Historia de la fotografía: de la cámara oscura al fotoperiodismo y la vanguardia española

La cámara oscura hasta Leonardo da Vinci

La cámara oscura es una habitación que recibe luz por un pequeño orificio en una de sus paredes, por el cual entra la luz y proyecta en la pared opuesta una imagen invertida del exterior. La nitidez de la imagen depende del tamaño del agujero: a menor tamaño, mayor nitidez, y viceversa.

En el siglo XVI, con el Renacimiento, Leonardo da Vinci usó este recurso en pintura, sobre todo para la perspectiva. El aparato se perfeccionó con el diafragma, atribuido a Daniello Barbaro, y con el objetivo, un simple disco de cristal que mejoraba la visión, atribuido a Girolamo Cardano.

Aportaciones de R. Boyle, Sturm y J. Zahn

• Boyle: introdujo una hoja de papel aceitado sobre la que proyectaba la imagen.
• Sturm: colocó un espejo en un ángulo de 45º que invertía la imagen, colocándola al derecho.
• Zahn: sustituyó el papel por vidrio y añadió un objetivo telescópico formado por una lente cóncava y otra convexa.

Gracias a quienes se fue sabiendo la verdad sobre el inventor de la fotografía

• Francis Bauer: académico inglés que dijo en 1839 que Niépce le había comunicado su invento en 1827.
• Isidoro Niépce: el hijo de Nicéphore escribió un libro titulado "Historia del descubrimiento importante denominado daguerrotipo", sobre el invento de su padre.
• Victor Fonque: archivero de Chalon; fue el primero que lo dijo en el siglo XX, y los historiadores Georges Potonnieu y Raymond Lecuyer aportaron más datos.

Sombrografía: ¿quién la descubre, qué es y qué se obtiene a partir de ella?

Fue inventada por William H. Talbot. El proceso consistía en mojar el papel en una solución de sal común; una vez seco, se trataba en una solución de nitrato de plata. Ambos elementos formaban cloruro de plata. Luego colocaba algún objeto encima (una hoja, una pluma, un trozo de encaje) y, expuesto a la luz solar, obtenía una silueta blanca contra el fondo de papel ennegrecido: se llamó sombrografía.

El resultado era una imagen en negativo por contacto.

¿Quiénes aportaron las tres primeras réplicas? ¿Qué aportan?

• Chevalier: en 1840 presentó una cámara con excelente óptica y combinaciones variables que prefiguraba los objetivos intercambiables de las cámaras actuales.
• Lebours, Buron y Soleil: desarrollaron cámaras de formato superior; Buron fue el primero en dar la fórmula que relaciona la distancia focal y el objetivo.
• Petzval: en 1841 ordenó producir en serie un objetivo inventado por él, 16 veces más luminoso que el del daguerrotipo.

¿Cómo afectó el retrato fotográfico a la miniatura?

La miniatura era un género pictórico muy de moda en el siglo XIX; consistía en diminutos retratos pintados. La fotografía, mucho más fiel, barata y rápida, terminó por sustituir estas miniaturas pintadas. En 1840 había dos talleres de retratos en Londres, el de Beard y el de Claudet, que hicieron populares y ricos a sus propietarios; en pocos años ya había decenas en todas las capitales importantes del mundo.

Octavius Hill

Fue un pintor escocés que en 1843 realizó un retrato colectivo de las 457 personas que se habían reunido para la Free Church of Scotland. Las ventajas de la fotografía las asoció con el fotógrafo Robert Adamson, que trabajó con él hasta su muerte en 1848. Su técnica era sencilla pero novedosa: hacían posar a sus modelos al aire libre y, para contrarrestar las sombras oscuras producidas por la luz solar directa, fueron los primeros en utilizar un espejo cóncavo como compensación.

¿Qué es el Pantheon Nadar? ¿Cuál es la principal característica de sus retratos?

• En 1850 Nadar se dedicó a la fotografía y en 1853 abrió su propio estudio, donde se dedicó a fotografiar a las celebridades que vivían en París. A este proyecto lo llamó Pantheon Nadar, que no llegó a terminar. Entre los muchos retratos que hizo están George Sand, Eiffel, Zola, etc.
• Su técnica fotográfica no tenía nada de particularmente novedoso: colocaba a sus modelos debajo de una alta claraboya y los retrataba de pie o de tres cuartos. Su principal característica fue la aportación psicológica del retratista: aportaba una visión caricaturesca y, a la vez, psicológica, capaz de captar la personalidad de los modelos.

