Obras Maestras de la Música Clásica: Barroco y Clasicismo

Barroco

1. Tocata y fuga en re menor BWV 565

Es una pieza para el órgano de Johann Sebastian Bach, compositor alemán del barroco. La tocata, primera parte de la obra, tiene un carácter improvisado, como es característico en este tipo de piezas, que por parte del organista exigen un gran dominio técnico, dada su dificultad y a la vez permite demostrar toda la creatividad del autor. Toda esta primera parte contrasta con el formalismo propio de la fuga. El tema de la fuga es muy sencillo y tiene una serie de valores iguales, al que se oponen contratemas muy imaginativos. La fuga está escrita a cuatro voces y el tema construido sobre valores de semicorchea.

2. El verano

Es es 1 de los conciertos que forman Las cuatro estaciones, del compositor barroco italiano Antonio Vivaldi. Es una serie de conciertos a solo, es decir en los que el solista (violín) dialoga con la orquesta o con el tutti (cuerda y continuo). Se trata de una obra descriptiva que está reflejando las cuatro estaciones del año a través de la música. Todos estos tienen 3 movimientos; rápido-lento-rápido. Concretamente, este es el tercer movimiento, con tempo presto, compás ternario y en Sol menor. De El verano, se describen las fuerzas de la naturaleza desatadas en una tormenta a través del virtuosismo del violín solista en rápidos pasajes ascendentes, descendentes y trémolos de notas.

3. Lamento de Orfeo

Es del acto II de las primeras óperas de la historia, hoy es Orfeo, del compositor italiano Claudio Monteverdi, que se estrenó a principios del barroco. “Tu se morta” es una de las áreas más expresiva de la obra. El momento en el que Orfeo recibe la noticia de la muerte de su amada Eurídice decide ir a buscarla con el corazón lleno de dolor, empleando su música como arma para enternecer a los espíritus de las sombras. La música se acomoda al texto para resaltar más aún su significado: cuando Orfeo habla de descender hasta los más profundos abismos, escuchamos la melodía descendiendo hasta los sonidos más graves, cuando habla de volver a ver las estrellas levanta la voz hasta las notas más agudas, cuando se despide de la tierra (notas graves), del cielo (más agudas) y del Sol (las más altas) dibuja con la música todas las palabras del texto. El tenor es acompañado ligeramente por los instrumentos de la orquesta.

4. Aleluya

Es un coro que forma parte del oratorio El Mesías, del compositor alemán del barroco George Friedrich Haendel. Un oratorio, es una obra religiosa, compuesta para los coros, orquestas y solistas, que consta de arias, recitativos, coros y partes instrumentales. Este oratorio tiene 3 partes y el Aleluya es la pieza que cierra la segunda parte, que trata de la pasión, resurrección y ascensión de Cristo a los cielos. Por lo tanto, es una pieza llena de júbilo, cantada en inglés (Haendel desarrolló gran parte de su carrera en Inglaterra), qué contrastan las partes contrapuntísticas con las homofónicas del coro a cuatro voces mixtas, que se acompañan con una vibrante intervención de la orquesta, en la que destaca la trompeta, que apoya las exclamaciones del coro. El final es un Aleluya en homofonía. El texto es silábico en relación con la música.

5. Coro inicial de La Pasión según San Mateo

Es del compositor alemán del barroco Johann Sebastian Bach. La Pasión es un oratorio que tiene de tema el sufrimiento y muerte de Cristo en la Cruz, es en este caso cuando se relata La Pasión según el Evangelio de San Mateo. Es una obra compuesta para doble coro a cuatro voces, solistas y doble orquesta con continuo. Esta pieza es el primer número, una compleja fantasía coral para doble coro, que se le añade otro infantil. Este coro de niños, rota pasajes de preguntas respuesta con los otros dos coros. Es como una gran obertura de la obra maestra.

6. Aria Erbame dich, mein Gott (Ten Piedad de mí, Dios mío) de La Pasión según San Mateo

Es del compositor alemán del barroco Johann Sebastian Bach. La pasión es un oratorio que tiene de tema el sufrimiento y muerte de Cristo en la Cruz. Esta pieza es un área para contralto, dentro de la sucesión de recitativos, coros, horarias y números instrumentales propios de las pasiones. En esta, el violín es el encargado de presentar en compás de 12/8, una melodía que luego imitará una contralto, con el delicado acompañamiento del continuo. Los timbres del violín y la voz se intercalarán constantemente. En ocasiones la contralto imita la melodía del violín completa y en otros parcialmente. Hoy se integra en la segunda parte de La Pasión.

7. Canarios

Es del compositor y guitarrista español del barroco Gaspar Sanz. Es de breve duración la pieza escrita para guitarra sobre tablatura, y se incluye en su “Instrucción de música sobre la guitarra española”, que incluye un método para aprender a tocar la guitarra además de piezas de distinto tipo. Es una danza de origen español, de las Islas Canarias. La música fluye siguiendo un alegre compás de 6/8, con adornos, sobre todo en los finales de las frases, que aportan ligereza a la música y con la melodía en la voz superior. También destaca el juego de preguntas respuesta entre las vocales agudas y graves.

