Impresionismo: análisis de obras de Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir

Impresionismo: Claude Monet (1840-1926)

Introducción

Claude Monet es uno de los pintores que más contribuyó al movimiento impresionista, en torno al cual se formó el primer grupo de pintores impresionistas.

En 1872 pintó el cuadro que representa el puerto del Havre al amanecer, al que tituló “Impresión, sol naciente”. Un crítico utilizó este título para calificar a Monet y sus amigos de "impresionistas".

Estilo y Temática

Monet, en sus obras, prefiere reflejar la atmósfera y el agua. Nunca derivó hacia otras corrientes artísticas, sino que se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte.

Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. La luz es la que crea el color y la forma.

Sus temas preferidos son las marinas, las escenas fluviales y los paisajes. Otras obras suyas son: la catedral de Rouen, la serie de la estación de San Lázaro, las ninfas, Impresión atardecer, Regatas en Argentuil, Las amapolas, Paseo con sombrilla…

Análisis de "Impresión, sol naciente"

En la obra “Impresión, sol naciente” aparece ya la nueva forma de pintar de los impresionistas.

• Claroscuros sustituidos por yuxtaposición de colores.
• Colores complementarios que resaltan si se colocan próximos: El sol naranja (cálido) aparece rodeado de azules fríos.
• Equilibrio de la composición: las formas que están por encima del horizonte se reflejan en el mar.
• Colores puros y brillantes.
• La definición de los contornos desaparece y las formas están sólo sugeridas por pinceladas de color.
• Pinceladas en diferentes direcciones.
• Pinceladas divididas en bandas horizontales o verticales (suele preferir las redondeadas para el agua y las nubes).
• La composición: Diagonal de las tres barcazas.

En esta obra de Monet se encuentran muchas de las características de la pintura impresionista, como son: el interés en captar lo efímero de un momento de luz; la técnica de la pincelada suelta y el dibujo rápido sin perfiles definidos; la aplicación de los colores sin mezclar para que sea el espacio que media entre el espectador y la tela el que realice la fusión cromática, o la costumbre de pintar al natural, favorecida por el invento de los tubos de óleo, con la preferencia por el paisaje común a todos ellos.

Pierre-Auguste Renoir: Le Moulin de la Galette (1876)

Contexto

En esta obra, Renoir fija un momento de la vida parisina en una atmósfera de feliz abandono. Presenta a la gente sencilla y popular que se divierte un soleado día de verano en el Moulin de la Galette.

Análisis de la Obra

• La composición se desarrolla en torno a un esquema curvilíneo, del primer plano hacia el fondo, siguiendo las diagonales del cuadro.
• La pincelada es borrosa. Consigue un gran colorido y efectos de luz, como filtrada a través de las hojas.
• El estilo empleado es rápido y abocetado, intenta crear la sensación ambiental.
• La influencia de la fotografía se pone de manifiesto al cortar los planos pictóricos, dejando a medias las figuras. Gran calidad como retratista.
• Como todos los impresionistas, consigue el efecto de inmediatez a través de la pincelada suelta y la mezcla óptica.

Tema

El Moulin de la Galette era un lugar de ocio y recreo para estudiantes, obreros y artistas en la misma cima del enclave rural de Montmartre, por aquel entonces en los aledaños de París. En esta obra Renoir refleja lo que será una constante en su obra: la alegría de vivir expresada de manera sencilla, en este caso en un baile de la tarde del domingo.

Color

Lo esencial de esta obra maestra es el tratamiento de la luz y del color. Renoir consigue captar el efecto de la luz del sol traspasando las acacias sobre los personajes de la escena. Aquí el color al que estamos acostumbrados como color real de los cuerpos y objetos es claramente modificado por la mezcla del amarillo del sol junto con el verde de las acacias, lo que teóricamente da las sombras o manchas de luz azules que Renoir reparte por toda la escena.

El uso del color se complementa a la perfección con la pincelada suelta. Las pinceladas, al no respetar con precisión los límites de las formas, y al permitir la fusión de unas zonas de color con otras, crean una sensación de reverberación en los personajes que les confiere una maravillosa luminosidad.

Composición

La composición es compleja, con mezcla de perspectivas, por estar centrada en una gran cantidad de personajes a costa del cielo, y por la ausencia de un primer plano trazado claramente. Parece dominar una diagonal entre la esquina inferior izquierda y la superior derecha. En esta parte derecha domina un gran óvalo con las figuras más cercanas de dos mujeres y tres hombres en torno a una mesa. Hay otro óvalo en torno a los bailarines de la izquierda.

En las figuras más cercanas de la derecha, domina la perspectiva ligeramente elevada, mientras que el resto de las figuras tienen una perspectiva frontal que acentúa el efecto de profundidad.

La figura del hombre que aparece de espaldas en la silla es un recurso magistral para «cerrar» la composición en la parte derecha.