Música del Renacimiento: Transformaciones, Géneros y Notación

 2.1.- La misa polifónica A lo largo del Siglo XV, musicalizar el Ordinario de la misa como un todo Coherente se convirtió en una práctica habitual de los compositores. Esta práctica fue Denominada ciclo de la misa polifónica o simplemente misa y se desarrolló, sobre todo, Con los compositores ingleses, en especial con Dunstable. Así, se concibieron una multiplicidad de medios para unir entre sí las secciones Separadas de una misa, medios que pasaremos a estudiar a continuación. Cuando para cada movimiento el compositor se basaba en un canto llano Preexistente para ese texto concreto, la misa se denominaba misa en canto llano. Otra estrategia frecuente a principios del Siglo XV consistía en comenzar cada Uno de los movimientos con el mismo motivo melódico, en una o en todas las voces. Una misa que emplea un motivo principal de estas carácterísticas como recurso Principal de uníón se denomina una misa motto. El uso de un motivo principal se combinó pronto con (y a veces se sustituyó por) Otra manera de vincular los movimientos entre sí: construir cada uno de ellos en torno a Un mismo cantus firmus, de una melodía de canto llano o profana, ubicado Generalmente en el tenor. Este tipo de misa ha llegado a conocerse como misa cantus Firmus o misa de tenor. En la segunda mitad del Siglo XV se convirtió en el tipo de misa Más importante. A menudo, los compositores utilizaron el tenor de una canción polifónica, Tomando además algunos elementos de las otras voces; una misa de estas carácterísticas Se denomina algunas veces misa de imitación/cantus firmus, porque imita más de una Voz de la fuente original. Una de las melodías utilizadas con mayor frecuencia fue L’homme armé (El hombre armado). La mayor parte de grandes compositores de la época, incluidos Dufay, Ockeghem, Josquin y Palestrina, escribieron por lo menos una Missa L'homme armé. Cuando la importancia del motete comenzó a declinar, la misa pasó a ser el Género de mayor prestigio de la época, convirtiéndose en un terreno de prueba de las Capacidades de los compositores. 

2.2.- El motete El término motete, fue acuñado en el Siglo XIII para piezas que añadían un texto A la voz superior de una cláusula de discanto. Más tarde, en ese mismo siglo, se 5 Independizó y englobó cualquier obra que incluyese voces superiores con texto en Francés y/o latín por encima de un tenor basado en un cantus firmus sacro o profano. En el Siglo XIV el motete designaba las composiciones polifónicas con Estructura isorrítimica, pero durante la primera mitad del Siglo XV este término Comenzó a significar otro tipo de composición. Así, comenzó a aplicarse a la Composición polifónica sobre un texto litúrgico en latín, en particular un texto litúrgico Distinto al del ordinario de la misa, pudiendo estar basado en un canto llano o no. Desde el Siglo XVI, el término motete se ha aplicado asimismo a algunas Composiciones sacras en otras lenguas distintas del latín.

 2.3.- La canción profana: la chanson En el Siglo XV, el término chanson comprendía cualquier composición Polifónica sobre un poema profano en francés. La mayoría de las chansons empleaban Poemas de amor estilizado, en la tradición cortesana del fine amour, y la mayor parte Seguían la forma del rondeau (ABaAabAB). En la mayor parte de chansons de la época, la composición es mayormente Silábica y los melismas más largos aparecen solamente en las cadencias más Importantes, en contraste con los frecuentes melismas de las canciones del Siglo XIV. La melodía principal, en el cantus, es fluida y declama el texto con claridad; el Tenor es más lento y ambas voces forman un buen contrapunto a dos voces, casi siempre En sextas y terceras que reflejan la influencia de la música inglesa. El contratenor, en Comparación, realiza saltos continuos y pasos grandes, con el fin de rellenar la armónía. La música es casi enteramente consonante, con unas pocas disonancias, introducidas Con cuidado como notas de paso, notas auxiliares o retardos. 

3.- La notación proporcional Nuestro moderno sistema de notación es el descendiente directo de la notación Del Siglo XV, como veremos a continuación. En la notación del Ars Nova, la forma de cada figura podía indicar su duración Particular, que permanecía inalterada por las notas que la rodeaban. Las formas de las Notas en la notación del Ars Nova son las mismas que en la notación franconiana, con el Añadido de la mínima (ver Ejemplo 1). No obstante en la notación del Ars Nova, la Longa, la breve y la semibreve podían dividirse cada una, en dos o tres notas del valor Más pequeño consecutivo. En torno a 1425, los copistas empezaron a anotar todas estas formas con cabezas Huecas (en ocasiones se le denomina “notación blanca”), en lugar de rellenar cada Cabeza con tinta (“notación negra”). Dicha transformación pudo tener lugar porque en Esa época los copistas pasaron de escribir sobre pergamino (raspado sobre piel de Cordero o de cabra) a escribir en papel; rellenar las notas negras sobre la áspera Superficie del papel aumentaba el riesgo de salpicar de tinta o de que ésta se corriese por El papel arruinando toda una página. Los compositores del Renacimiento añadieron valores de notas aún más breves, Cada una con la mitad de duración que la nota inmediatamente superior, rellenando la Cabeza de una mínima para dar lugar a una semimínima y añadiendo uno o dos Indicadores a la semimínima para producir la fusa y la semifusa. Hacia el final del siglo XVI, las notas en forma romboidal de la notación renacentista se transformaron en las Cabezas redondas utilizadas hoy, mientras que las ligaduras cayeron en desuso. Con la Adición de la barra de compás en el Siglo XVII, la notación del ritmo había Evolucionado desde sus primeras manifestaciones hasta su forma moderna en apenas Cuatrocientos años.  

4.- Las tablaturas instrumentales El término tablatura se utiliza para definir formas de escritura musicales Especiales para ciertos instrumentos y que, a diferencia de la notación musical corriente, Presentan únicamente las posiciones y colocaciones en el instrumento para la Interpretación de una pieza. En el Renacimiento se utilizaron diversas formas de tablaturas para instrumentos De cuerda, como el laúd, así como para instrumentos de teclado, como el órgano. Las tablaturas de órgano son reducciones prácticas de las voces en una pauta y Con letras o cifras. Difieren según los países: - Antigua tablatura organística alemana (ss. XV/XVI): en la parte superior, 6 a 8 Líneas reunidas por una llave con notas mensurales; y en la parte inferior, letras. - Otras tablaturas organísticas: española: notas y cifras; italiana: arriba 6-8 Líneas; abajo 5-6; inglesa: 6 líneas cada una; francesa: 5 líneas cada una. El laúd es el principal instrumento doméstico en el Siglo XVI. En él se tocaba Todo: el acompañamiento para el canto solista y de conjunto, obras vocales transcritas, Preludios, toccatas, variaciones, etc. La tablatura de laúd es una escritura de posiciones: las líneas son una imagen de Las 6 cuerdas, hallándose la más grave situada en la parte superior, Correspondientemente con la posición del diapasón. Las cifras situadas entre las barras De compás indican el traste que debe pisarse, y las plicas de las notas indican la Duración de las mismas, pero sin poder diferenciar en el acorde. También las tablaturas Laúdísticas difieren mucho según los diversos países.