tonalidad (re menor) está asociada al infierno y la condenación. La cadenza del piano despliega algunas estructuras octatónicas creando un espacio tonal ambiguo. Con la exposición del tema por el piano se inicia una serie de tres variaciones dialogadas entre el solista y la orquesta realizadas sobre los tres versos que conforman la primera estrofa y preparan la entrada de la siguiente variación. Esta imita el estilo de la polifonía clásica renacentista, la quinta constituye el movimiento scherzante y el final consta de siete enigmáticas variaciones nuevas. La obra termina con una cadencia y coda del piano.

Tristán e Isolda (Final del Acto I), Wagner

Cada acto de Tristán e Isolda constituye un viaje por el día, la noche y la muerte. El acto uno (el día) transcurre en el barco que conduce a Tristán e Isolda a la corte del rey Marke, con quien deberá desposarse. En el final de este acto, Isolda, tras acorralar a Tristán con sus argumentos, le convence para ingerir el veneno, y ella decide morir con él, ingiriéndolo también. Tras unos instantes de pérdida de conciencia, surge entre ellos una intensa atracción sexual que intentan ocultar ante la llegada a las costas del rey Marke.

Camptown Races, Foster

Esta nonsense song se convirtió en poco tiempo en elemento básico para grupos de música en todo el país. Los camptown eran campamentos situados cerca de las líneas ferroviarias de trabajadores migrantes que se subían en los trenes para viajar de un pueblo a otro. El camptown de esta canción estaba en el noreste de Pensilvania, donde Foster trabajó en la escuela, y algunas fuentes indican que celebraban carreras de caballos en un hipódromo cerca de esta. La canción tiene forma estrófica con estructura AA'AA'BA' y comparte con "Oh! Susanna" el ritmo de polca y la escala pentatónica.

La Boda de Luis Alonso, Giménez

El intermedio de La Boda de Luis Alonso recopila algunos ritmos y melodías de la escuela bolera con otros hispánicos de carácter más periférico. Las melodías de este toman prestadas melodías españolas que están ligadas a autores extranjeros. El intermedio comienza con un conjunto de líneas de bajo característico de la música andaluza y luego aparece un fandango de Isidoro Fernández. La segunda pieza es un aria con ritmo de bolero incluida en la ópera Le Domino Noir de Auber. La tercera pieza es el "Jaleo de Jerez" compuesta por Juan Daniel Skoczypiec, la cuarta es una jota en la cuerda de sol en los violines y repetida por los trombones, y la última es una sección en ritmo de zapateado.

Sheherezade, Rimski-Kórsakov

Esta suite tiene cuatro movimientos conectados y representa la historia de Shariar y Sherezade. El primer movimiento tiene dos secciones: la primera empieza en mi mayor, luego modula a do mayor y termina con el tema del sultán en si menor; la segunda se mantiene en mi mayor y en el tema del sultán cambia a mi menor. El segundo movimiento tiene forma ABA': A es una melodía en si menor, B una fantasía basada en un breve motivo y A' en una recapitulación de A en forma de tres variaciones nuevas. El tercer movimiento tiene forma ABAB', donde A expone el tema en sol y re mayor, B tiene un carácter más rítmico y A' interrumpe el tema de Sherezade en el violín. El cuarto movimiento tiene dos secciones que representan el festival de Bagdad y el hundimiento del barco.

Boris Godunov (Muerte de Boris), Músorgski

Esta escena es el monólogo más importante del protagonista en esta ópera y está estructurado en episodios. El primero incluye una ilusión al motivo de Feodor, el segundo alude al motivo del falso Dimitri, el tercero representa los peligros que Feodor encontrará en su reinado con apariencia de coral ortodoxo ruso, el cuarto recapitula el motivo de Xenia, el quinto es uno de los más líricos del monólogo donde Boris ruega a Dios que cuide de sus hijos cuando él no esté, el sexto inicia la sección final del monólogo con el motivo de las campanas, y el último tiene un tour de force dramático para el protagonista sobre el coro ortodoxo. Un postludio orquestal cierra la escena con el tema principal del aria de Boris.

Fauré: Réquiem (Libera me)

El Requiem de Gabriel Fauré, y en particular el movimiento Libera me, es un ejemplo claro de la búsqueda de una identidad musical francesa, alejada del dramatismo operístico y la monumentalidad de la música alemana. Fauré opta por un estilo más sereno y esperanzador, reflejando el nacionalismo musical francés que valoraba la introspección y autenticidad propias. Inspirado por el canto gregoriano y la música sacra promovidos por la Schola Cantorum, Libera me evita los efectos grandilocuentes y se centra en una espiritualidad contenida, proyectando una visión de la muerte como paz y descanso. La obra de Fauré contribuye a una música religiosa francesa marcada por la sobriedad y un enfoque íntimo y genuino.

Franck: Sonata para violín (4.º mov.)

La Sonata para violín y piano de César Franck, compuesta en 1886, es una obra clave del Ars Gallica, que marcó una renovación en la música francesa. Su cuarto movimiento es destacado por su estructura monotemática en forma de canon. Destaca tanto por su conexión con el ideal germánico como por su sensibilidad francesa. Fue escrita como regalo de bodas para el violinista Eugène Ysaÿe y se estrenó ese mismo año. Es un ejemplo temprano de composición cíclica, donde temas de movimientos anteriores reaparecen en el cuarto movimiento, lo que la convierte en un "monumento musical", según Vincent d'Indy. La sonata consta de cuatro movimientos que combinan formas clásicas y técnicas innovadoras, como el uso del canon y el rondó en el último movimiento.