¿Para qué y dónde se utilizó la fotografía aérea? Problema que planteó al principio

Nadar estuvo obsesionado por los globos para fotografiar desde el aire, realizar alzados topográficos y detectar los movimientos de las tropas enemigas.

El problema era que el gas que salía de los globos estropeaba el colodión que utilizaba en la fotografía. Al final solucionó el problema y él mismo tomó las primeras vistas aéreas de París en 1856. La fotografía aérea se empleó en las guerras de Italia (1859) y durante la Guerra de Secesión americana. Al final, Nadar se arruinó por esa afición suya a los globos.

Tarjetas de visita: ¿qué aportó Disdéri al retrato?

Disdéri aportó al retrato una visión más comercial: introdujo accesorios en el estudio (columna, cortina, mesa…) e imponía a sus modelos determinadas poses con el fin de expresar un arquetipo: el militar, el escritor, etc.

¿Cuáles eran las dos posturas existentes antes de terminar el siglo?

• Naturalistas, encabezados por Peter Henry Emerson, que pretendían que la fotografía buscara la simple naturaleza en la realidad sin transformarla ni retocarla.
• Pictorialistas, que pretendían igualar la fotografía a la pintura y buscaban la iluminación, seleccionando el punto de vista y la composición. Practicaban el retoque y el montaje, aplicando efectos como el desenfoque.

Sus representantes fueron: Oscar Gustave Rejlander, Henry Peach Robinson y Lewis Carroll.

Henry Peach Robinson

Robinson realizó en 1858 la obra Fading Away, en la que representaba a una chica muriendo, rodeada por sus familiares. Toda la obra tiene una atmósfera lastimera y romántica. Es un fotomontaje hecho con cinco negativos diferentes. La obra tuvo bastante aceptación y buena crítica. Robinson siguió haciendo fotomontajes en los que incluyó escenas campestres y bucólicas, muy del gusto de la época. Publicó un libro, El efecto pictórico en fotografía (1869), que puede considerarse la "Biblia" de los pictorialistas.

¿Qué temas desarrolla la fotografía social?

Al principio la fotografía se centró en el retrato y en la fotografía de viajes. Fue tomando poder como medio para documentar la realidad: la llamada fotografía social o fotografía de denuncia.

La pobreza, la explotación en el trabajo, la explotación infantil, la inmigración, la violencia, la delincuencia, la prostitución y las condiciones inhumanas de vida de los barrios marginales fueron los temas a los que apuntaron sus objetivos.

Jacob Riis (1849-1914)

Era danés y cubrió la información criminal de la prensa de Nueva York entre 1877 y 1888. En 1887 decidió documentar la miseria y la degradación en la que vivían los pobres de los suburbios de la ciudad. Entre 1887 y 1902 tomó innumerables fotos que recogían la sordidez y miseria en la que vivían las clases bajas.

Escribió dos libros ilustrados con sus fotografías. Su obra pasó desapercibida hasta que Alexander Alland la redescubrió en 1947.

¿Qué es el blitzlightpulver?

El blitzlightpulver era una mezcla de algodón, pólvora y magnesio que, colocada en un soporte metálico, al quemarse provocaba un fuerte destello que podía durar varios segundos. Fue precursor del flash y sustituyó a la llamarada de magnesio, mucho menos eficaz; permitía sacar fotos con poca luz.

¿Qué es la linterna mágica? ¿Dónde y para qué se utilizó?

La linterna mágica es una cámara oscura invertida que permite proyectar sobre una superficie una imagen pintada en un soporte transparente iluminado desde atrás. Se utilizó como atracción de feria y espectáculo público; en España fue muy popular durante el siglo XVIII.

El fisionotrazo

Era un sistema semimecánico para realizar retratos, inventado en 1786 por Louis Chrétien. Se basaba en el pantógrafo, un instrumento utilizado para ampliar dibujos y mapas.

Permitía trasladar a una lámina de cobre el perfil del modelo, que luego se reproducía en tinta. La técnica combinaba el dibujo y el grabado; era económica y no requería largas sesiones del modelo.

¿Por qué se prefiere el calotipo al daguerrotipo? ¿Qué potenció su utilización?

El calotipo hizo mucho más fácil la obtención de fotografías; aunque su nitidez era menor, terminó imponiéndose al daguerrotipo. Fue inventado por William H. Talbot y permitía obtener un negativo en papel sensibilizado con nitrato de plata que podía positivarse todas las veces que se quisiera.

