El Manierismo y su impacto en la pintura y escultura española

4. Manierismo: Pontormo

Este movimiento pictórico se desarrolla en un marco histórico de crisis social dentro de la Contrarreforma, lo que produce un cambio de mentalidad.

En el aspecto artístico, el Manierismo supone una interpretación personal de cada artista de los esquemas clásicos. Se “juega” con el lenguaje establecido.

Es una pintura “intelectual”, para círculos exquisitos que valoran la originalidad por encima de la repetición de esquemas ya utilizados.

Las figuras describen curvas y se sitúan en posiciones forzadas. El artista capta el movimiento creando una sensación de inestabilidad.

• Colores irreales.
• Canon estilizado e irreal de las figuras.
• Pintura elegante y refinada.
• Espacio caótico, que no sigue reglas matemáticas; los personajes parecen que van a salirse del cuadro.

Pontormo

Desarrolla su trabajo en Florencia. Personalidad atormentada.

Pone en tela de juicio las enseñanzas de las etapas anteriores. Su pintura puede definirse como expresionista.

• Horror Vacui.
• Colorido irreal, no naturalista.
• Expresiones de los personajes trágicas y patéticas.
• Gestos teatrales.
• Uso abundante de desnudos.
• Rostros bellos.

Otros artistas manieristas: Andrea del Sarto, Beccafumi, Bronzino.

Escultura

En esta etapa se produce una fusión de la tradición gótica y de las novedades italianas.

Frente a la sensualidad manierista europea y la profusión de temas mitológicos, en España se da sobre todo una temática religiosa con fuerte contenido espiritual.

El material principal es la madera, barato y con muchas posibilidades plásticas, a menudo se usa policromada. También se usa el barro policromado. En los monumentos funerarios se usa el bronce y la piedra.

Los soportes son muy variados: retablos, sepulcros, sillerías de coro, ornamentos de paredes y bóvedas.

Es muy importante la escultura funeraria. En ella se simboliza que la muerte no vence, sino que el hombre la supera, pues los actos que ha realizado en vida le sobreviven. Es un culto a la personalidad.

La escultura evoluciona desde una gran concentración decorativa a una gran simplificación. La evolución es impulsada por la llegada de escultores italianos que traen a España el clasicismo renacentista.

Pintura

A finales del siglo XV y comienzos del XVI se produce la llegada de la influencia del quattrocento italiano a través de Levante: arquitecturas renacentistas incorporadas en los cuadros, preocupación por la anatomía, novedades en las composiciones. Se observa también influencia de Rafael, Leonardo y Miguel Ángel.

En el segundo tercio del siglo XVI se produce la eclosión de la pintura española bajo la influencia y mecenazgo de Felipe II.

A finales del siglo XVI se incrementa la influencia de obras italianas y flamencas, a través de los artistas que trabajan en el Escorial.

La temática es religiosa sobre todo, no hay temas profanos ni mitológicos.

Las influencias son diversas: italianas (Milán, Venecia), flamencas. En Castilla predomina la influencia flamenca, en Levante, la italiana.

Por la influencia flamenca, los cuadros aparecen dotados de gran realismo, claridad y cuidado de los detalles.

Se utiliza un realismo excesivo, en ocasiones teatral, para provocar la devoción y exaltación de los sentidos religiosos. Se deja notar la influencia del Concilio de Trento.

La Iglesia es el cliente más importante junto con la Corte; en este ámbito predominan los retratos de “corte” y los cuadros de maestros italianos de temas mitológicos y otros para uso privado.

El Greco

De origen griego, se forma en Italia. Se instala en España para cumplir encargos del Escorial y Toledo.

En su iconografía sigue las directrices del Concilio de Trento. Temas: retratos, series de santos; predominan las composiciones de medio cuerpo, reflejo de su posición social. Técnica: óleo.

Pintor muy original e independiente dentro del Manierismo, del que toma elementos que interpreta con una visión personal. Trata el espacio en varios planos para conseguir el efecto sorpresa. Combina espacios llenos de figuras con otros prácticamente vacíos.

No usa la luz natural sino para crear juegos de luces y sombras.

No usa un canon clásico. Sus figuras son alargadas y distorsionadas, atrevidos escorzos. Línea serpentinata y posturas teatrales.

Usa colores apagados: ocres, grises, azulados; entre estos, “golpes” de un color más fuerte, creando fuertes contrastes.

No fue muy valorado por los mecenas, pero consigue otros clientes y es admirado por otros pintores y por el pueblo.