Impresionismo y postimpresionismo: características, artistas y obras

Impresionismo

Surge a fines del siglo XIX como movimiento artístico. En abril de 1874, un grupo de artistas expone sus obras, las cuales son rechazadas porque el público no estaba acostumbrado al impresionismo.

El término "impresión" se utiliza para definir la calidad abocetada de la obra de un artista y también para definir el impacto visual que recibía el artista al plasmar el tema de una pintura.

Artistas destacados:

• Monet
• Renoir
• Degas

Características del Impresionismo

• Preocupación por el efecto cambiante de la luz sobre la superficie de los objetos de la naturaleza, sobre todo en movimiento (agua). Estudio de los efectos de la luz sobre los objetos de un modo científico.
• Representación de las sombras con multitud de matices de color que incluyen los complementarios del objeto que la proyecta.
• Análisis del color de la naturaleza bajo la luz cambiante. Estudio de la composición de los colores.
• Pincelada fragmentada y yuxtaposición de colores puros que se mezclan en la retina del espectador.
• Subjetividad del artista y del espectador, que es quien mezcla las pinceladas en la retina.
• Se mantienen las convenciones de espacio y volumen.
• Temas de la vida cotidiana pintados al natural en un instante.

Análisis: Almuerzo en la hierba

Presentada en el Salón de 1863, la obra fue rechazada y expuesta en el "Salón de los Rechazados". Escandalizó a sus contemporáneos.

• Influencia en la composición de la "Fiesta campestre".
• Retrata a su modelo favorita (desnuda), Eugene Manet (su hermano), Ferdinand Leenhoff (escultor y futuro cuñado) y una Venus agachada, en un paisaje.
• La composición se basa en un primer triángulo que enmarca a todas las figuras y todas ellas describen nuevos triángulos.
• Estudio de luz y oscuridad creado por la planta del pie de la mujer desnuda y el zapato del escultor, así como la mano y el traje del mismo.
• La significación erótica de la pintura se indica mediante el entrelazamiento de piernas que encierran formalmente el grupo del primer plano dentro del plano pictórico.
• En las zonas de color anchas y planas (especialmente en la figura central) Manet prescinde del acabado académico y de modelar el volumen y las formas (a pesar de utilizar los tradicionales contrastes de luces y sombras) están simplificadas. Esto era inaceptable para los académicos.
• El fondo del paisaje, las hojas y los reflejos del agua están simplemente insinuados con pinceladas flojas; y otras formas como la orilla del riachuelo en el centro de la composición y los troncos de los árboles, están definidos solo por contrastes tonales.

Análisis: Amanecer sol naciente

• Monet actúa como un fotógrafo, encuadrando la imagen y reduciendo el cielo para darle protagonismo al agua y sus reflejos. Para ello utiliza un punto de vista más elevado que el motivo, tomando una vista en picado.
• Predomina claramente el color sobre la línea, con una pincelada tremendamente suelta que vuelve abocetados los distintos motivos.
• Los colores predominantes son fríos (violetas y azules) que contrastan con pequeñas zonas cálidas anaranjadas.
• Perspectiva: ciertamente carece de importancia y tanto la forma de aplicar el color como la toma en picado (de arriba abajo) tienden a la creación de un espacio bastante plano y alzado.
• Al igual que el espacio, las texturas no tienen excesiva importancia, siendo totalmente abocetadas.

Análisis: Campo de amapolas

Es una pintura al óleo sobre lienzo, pintada en 1873. El tamaño es de 50 x 65 cm y se conserva en el Museo de Orsay de París.

En el cuadro “Amapolas”, el artista se centra en la vida humana. La pintura se divide en dos partes. La parte superior se caracteriza por la luminosidad del cielo y la parte inferior en la que se destacan los más intensos colores de las amapolas. La mujer en primer plano es la esposa de Monet, Camille, y el niño es su hijo Jean. Los dos están representados tanto en el primer plano a la derecha como en el horizonte, ocultos por la hierba y las flores. Estas dos figuras construyen una línea recta oblicua que enmarca la imagen. En esta obra, el artista pinta a los dos miembros de su familia en dos ocasiones: la primera en la parte superior izquierda y la segunda en la parte inferior derecha.

Postimpresionismo

Cubre el periodo entre la última exposición impresionista en 1886 y el nacimiento del cubismo en la primera década del siglo XX. El nombre fue acuñado por Roger Fry en su exposición de 1910 “Manet y los post-impresionistas” en la que piensa que la nueva pintura no aspira a representar objetos como hacía el impresionismo, sino que pretende expresar ideas transfiriéndolas a otro lenguaje.

Análisis: Noche estrellada (Van Gogh)

Mantiene una conexión formal con Gauguin en el perfil de las colinas, la casa, la iglesia; mientras que las formas turbulentas y los remolinos de colores intensos contra la noche sombría crean un obsesionante estado de ánimo ajeno a la sensibilidad del simbolismo. Su pincelada es ondulante, larga y pastosa. Le atraían los cambiantes contrastes de colores primarios y complementarios.

Análisis: Los girasoles (Van Gogh)

Realizado en 1889 para decorar la habitación de Gauguin. Realizó 4 lienzos, de los que firmó dos y se los envió a su hermano para que los exhibiera. Fueron también expuestos en Bruselas en 1889 donde fueron un éxito. Utilizó dos estilos dispares: las pinceladas "sin punteado ni nada, sólo un toque variado" y un estilo decorativo que esperaba produjera "el efecto de las vidrieras de una iglesia gótica". La pared posterior produce un efecto de sombreado, mientras que la superficie que soporta el jarrón queda lisa. El mismo efecto se ve en la parte superior e inferior del jarrón. Las flores se hicieron con toques suaves, mientras que las hojas y tallos se realizaron con pinceladas más fuertes.

Análisis: Mujeres de Tahití en la playa (Gauguin)

(1891, óleo sobre lienzo, 69 x 91 cm, Museo d’Orsay, París). Los rostros de las dos mujeres son impenetrables, figuras sólidas y robustas. Las dos mujeres representadas son totalmente contrapuestas. La de la derecha viste ropas occidentales y está sentada de espaldas al mar, trenzando unas hojas secas para fabricar un cesto. Mira de reojo hacia la derecha, a algo que queda fuera del cuadro, como si estuviese alerta. Su cuerpo se cierra sobre sí mismo formando un óvalo impenetrable. La joven de la izquierda lleva puesta una indumentaria más tradicional, un pareo y una camisa blanca, y se sienta de cara a las olas, relajada.

Análisis: Habitación en Arlés (Van Gogh)

Cronología: 1889
Técnica: pintura al óleo sobre lienzo

Nos encontramos ante una de las tres versiones que realiza Van Gogh de su estancia en Arlés, en el interior de la casa amarilla donde convivió durante un breve espacio de tiempo con su amigo y pintor Gauguin.

La escena es sencilla: una cama, una silla y varios cuadros colgados de forma desordenada en la pared de una pequeña habitación donde lo más destacado es el uso de la perspectiva deformada, tan característica del autor, que parece utilizar un objetivo de gran angular.

Al fondo, la ventana apenas queda entreabierta sin dejar ver el campo, lo que aumenta el ambiente claustrofóbico de este pequeño espacio donde vive el artista.

El colorido de su pincelada es vibrante, como vemos en la colcha color sangre sobre la cama, y aunque su intención era reflejar la calma en la que vivía en su retiro, no consigue transmitirnos esa tranquilidad.