La posibilidad de multicopiar una sola toma provocó el nacimiento de una nueva industria que potenció aún más la utilización del calotipo.

Muchos fotógrafos lo adoptaron; en España destacan los trabajos que realizó Claudius G. Wheelhouse en el viaje que efectuó por Portugal, España e Italia rumbo a Egipto en 1849.

Fotografía de aficionados

La fotografía fue practicada por aficionados. En España, frente a la ceguera de las autoridades y de los empresarios, los primeros fotógrafos fueron en su mayoría aficionados que se dedicaban a la fotografía por placer o curiosidad.

Los primeros daguerrotipos deben mucho a estos aficionados, como el marqués de Valmar, Leopoldo Augusto de Cueto, quien dejó testimonio sobre lo difícil que era utilizar el manual de Daguerre. La fotografía estuvo bien vista entre la alta sociedad.

En la década de los 80 la fotografía no se popularizó del todo. Aquel periodo se empezaron a utilizar las placas secas al gelatino-bromuro y poco después comenzó la fabricación industrial de papeles de positivado al gelatino-bromuro, que es el proceso que se siguió usando posteriormente.

¿Quiénes y qué captaron las primeras fotografías en acción?

En 1877 el fotógrafo Eadweard Muybridge, con la ayuda económica del mecenas Leland Stanford, consiguió fotografiar el movimiento del caballo llamado Sallie Gardner gracias a 24 cámaras estereoscópicas en Palo Alto (California). El experimento tenía como objetivo determinar si los caballos al galope tenían en algún momento todas las patas en el aire.

Las cámaras se colocaron en un raíl paralelo a la carrera del caballo, separadas por 20 pies, y eran accionadas por un cable al paso del caballo a cierta distancia para poder captar la escena. Las fotos fueron tomadas a una velocidad récord en la época: una milésima de segundo.

Una segunda prueba realizada días después es considerada la primera secuencia fotográfica en movimiento que ha sobrevivido.

¿Qué equipo utilizó Muybridge entre 1884-85 para producir decenas de miles de negativos?

Muybridge pudo hacerlo gracias a la placa seca, o proceso de la gelatina, inventado por Richard Maddox y perfeccionado por George Eastman en 1879. Este proceso simplificaba mucho el revelado y permitía una mayor velocidad en las tomas.

Entre 1884 y 1885, gracias a este proceso, fue capaz de producir cientos de miles de secuencias fotográficas; 20.000 de las cuales aparecen en su obra Animal Locomotion (1887). En ellas aparecen animales de todas las clases y también seres humanos, muchos de ellos desnudos.

Étienne-Jules Marey

Fue un médico y fisiólogo cuya preocupación fue describir el movimiento de los animales. Hacia 1870 había conseguido varios avances utilizando polígrafos y diagramas para explicar el movimiento de los animales, investigaciones que publicó con el nombre de La machine animal (1873). Poco después Muybridge llevó a cabo el famoso experimento de Palo Alto para probar la teoría sobre los caballos al galope.

Muy impresionado por los resultados de Muybridge, Marey estudió las posibilidades de la fotografía para captar el movimiento. En 1882 ideó su escopeta fotográfica, que mejoraba el revólver fotográfico de Janssen y que podía tomar en una misma placa 12 exposiciones gracias a un obturador. Más tarde abandonó la escopeta por una cámara de placas de su invención y se instaló, junto con su ayudante George Démeny, en el Bois de Boulogne, donde creó un laboratorio de estudio del movimiento.

Durante la década de los 90 perfeccionó su método utilizando primero un rollo de papel película y después celuloide transparente de 90 mm que rodaba en el interior de la cámara gracias a un mecanismo de su invención. Con ellas era capaz de tomar 20 imágenes por segundo y sus tiras de imágenes eran de una gran calidad técnica y estética. Sus trabajos tuvieron una influencia muy notable sobre los inventores del cinematógrafo.

¿Quiénes y cómo ayudaron a prefigurar el cinematógrafo?

En el siglo XVII, Kircher inventó la linterna mágica, que permitía proyectar imágenes en una pared. Más adelante, alrededor de 1830, Simon von Stampfer, Joseph Plateau y William Horner inventaron paralelamente una serie de tambores móviles que producían la sensación de movimiento por un mecanismo similar al que utilizaría el cine. Finalmente, los experimentos y las cámaras de Muybridge y Marey permitieron avanzar hasta la captura de numerosas imágenes por unidad de tiempo.

