La música y los músicos a través de los siglos

La música y los músicos

Las iglesias fueron en muchas ocasiones importantes mecenas, especialmente si poseían una escuela de música sacra y sobre todo si mantenían un grupo de instrumentistas. Al frente estaba el maestro de capilla que reunía a menudo las funciones de organista, compositor y director de coro.

El siglo XV

Los excesos de ars nova de finales del s.XIV continuaron en el s.XV, hasta provocar, a finales de siglo, una reacción contraria de simplicidad. Las obras de esta época se fundamentaron principalmente en el canon imitativo.

El siglo XVI

Las dos grandes formas polifónicas del Renacimiento que a su vez constituyen la base de la liturgia católica, son la misa y el motete. A estas habría que añadir el coral luterano y el himno de la iglesia anglicana. El motete es un canto polifónico de regular extensión, con texto (nombre latino) sobre cualquier materia aunque generalmente religiosa. Desde mediados del s.XV hasta finales del XVI, esta forma inspiró casi todas las variedades del repertorio polifónico religioso. Destaca el motete cultivado por el compositor italiano Giovanni Pierluigi de Palestrina en el siglo XVI.

La misa

En términos generales, la misa se basa en el motete. La misa podía estar constituida tanto sobre un tema de repertorio gregoriano como sobre una canción popular profana, cuyo título pasaba a ser el de la propia misa.

El coral luterano y el himno anglicano

En el siglo XVI nacieron al resguardo de la Reforma protestante, el coral luterano y el himno anglicano. El himno anglicano es una composición para coro, con acompañamiento de voces solistas, que solía interpretarse en el transcurso del oficio de la iglesia anglicana. El coral luterano es un canto sagrado de las iglesias protestantes alemanas, destinado a un principio a ser cantado por los fieles en las ceremonias religiosas. Lutero, reformador protestante, contribuyó en gran medida a su desarrollo.

Las escuelas y los compositores

-La escuela romana: sus principales características son la austeridad, la sobriedad, la claridad y el equilibrio. Pero la figura cumbre es Palestrina: sus misas son lo más significativo de su obra, donde más claramente se revela el contrapunto que lo caracteriza. Músico de la basílica de San Pedro de Roma, Palestrina ilustró con su arte las nuevas exigencias del concilio Trento, que censuró la complejidad de la escritura musical porque perjudicaba a la integridad del texto. Sin renunciar al juego del contrapunto, Palestrina resolvió este problema concibiendo la música de las diferentes partes de la misa en función del texto.

-La escuela veneciana: presenta dos características singulares. Combinó dobles o triples coros: policoridad. Aumentó considerablemente el número de voces y utilizó, en ocasiones, instrumentos para reforzar el colorido musical. Representantes: su promotor fue Willaert, Gabrieli, Andrea y su sobrino Giovanni, quienes llevaron la escuela veneciana a su apogeo. Cabe resaltar que Giovanni Gabrieli inició el empleo de instrumentos en los conjuros vocales.

-La escuela flamenca: continuó en el s.XVI con el mismo esplendor con el que brilló durante el s.XV. Durante la primera mitad del siglo fue Josquin des Prés quien eclipsó a casi todos sus coetáneos; en la segunda mitad, Orlando di Lasso.

-La escuela española: en el s.XVI es también el siglo de Oro de la música española. Los rasgos que distinguen a esta escuela son la profundidad y el misticismo o expresionismo dramático. Los tres grandes músicos del siglo son Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero y Tomás Luis de Victoria.

El madrigal

Es una composición de tres o seis voces sobre un texto generalmente culto. El motete (con el que guarda muchas similitudes) y la chanson francesa y constituye la forma más importante de la polifonía civil durante el Renacimiento. Al final del s.XVI y principios del XVII comienza a ser desplazado por las nuevas formas vocales como la ópera. La evolución del madrigal italiano puede distinguirse en tres periodos: Primer periodo, Segundo periodo (madrigal clásico) y Tercer periodo (madrigal diálogo).

El madrigal en Inglaterra

Música de cámara o solista. Carácter rítmico. Thomas Morley, amigo de William Shakespeare, cuyas canciones musicó.

En España, las formas españolas derivan de los cantares de gesta y romances medievales: villancicos, baladas, romances, tonos y canciones. Todas estas formas inundan los cancioneros. Lo más interesante son el Cancionero de Palacio. La mayoría de sus autores son anónimos, pero se sabe que pertenecieron a la corte de los Reyes Católicos. Sobresale Juan de la Encina. En Cataluña, cabe destacar las ensaladas del compositor Mateo Flecha, El viejo. Las ensaladas son una especie de canciones a cuatro voces con curiosas mezclas lingüísticas (de letra italiana, latina, castellana y catalana), profanas, religiosas, satíricas y pintorescas, que eran concebidas para diversión de los cortesanos y que alcanzaron gran fama en las fiestas palaciegas.

La música instrumental

Las ediciones de música instrumental de principios del s.XVI. Los textos impresos tratan esencialmente de dos instrumentos: el laúd y la familia de los teclados, difundidos en el s.XV, aunque había que añadir algunas partituras ocasionales dedicadas a la flauta, la viola, el arpa y más frecuentemente, a la vihuela de mano y la guitarra.

Italia

Desde comienzos del s.XVI, fue fuente inagotable de inspiración para el arte instrumental. Las tres modalidades de música instrumental que se observan ya en el s.XV son composiciones para laúd: transcripciones de las obras religiosas y profanas, piezas libres representadas sobre todo por ricercari y danzas. En cuanto a las danzas, autores como Dalza las presentan, a partir de 1508, en suites de tres: pavana, saltarello y piva, en un mismo tono, con un esbozo de parentesco melódico y una clara personalidad rítmica. En estas composiciones de Dalza ya está presente el espíritu de la suite.

Francia

En 1530, apareció en Francia una recopilación de danzas que incluía danzas bajas, danzas tardías y branle... Algunas aparecen reunidas por parejas: pavanas-saltarelli, pavana-gallarda, etc. Prevalece la espontaneidad del ritmo sobre las combinaciones contrapuntísticas.

La música para los diversos instrumentos

-La vihuela: España contaba con un instrumento propio, la vihuela de mano, que puede considerarse equivalente al laúd. Los principales libros para vihuela que se han conservado aparecieron entre 1536 y 1593. Están firmados por Luis Milán, Luis de Narváez, Alonso de Mudarra y Diego Pisador.

-Los teclados: aunque los antecedentes son muy confusos, puede asegurarse que existen instrumentos de teclado desde el s.XVI. Surgieron en el s.XV el clavicordio y el clave.

-El órgano: durante el Renacimiento, el órgano llamado en ocasiones (clásico) se enriqueció con nuevos registros y con un tercer teclado manual. A su vez, su extensión llegó a las cuatro octavas. Antonio de Cabezón.

Los conjuntos de instrumentos

Desde la primera mitad del s.XVI, se empleaban bordones para sostener la melodía y percusiones para conferir un acento rítmico de la danza. Para la danza, por ejemplo, se prefería la flauta y el tambor (o la vihuela de arco), el salterio, quiterna o citola, para las procesiones las trompetas, trompas y la bombarda y para la música religiosa, el órgano y las campanas.