Impresionismo y Postimpresionismo: Características, Artistas Clave y Técnicas Pictóricas

Glosario de Términos Pictóricos

• Autorretrato: Retrato de una persona realizado por el propio artista.
• Bodegón: Género pictórico que representa una composición a base de seres inanimados (animales muertos, vegetales o cosas). También se le conoce como naturaleza muerta.
• Claroscuro: Contraste de luz y sombra que finge o hace resaltar las formas en profundidad.
• Escorzo: Representación de una figura situada oblicua o perpendicularmente al plano del papel o lienzo sobre el que se pinta, que se logra acortando sus líneas de acuerdo con las reglas de la perspectiva.
• Esfumato: Difuminado, de contornos vaporosos. Consiste en sombrear las figuras y diluirlas mediante el claroscuro en el espacio. La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da Vinci, que la describía como "sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque".
• Grabado: Dibujo sobre madera, metal, piedra u otro material duro, obtenido mediante incisiones o rayas hechas con un buril, punzón o sistemas análogos.
• Óleo: Técnica pictórica que consiste en colores triturados y aglutinados con aceite secante al que se añaden resinas.
• Perspectiva: Modo de representar en una superficie plana (bidimensional – alto y ancho-) los objetos, de manera que aparezcan en la forma y disposición en que se muestran a la vista de la realidad (tridimensional – alto, ancho y profundo-). Es el arte de dibujar para recrear la profundidad.
• Perspectiva Aérea: Es el método con el cual se produce una sensación de profundidad en una pintura, al imitar el efecto de espacio que hace que los objetos se vean más pálidos, azules y nebulosos o menos distinguibles a distancia media y lejana. El término fue acuñado por Leonardo da Vinci.
• Perspectiva Lineal: Sistema de percepción espacial que utiliza un punto de fuga central desde el que divergen todos los planos. Fue muy utilizado en el Renacimiento.
• Pintura de Género: La pintura de género o pintura costumbrista es un tipo de obra artística, principalmente pictórica, en la que se representa a personas normales en escenas cotidianas, de la calle o de la vida privada, contemporáneas al autor. Lo que distingue a la pintura de género es que representa escenas de la vida diaria, como los mercados, interiores, fiestas.
• Políptico: Conjunto formado por varias tablas móviles.
• Tenebrismo: Tendencia artística que utiliza grandes contrastes de luz y sombra, a través de un rayo o haz de luz que penetra, y selecciona algunos objetos o personajes muy iluminados, en contraste con otras zonas que quedan en penumbra. Se inició con el pintor italiano Caravaggio, y fue muy utilizado por los pintores españoles del siglo XVII (Ribera, Zurbarán, Velázquez, etc...).
• Tríptico: Es una obra de arte (por lo general un panel pintado) que se divide en tres secciones, o tres paneles tallados que están unidos por bisagras. Por lo tanto es un tipo de políptico (término que se aplica a todas las obras que se componen de varios paneles).

El Impresionismo: Un Nuevo Enfoque en la Luz y el Color

El impresionismo fue un movimiento artístico del siglo XIX que rompió con la pintura realista y académica. Con la invención de la fotografía, los artistas dejaron de enfocarse en la representación exacta de la realidad y buscaron nuevas formas de expresión. Inspirados por los estudios sobre la luz y el color, capturaban momentos efímeros a través de pinceladas rápidas y sueltas. La teoría impresionista del color proponía que los colores debían aplicarse en pequeños toques cercanos para que el ojo del espectador los mezclara ópticamente. La luz y su efecto sobre los objetos se convirtieron en el eje central de esta corriente, relegando la perspectiva y el dibujo tradicional a un segundo plano.

Una de las principales características del impresionismo fue la pintura al aire libre (plein air), lo que permitía a los artistas captar directamente los efectos de la luz en la naturaleza. Cada pintor tenía su estilo particular, pero todos compartían la obsesión por representar la atmósfera y la fugacidad de los instantes. Entre sus precursores se encuentran Tiziano, Velázquez, Rembrandt y Goya, quienes en ciertos aspectos anticiparon el uso libre de la pincelada y el interés por la luz.

Artistas Impresionistas Destacados

Entre los principales impresionistas destacó Édouard Manet, quien rompió con la pintura académica y fue duramente criticado por sus contemporáneos. Su obra El almuerzo campestre y Olimpia causaron controversia por su tratamiento innovador del color y la composición. Claude Monet, el más representativo del impresionismo, dio nombre al movimiento con su obra Impresión, sol naciente (1872). Se especializó en captar los cambios de luz a lo largo del día en series como Las catedrales de Ruan y Los nenúfares. Pierre-Auguste Renoir mostró la vida urbana y el placer social bajo la luz del sol en obras como El Baile en el Moulin de la Galette. Con el tiempo, su estilo evolucionó hacia una mayor definición de los contornos. Edgar Degas, a diferencia de sus colegas, prefería pintar en interiores y se centró en temáticas como bailarinas, el circo y las carreras de caballos, utilizando frecuentemente la técnica del pastel.

El Postimpresionismo: Más Allá de la Impresión, Hacia la Expresión

El postimpresionismo surgió como una evolución del impresionismo, en la que los artistas buscaron mayor expresividad y simbolismo en sus obras. Cada pintor postimpresionista tenía un enfoque personal y único.

Artistas Postimpresionistas Clave

Vincent van Gogh, con una pincelada enérgica y cargada de emoción, reflejó su inestabilidad mental en obras como La noche estrellada, Los girasoles y La habitación de Vincent en Arles. Paul Cézanne, más estructurado y racional, redujo la realidad a formas geométricas básicas, anticipando el cubismo en obras como Jugadores de cartas y Montaña de Santa Victoria. Henri de Toulouse-Lautrec, con un estilo ágil y caricaturesco, retrató la vida nocturna de París y creó carteles icónicos como Moulin Rouge, La Goulue. Paul Gauguin se apartó del impresionismo para desarrollar un arte más simbólico y primitivo. Influenciado por sus viajes a Bretaña y Tahití, utilizó colores intensos y formas simplificadas, creando obras como Cristo amarillo, Visión después del sermón y Mujeres de Tahití.

El impresionismo y el postimpresionismo transformaron la historia del arte, rompiendo con la representación académica y abriendo camino a las vanguardias del siglo XX.