Sólo hacía falta unir todos los ingredientes.

Explica qué efecto crea la estereografía

La estereografía crea visión estereoscópica humana: al captar dos imágenes distintas de la misma escena separadas por un ligero ángulo, se puede reproducir la sensación de tridimensionalidad.

Inventadas por Charles Wheatstone en 1840, las cámaras estereográficas tenían dos objetivos que captaban la misma escena dos veces; una vez reveladas y montadas en un estereoscopio, se podían ver las fotos en tres dimensiones.

Peter Henry Emerson: ¿en qué puntos basaba su fotografía naturalista?

Fue de los primeros en entender que la fotografía era más que un puro proceso mecánico y que debía considerarse como un arte. Esto lo enfrentó al academicismo imperante en el mundo de las Bellas Artes. Además, concebía que la fotografía debía ser un fiel reflejo de la realidad; debía ser fiel a la óptica del ojo. Siguiendo esta teoría, produjo imágenes con una zona central muy nítida y un contorno difuminado, como lo hace el propio ojo humano. Conceptos parecidos serían utilizados por los impresionistas en pintura.

Esta postura naturalista lo enfrentó por otro lado a los pictorialistas, como Rejlander o Peach Robinson, pues renegaba por completo de su tendencia a manipular las fotos y del fotomontaje, que consideraba un falseamiento de la fotografía.

Este doble enfrentamiento lo llevó a dudar de su propia concepción de la fotografía como arte y a no querer publicar su trabajo, que paradójicamente tiene un gran valor artístico.

Influencias impresionistas

En 1874, un grupo de jóvenes artistas y fotógrafos hizo su primera exposición en el estudio de Nadar (el más conocido fotógrafo de Francia); entre ellos estaban Manet, Renoir, Cézanne y Degas. Esto da una idea de la relación entre pintura y fotografía en esa época.

Lo que unió desde el principio a los impresionistas y a la fotografía fue su marginalidad con respecto a la Academia. Ambos rechazaban los convencionalismos y las estrictas normas que establecía el arte academicista en la elección de temas y en su tratamiento.

Por otro lado, algunos fotógrafos, como Emerson, conectaban muy bien con la nueva estética que querían imponer los impresionistas: reflejar la realidad tal como se presenta al sistema perceptivo humano y su interés por la luz. También en la temática —paisajes al natural y escenas cotidianas, urbanas o campestres— hubo afinidad entre pintores y fotógrafos.

En este sentido la influencia fue mutua: los impresionistas empezaron a utilizar temáticas y puntos de vista propios de la fotografía, y los fotógrafos se vieron respaldados por posturas adoptadas desde la pintura.

Además, la fotografía fue un instrumento utilísimo para los pintores impresionistas, sirviéndoles como herramienta mnemotécnica y como inspiración.

Definición de fotografía 'live'. ¿Qué influye sobre ella? ¿Qué facilitó su práctica?

Una definición de lo que entendían como "fotografía live", en palabras de Willi Baumeister: “El fotógrafo transforma el momento de la vida en el reposo de la forma. El contemplador de una fotografía transforma, gracias a su fuerza imaginativa, el reposo de la forma en vida, en movimiento.”

Estuvo muy influenciada por el fotoperiodismo y la fotografía de información. Su práctica se facilitó porque todos los periódicos y revistas venían ilustrados con fotografías y cada vez había más demanda de fotógrafos, unido a los constantes avances técnicos.

¿Cuándo fue el boom del fotoperiodismo?

Desde principios del siglo XX la fotografía se hizo indispensable para la prensa, pero fue a partir del nacimiento de las revistas ilustradas cuando se produjo el boom del fotoperiodismo. De ellas las más famosas fueron la americana Life y la francesa Vu. Cada vez se necesitaban más fotógrafos y su trabajo se revalorizó.

Fue en la Alemania de Weimar, durante los años 20 y 30, donde apareció este tipo de fotoperiodismo: los fotógrafos pasaron de ser empleados de segunda a profesionales integrados con una importante formación académica y artística. Los más famosos fotoperiodistas de esta época fueron los alemanes Erich Salomon y Felix H. Man.

La fotografía cándida

Erich Salomon fue el primero en fotografiar de manera inadvertida; para ello utilizó cámaras con un objetivo muy luminoso (f/2) para poder fotografiar sin flash. Así creó la llamada "fotografía cándida", en la que fotografiaba a la gente sin que estos lo supieran: frente a la calidad de la imagen se daba más importancia al tema y a la emoción que suscitaba.

