Maestros del Barroco: Rubens y Caravaggio en Detalle

Las Tres Gracias

Género: Pintura mitológica
Título: Las Tres Gracias
Museo: Museo del Prado, Madrid
Autor: Pedro Pablo Rubens (1577-1640)
Cronología: 1638 (s. XVII) en Flandes, actual Bélgica
Estilo: Arte barroco

Descripción y Características

Se trata de una obra mitológica que utiliza el desnudo, influenciada por Tiziano, un tema típico de la mitología. En esta obra, Rubens representa las formas de las tres mujeres con volúmenes ampulosos y rotundos, creando una composición de guirnalda elíptica. Destaca el color anaranjado en los tres desnudos femeninos.

En la imagen se representa a Aglaya, Talía y Eufrosine, las tres Gracias de la mitología clásica. Dos de ellas aparecen de perfil, flanqueando a la del centro, que se muestra de espaldas con la cabeza vuelta. En el resto de la obra, se observa una gran abundancia de luz.

El trío está enmarcado por un árbol a la izquierda y, a la derecha, por una cornucopia dorada de la que brota agua y que está adornada con flores. A esto se suma un gran colorido cálido, brillante y luminoso, con un fondo que presenta un paisaje de gran sutileza en el que se distinguen diversos animales.

En la pintura, se reflejan las siguientes características del Barroco:

• Dramatismo y teatralidad.
• Dinamismo y movimiento.
• Expresión desequilibrada y efectos ópticos.
• Predominio del color sobre el dibujo.

Rubens busca mostrar la riqueza y suntuosidad del Barroco y la Contrarreforma triunfante.

La Muerte de la Virgen

Autor: Michelangelo Merisi da Caravaggio
Fecha: 1605-1606
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 3,65 m x 2,45 m
Localización: Museo del Louvre, París
Estilo: Barroco italiano

Descripción y Análisis Cromático

La Virgen, en su lecho de muerte (un catre), aparece con una vestimenta roja, los pies descalzos, el pelo alborotado, las manos inertes, el cuerpo hinchado y una finísima aureola divina sobre su cabeza. Junto a ella, encontramos a María Magdalena, quien, desconsolada, apoya su cabeza sobre las rodillas. A su lado, se observa un cuenco metálico (palangana), con el que se limpió el cuerpo de María.

Los apóstoles, descalzos, muestran diferentes actitudes ante la muerte: San Juan, erguido, reflexiona; otros sollozan, secan sus lágrimas u ocultan sus ojos en señal de dolor. Toda la escena se desarrolla en una estancia austera y oscura, de cuyo techo cae un denso telón rojo.

Hay un predominio del color rojo (simbolizando muerte, pasión y dolor), con tonos cálidos en María Magdalena y los ropajes de los apóstoles. Se busca resaltar el sentimiento (predominio del color sobre la línea).

También se observa el verde, color complementario del rojo. Caravaggio refuerza el contraste de actitudes: los rojos y cálidos (sufrimiento, dolor) frente al verde de San Juan (actitud de reflexión).

Técnica: Claroscuro y Tenebrismo

Utiliza un claroscuro muy acentuado, dando lugar al tenebrismo. Ilumina bruscamente aquello que desea mostrar, sumiendo en oscuridad el resto de la escena, oscureciendo el fondo e iluminando los primeros planos.

Contexto Histórico

Tras el Concilio de Trento, la Iglesia plantea el arte como un vehículo para la religión. El arte servirá de propaganda. A través del arte, se busca atraer al creyente, haciendo que sienta la pasión y el sufrimiento de los personajes representados. El creyente debe conmoverse por las obras que contempla; por lo tanto, el sentimiento será el principal elemento.