Innovaciones de la escultura romana en relación con la griega

Especifica las innovaciones de la escultura romana en relación con la griega

El arte romano comprende desde el 753 a.C. hasta el 476 d.C. Se extendía por el sur de Europa (en los territorios de la Península Ibérica, Francia e Italia) y el norte de África. La evolución romana se desarrolla en tres períodos: Monarquía, República e Imperio y el arte romano, que estudiamos, distingue fundamentalmente la etapa republicana (siglos II y I a.C.); el imperio de los siglos I a.C. y I a.C.; el imperio de los Antoninos y Severos (siglo II y III) y la Baja Romanidad (siglo IV). Los romanos realizaron esculturas de distintos materiales, sobre todo bronce y mármol. A diferencia de la escultura griega que era esencialmente religiosa, en la que representaban a dioses y mitos, la escultura romana representó también a sus dioses, pero conmemoró a difuntos y celebró también sus hazañas. Tuvieron influencia griega, en especial, helenística y más adelante clásica. Ya al final del imperio, los escultores renunciaron a la naturalidad y proporción del arte clásico, provocando un aspecto estático y solemne. La escultura griega evitó los rasgos individuales, los signos de la edad y todos los rasgos que diferenciaban a un individuo de otro: es el idealismo griego. El de etapa republicana representa la cabeza hasta la base del cuello con cabello muy corto en mechones irregulares, rasgos faciales muy acusados y los ojos son simples espacios curvos. Con la llegada de Augusto al poder, se hizo necesario crear un tipo de retrato que expresara la autoridad y el aura divina, que rodeó a la persona del emperador.En la etapa de los Antoninos el retrato llega hasta los hombros, en los ojos se marca el iris, el cabello se talla en gruesos mechones y se trabaja la barba. El emperador asume la imagen de un filósofo, con barba y pupilas marcadas, mostrando un aire ausente y espiritual, ej: Marco Aurelio a caballo. En la etapa de la Baja Romanidad o Bajo Imperio el retrato adquiere cada vez un carácter más impersonal, estático y esquemático, se pierde el realismo con ojos de gran tamaño y profundas pupilas, cejas prominentes y alargamiento del rostro; se convierten en imágenes simbólicas, en las que importa más representar la dignidad del cargo. En cuanto al relieve histórico romano es la síntesis de distintas influencias. Desde sus orígenes, existía una tradición literaria destinada a relatar hechos y hazañas. A esta tradición se unió la influencia del relieve narrativo y alegórico de los reinos helenísticos. También influyeron asirios, egipcios o persas, en los que se conmemoraban o ensalzaban las hazañas de los monarcas. El relieve histórico es la aportación más original del arte romano. Se trabaja con distintos volúmenes de talla: bajorrelieve, mediorrelive y alto relieve para conseguir efectos de perspectiva y se crean contrastes de luces y sombras. Las escenas están concebidas de forma narrativa, que podríamos llamar cinematográfica. Experimentó una evolución en la que adquirieron cada vez más importancia los detalles descriptivos y la narración dinámica de los hechos. Uno de los conjuntos de relieves más importantes se encuentra en el Arca Pacis de Augusto (s. I), en el que se conmemora la procesión que tuvo lugar el año 13 a. C para celebrar tras las campañas de Hispania la paz en las fronteras del imperio