Salomon murió en Auschwitz junto a toda su familia por su ascendencia judía.

FSA: ¿qué era? ¿De qué se encargaba? ¿Qué fotógrafos destacaron?

Durante la Gran Depresión que siguió al Crash de 1929, el gobierno americano creó una oficina, la FSA (Farm Security Administration), para mejorar las condiciones de vida de los agricultores americanos, encontrar trabajo a los jornaleros, dar créditos a bajo interés y rehabilitar las poblaciones rurales.

Como medio de documentación de la situación en el campo, la FSA decidió encargar en 1935 a varios fotógrafos una serie de reportajes; algunos tuvieron problemas con la censura de la administración, que no quería que las imágenes fueran demasiado duras.

Los más destacados fueron:

• Walker Evans: documentó la vida de los campesinos con gran rigor; especialmente interesantes son sus fotos de la arquitectura y de la vida de los afroamericanos en los estados del Sur.
• Dorothea Lange: más interesada en las emociones y la miseria de los personajes; sus imágenes están llenas de compasión y buscan la empatía.
• Ben Shahn: empleó la fotografía cándida, disimulando su cámara y tomando fotos sin que sus protagonistas lo supieran.

Situación de la fotografía en España en 1900

A principios del siglo XX España vivió momentos difíciles y turbulentos, como la pérdida de las colonias y las tensiones políticas y sociales. Esto, unido al atraso científico, cultural y artístico heredado del siglo XIX, no favoreció el desarrollo de la fotografía.

A pesar de que durante este periodo la fotografía se hizo más fácil y barata en España, no llegó a popularizarse y permaneció cerrada a las influencias que venían de Europa.

Hasta los años 20 la fotografía española ofrecía un panorama desolador que, en vez de mejorar la situación cultural, contribuía aún más al atraso del país. A pesar de los intensos momentos históricos, la fotografía jamás llegó a reflejarlos por completo.

La vanguardia: fotografía española hasta 1936

En Cataluña, más permeable a las corrientes artísticas europeas, alrededor de los años 20 apareció un grupo de nuevos fotógrafos que comenzaron a darle a la fotografía un verdadero sentido artístico y, a la vez, intentaron hacer de ella un medio de masas apoyados en su reproductibilidad y escaso coste. Esto supuso una verdadera ruptura con el pictorialismo.

Durante los años 20 y 30 desarrollaron su trabajo rodeados por la ignorancia, la incomprensión y el desprecio de la mayoría de los fotógrafos. Serán los críticos de arte, a partir de los años 30, quienes tomarán partido a su favor, promoviendo y defendiendo esta fotografía moderna.

Ya en los años 30 la fotografía de vanguardia se asentó. Su lenguaje buscaba traspasar los límites del medio fotográfico, por lo cual fue muy importante la interdisciplinariedad. Sus recursos técnicos fueron: el fotomontaje, las dobles exposiciones, el desplazamiento del eje de simetría, los picados y contrapicados y el collage. Con ellos revolucionaron la fotografía de la época aplicándolos a diferentes medios como la publicidad, la propaganda y la ilustración.

La fotografía de vanguardia se fue abriendo de la mano de revistas como A.C., en la que destacan los fotomontajes de sus portadas, o D'Aci i d'allá, revista de arte vanguardista. También la Gaceta de Arte prestó especial atención a la fotografía.

Sus principales representantes fueron:

• Pere Català Pic: uno de los mejores teóricos; su fotografía tiene un carácter experimental y en ella usa fotogramas, fotomontajes y sobreimpresiones.
• Josep Masana: destacó por sus trabajos publicitarios.
• Josep Sala: también experimental, consiguió en sus trabajos un alto grado de abstracción.
• Josep M.ª Lladó: experimentó con el movimiento, utilizando picados y contrapicados.

Todos trabajaban de forma muy abierta, adaptados a las nuevas tendencias y a las novedades creativas. El vanguardismo español estuvo muy influenciado por el surrealismo. Salvador Dalí ejerció como teórico con "La Dadá Fotográfica" (1929) y, eventualmente, como fotógrafo. Los hermanos Mayo practicaban la fotografía surrealista desde los años 20 y también Eduardo Chicharro y Gregorio Prieto abordaron este tipo de fotografía.