8. Essercizi nº30

Es del compositor italiano del barroco Domenico Scarlatti. Se trata de una sonata para clave, bipartita, de estilo fugado. Es muy conocida como “fuga del gato” Ya que el motivo inicial de los primeros 3 compases debe su origen a las notas dadas por un gato sobre el teclado del piano. Es una fuga en Sol menor, de un compás de 6/8 y de tempo moderado. Se inicia el sujeto de forma ascendente ya solo, con una extensión de 5 compases. Se reproduce cuatro veces durante la exposición y abarca un rango de 2 octavas melódicamente. Armónicamente, la obra se mueve entre tónica y dominante y al final de la pieza la textura se abulta con el uso de octavas. Destaca la alternancia de negras con puntillo y corcheas, así como las frecuentes síncopas, rasgo característico de la música española.

Clasicismo

9. Aria Qué faró senza Eurídice, de la ópera Orfeo y Eurídice 

Es del compositor del clasicismo Christoph Willibald Gluck. Este, fue el reformador de la ópera seria, y en el área se aprecian algunos de los principios de su propuesta: la melodía no tiene adornos innecesarios, es sencilla y sobria, igual que el texto a cuyo servicio está. Refleja serenidad más que tristeza en casi todo el aria, menos hasta llegar a las exclamaciones- Eurídice!! donde adquiere tintes algo más dramáticos. La orquesta acompaña a la voz y la refuerza en ritmo como en melodía. Gluck eliminó las áreas que no servían para el desarrollo de la acción, dio más importancia al coro y a las oberturas y utilizó argumentos sencillos y verosímiles de carácter mitológico con finales heroicos. El papel de Orfeo es habitual que se ha interpretado por una voz femenina.

10.Primer movimiento, Allegro molto, de la Sinfonía nº40 en Sol menor

Es del compositor del clasicismo Wolfgang Amadeus Mozart. Es una sinfonía clásica, en cuatro movimientos. El primero, como es habitual, sigue el esquema de la “forma sonata”. En la exposición, sobre el acompañamiento de violas, los violines exponen el tema A, lleno de vida y fuerza y el tema B, expuesto en cuerda y madera en otra tonalidad y es más introvertido. El desarrollo está basado en el primer tema, pasándolo por diversas tonalidades y grupos de la orquesta. La reposición vuelve a presentar material de la exposición, que reafirma la tonalidad principal de Sol menor.

11. Aria La Reina de la noche “per höle rach" perteneciente al singspiel La flauta mágica

Es del compositor del clasicismo Wolfgang Amadeus Mozart. Hoy es una de sus últimas obras. La pieza entera expresa una perfecta Unión de texto música. Empieza con una especie de recitativo, duro y furioso. Utiliza el estilo más recitado para narrar u otro más adornado para amenazar. A partir del compás 25 se desata una furia basada en elementosfuria basada en elementos repetitivos y casi percutivos, y en melismas largos o florituras. Esta aria necesita una voz potente y virtuosa de soprano, por la dificultad técnica en la que la cantante explora todos los recursos de su amplísimo registro, brillante en los agudos. 12.Primer movimiento de la Quinta Sinfonía (pa pa pa paaaaa- tuu tuu tuu tuuu) Es de Beethoven. Compositor de finales del clasicismo y comienzos del romanticismo que la obra es compuesta entre 1804 y 1808. El primer movimiento de la obra es para la orquesta (Allegro con brio) Tiene forma sonata en Do menor. Hola el motivo inicial es de cuatro notas, las 3 primeras son iguales llamado motivo del destino. La cuerda elabora el motivo del destino, imitativo convirtiéndolo en tema A, que presente a lo largo de toda la obra a través de un magistral desarrollo motívico haciendo que el tema a ponga el movimiento completo. El segundo movimiento es un tema con variaciones, el tercero tiene carácter de scherzo, basado en el motivo del destino, que enlaza con el cuarto sin interrumpir o cortar una forma sonata triunfal. 13.Tercer movimiento del Quinteto Es interpretado con guitarra, “fandango” compuesto por Luigi Boccherini eres un músico italiano que trabajó en la corte de Carlos III. Es una obra para cuarteto de guitarra y cuerda. La influencia española es evidente en su música. Introduce el ritmo del fandango, que es un baile muy popular de finales del siglo XVIII y principios del XIX, que llegó a tener eco en la música culta a través de músicos como él. El comienzo del movimiento es una introducción, grave assai, en un compás de 4/4 para seguir con el fandango en compás de 3/4. La incorporación de las castañuelas proporciona un acento percutivo y un aire evidente español. Hoy no entendieron muchos en su época que pusiera una guitarra con la misma importancia que un violín, o que incluyera las castañuelas.