Mona lisa:El artista:Leonardo nació Florencia,fue hijo ilegítimo de un rico notario florentino y de una jovencísima campesina.Fue pintor,escultor,arquitecto,ingeniero,músico y escritor.Documentación grl:Titulo:La gioconda.Autor:Leonardo Da Vinci(1452-1519).Cronología.1503-1505)Estilo:Renacimiento(Cinquecento).Técnica:óleo.Soporte:Tabla:77x53cm.Localización:Museo del Louvre,París.Elementos plásticos. Quizá lo que más llama la atención de La Gioconda es su enigmática mirada y su no menos misteriosa y atractiva sonrisa. La ausencia de pestañas y cejas, así como la coloración verdosa del rostro, que se debe a una mala restauración, contribuyen a aumentar su magnetismo. Para conseguir esta mirada y esta sonrisa tan especiales, reflejo del estado anímico de la dama retratada, Leonardo pintó con paciencia y parsimonia sobre un delgado y frágil soporte de madera de álamo, que preparó con varias capas de enlucido. Primer dibujó a la mujer directamente sobre el cuadro y después la pintó al óleo con los colores muy diluidos para poder poner innumerables capas transparentes. Éstas, gracias a superposiciones múltiples, confirieron al rostro efectos de luz y sombra muy naturales, pero también muy idealizados y mágicos. El paisaje del fondo, con sus dos partes imposibles de enlazar, contribuye a acentuar la sonrisa de la mujer, tirando ópticamente de las comisuras de los labios. Leonardo difuminó, sobre todo, los ojos y los labios, aunque también empleó el sfumato en los rizos que caen sobre el hombro de la mujer y se funden con las rocas y con los pliegues del chal. Con el sfumato, Leonardo consiguió recrear los efectos sutiles de la luz sobre la piel y el paisaje, sombras amables, una imitación perfecta de la carne y una semioscuridad tan reveladora como mágica. La luz, mortecina e irreal, y la paleta de colores, más sombría de lo que solían usar sus contemporáneos, dulcifica el retrato. Contenido. Tan enigmática como la expresión de la Gioconda es su identidad. se ha dicho de todo, desde que es el ideal de belleza del autor hasta que representa un adolescente vestido de mujer o una amante de Giuliano de Médici o del propio Leonardo. Vasari la identifica con Monna Lisa, esposa del rico florentino Francesco del Giocondo, de donde proviene el nombre popular del cuadro. El retrato fue encargado en 1503, pero no es seguro que el inconstante Leonardo lo terminara.Composición. La composición es aparentemente sencilla: una mujer sentada en una silla de brazos, frente a un paisaje. La dama vuelve el cuerpo a un lado y dirige una enigmática mirada hacia el espectador. El artista consigue que nada parezca inmóvil ni rígido, de manera que incluso la forma del paisaje parece fundirse unas con otras. La Gioconda no está pintada desde fuera, sino que, como ocurre con el paisaje del fondo, está concebida desde dentro. El punto donde convergen todas las miradas es, sin lugar a duda, la cara de la mujer, aunque hay un segundo punto de inflexión: sus manos, bellamente modeladas y entrelazadas.

La escuela de Atenas: Rafael. La escuela de Atenas es una obra maestra de la perspectiva y de la expresión de los ideales artísticos del Renacimiento. El artista. Rafael Sanzio, de Urbino, adquirió su primera formación pictórica con su padre, Giovanni Santi. Mereció ser llamado el Divino. Su talante afable y su talento innegable, le permitieron conseguir alguno de los encargos más importantes de la época.Documentación grl:Título: La Escuela de Atenas.Autor:Rafael(1483-1520).Cronología(15101511).Estilo:Renacimiento,quattrocento.Técnica:fresco.Soporte:muro 7,72.Elementos plásticos. Las pinceladas de Rafael, la suavidad del dibujo y la armonía de colores reflejan la paz interior que el maestro quería comunicar con sus obras. La aparente sencillez de eta obra es fruto de un dibujo preciso y de un estudio detallado de las proporciones, actitudes y distribución de las figuras.Composición. La escena tiene lugar en un marco arquitectónico inspirado en los proyectos de Bramante para la basílica de San Pedro y en los edificios clásicos romanos. Las líneas de perspectiva de la composición confluyen en los cuerpos de Platón y Aristóteles. La arquitectura marca la progresión en profundidad de las distintas figuras. Aunque el resto de los personajes parecen estar distribuidos de forma anárquica, una mirada atenta permite observar que están distribuidos en grupos, los cuales tienen sus figuras principales y sus propias dinámicas y formas de relacionarse. Rafael fue capaz de reflejar con sencillos gestos ideas de gran complejidad, como ocurre con las filosofías de Platón y Aristóteles. Contenido:La escuela de Atenas representa el espíritu de la cultura del Renacimiento y celebra la búsqueda racional de la verdad. La escena recoge un gran número de filósofos de la antigüedad. Rafael no incluyó a ningún pensador contemporáneo porque consideraba que los filósofos se habían limitado a comentar a sus antecesores. En el centro de la composición, pasean los dos grandes sabios de la Antigüedad, Platón (con los rasgos de Leonardo) y Aristóteles. Platón, consecuente con su filosofía idealista, alza la mano y sostiene el Timeo, su tratado sobre el origen del cosmos; Aristóteles, filósofo más apegado al conocimiento sensible, lleva consigo su Ética y señala con la mano hacia la tierra, la realidad humana. En el grupo de la izquierda, Pitágoras, personificación de la aritmética y la música, lee rodeado por un grupo que le mira concentrado en sus explicaciones. entre ellos destaca Averroes, que lleva turbante. Más a la izquierda se encuentra Epicuro, que también lee un libro sostenido por un niño. Heráclito, con el rostro de Miguel Ángel, se apoya en el primer peldaño de las escaleras y se muestra pensativo y extrañamente quieto, si tenemos en cuenta su afirmación de que todo está sometido a continuo cambio. Zoroastro está representado con una esfera celeste, mientras Ptolomeo, de espaldas al espectador, sostiene un globo terráqueo.