La Música Instrumental en el Barroco

1. La Cultura Idiomática. Los Estilos Instrumental y Vocal

En el Renacimiento, la polifonía tendía a homogeneizar la escritura vocal e instrumental. Ya durante el Barroco, el auge de la importancia del solista impulsó el desarrollo de la familia del violín y la mejora técnica de los instrumentos de viento, que comenzaron a utilizarse como solistas.

2. El Medio Concertato

Se refiere a la práctica de escribir partes individuales para voces e instrumentos. El medio concertato no es un estilo, sino la mezcla característica de voces e instrumentos en la que estos últimos no se limitan meramente a doblar a las primeras, sino que también cuentan con partes propias. Éste fue el medio expresivo característico del siglo XVII.

3. La Música Instrumental en el Barroco Temprano. Tipos Generales de Composición

• Fugado: Piezas de contrapunto imitativo continuo (ricercare, capriccio, fuga).
• Tipo de la canzona: Piezas de contrapunto imitativo discontinuo (es decir, dividido en secciones), a veces con mezcla de otros estilos (con el tiempo, este tipo derivará en la sonata).
• Piezas en las que se varía una melodía o un bajo dado: Partita, passacaglia, chacona.
• Danzas y otras piezas con ritmos de baile: suelen aparecer agrupadas unas con otras (suite).
• Piezas de estilo improvisativo: escritas para un instrumento de teclado o para laúd solo (toccana, fantasía o preludio).

4. Nuevos Idiomas y Estructuras Formales

En la segunda mitad del siglo XVII, las especulaciones acerca de la instrumentación desafiaban la imaginación creativa de los compositores. Los tipos principales de composición vinculados a cada uno de estos medios son:

4.1. Teclado

4.1.1. Música para Órgano

El mayor desarrollo de la música organística tuvo lugar en Alemania entre 1650 y 1750. Destacaron G. Böhm, D. Buxtehude, J. Kuhnau, Johann Christoph Bach y J. Pachelbel. En las iglesias protestantes, esta música era interpretada antes de la lectura de las Sagradas Escrituras, del canto de los himnos o de la ejecución de otras piezas de mayor categoría.

• Toccata (o preludio, fantasía) y fuga.
• Arreglos de corales luteranos o de otros repertorios litúrgicos (preludio, coral, versículo).

4.1.2. Música para Clave y Clavicordio

• Tema y variaciones: Muchos compositores posteriores a 1650 prefirieron escribir una melodía original como tema, antes que tomar en préstamo una melodía conocida.
• Suite: Hacia 1700, la suite para teclado (o partita, como también se le llamaba) asumió en Alemania un orden definitivo de cuatro danzas (allemande, courante, sarabande y giga).
• Sonata para tecla: La sonata, que en el período barroco era primordialmente un tipo de composición para conjunto instrumental, fue adaptada por vez primera por Kuhnau en 1692.

4.2. Conjunto

• Sonata (sonata da chiesa y sonata da camera).
• Concierto.
• Suite orquestal: Originada, en la segunda mitad del siglo XVII, a partir de la práctica de extraer danzas y arias de las populares obras escénicas de J.B. Lully. El conjunto se presentaba como una obra independiente. En Alemania escribieron suites originales los compositores J.S. Kusser (1660-1727), G.P. Telemann (1681-1767), J.S. Bach (1685-1750) y G.F. Händel (1685-1759).

5. La Sonata para Conjunto

5.1. Definición

En las primeras décadas del siglo XVII, el término sonata (como su palabra paralela, sinfonía) indicaba principalmente preludios o interludios instrumentales de obras vocales. Después de 1630 se usaron con mayor frecuencia para designar composiciones instrumentales autónomas. Los instrumentos, habitualmente de dos a cuatro, con bajo continuo, constaban de varias secciones o movimientos de tempos y texturas contrastantes.

5.2. Tipos Principales de Sonatas

A partir de 1660 comienzan a distinguirse dos clases de sonatas:

• Sonata da chiesa (sonata de iglesia): Presentaba una amalgama de movimientos abstractos y otros que eran esencialmente movimientos de danza.
• Sonata da camera (sonata de cámara): Suite de danzas estilizadas, aunque a veces el movimiento inicial no era una danza.

5.3. Instrumentación de las Sonatas

Después de 1670, la instrumentación más común tanto para las sonatas de iglesia como de cámara fue la sonata en trío: una plantilla formada por dos instrumentos agudos (casi siempre violines). No obstante, la sonata en trío podía requerir cuatro ejecutantes para su interpretación.

5.4. Otros Tipos de Sonatas

Menos numerosas que las sonatas en trío, aunque ganaron en popularidad después de 1700, son las sonatas a solo, escritas para violín solo con continuo. También se escribieron sonatas para grupos mayores, que presentan hasta seis u ocho partes instrumentales con continuo. Además, se incluyen sonatas para un instrumento de cuerda o viento, sin acompañamiento.

5.5. Arcangelo Corelli (1653-1713)

En sus sonatas en trío, Corelli estableció los principios de la arquitectura total que serían elaborados y desarrollados por Händel, Vivaldi y Bach. Para establecer la tonalidad y alcanzar una organización total clara, Corelli se basaba en la progresión, llevada a cabo diatónicamente dentro de una tonalidad o modulando en forma descendente dentro del ciclo de quintas.

• Sonatas da chiesa en trío: Constan de 4 movimientos que guardan el orden lento-rápido-lento-rápido. El primer movimiento lento tiene una textura contrapuntística y un carácter solemne y majestuoso. El allegro que le sigue es una fuga. El movimiento lento intermedio se asemeja a un aria o dúo operístico en ritmo ternario. El último movimiento suele ser una danza desenfadada, en forma binaria.
• Sonatas da camera, tanto para trío como para solista: Comienzan habitualmente con un preludio, seguido por dos o tres de las danzas convencionales de la suite.

6. La Música Orquestal

La orquesta más famosa de Europa era la de la Ópera de París.

6.1. El Concierto

En 1700 se escribieron tres tipos diferentes de conciertos:

1. Concerto ripieno (concerto sinfonía, concerto orquestal o concerto a quattro): Obra orquestal de varios movimientos, que subraya la parte del primer violín y el bajo, en el que se evitaba la textura contrapuntística más compleja, característica de la sonata.
2. Concerto grosso: Este tipo de concierto oponía un pequeño grupo de instrumentos solistas, el concertino, a un conjunto grande, el grosso.
3. Concerto a solo: En él, un único instrumento se oponía a un gran conjunto. El grupo grande era, casi siempre, una orquesta de cuerdas. Los instrumentos solistas solían ser también de cuerda: en el concierto a solo, un violín; en el grosso, por regla general, dos violines y continuo (sonata en trío), aunque podían añadirse otros instrumentos solistas de cuerda o de viento. Tanto en el concierto a solo como en el grosso, la designación usual para la orquesta completa era tutti (todos) o ripieno (relleno).

6.2. Giuseppe Torelli (1658-1709)

El compositor que más contribuyó al desarrollo del concierto hacia finales del siglo XVII fue Torelli, principal figura de la "escuela boloñesa". La mayoría de sus conciertos están escritos en 3 movimientos (rápido-lento-rápido), disposición que llegó a ser clásica con los compositores que continuaron el género.

El esquema característico de cada uno de los movimientos de Allegro es el siguiente: Movil (texto incompleto).