Historia del Cómic, Danza, Música y Fotografía en EE.UU.

El Cómic

A finales del S. XIX, aparecen en E.E.U.U. las primeras manifestaciones de la historieta tal y como la entendemos hoy en día. Se trataba de tiras cómicas que ocupaban una parte de la página, o de viñetas únicas que cubrían todo el espacio. Es el caso de Hogan’s Alley, que retrataba la vida cotidiana de un barrio humilde de Nueva York, a través de aventuras de un grupo de niños, entre los que destaca The Yellow Kid. Otros títulos como Little Nemo in Slumberland, Krazy Kat o Popeye van a definir el lenguaje típico del cómic, experimentando con los formatos, los argumentos y el dibujo.

Cuando el cómic se convierte en una disciplina independiente de la prensa, se crea el primer formato para historietas: los comic-books, que publican tiras ya aparecidas anteriormente y material nuevo creado expresamente para ello. Estos “libros” van a gozar de un éxito inmediato y van a llevar a la industrialización masiva del cómic. Aparecerán editoras que se convertirán en los grandes clásicos del género, con personajes icónicos de la cultura pop estadounidense. Detective Comics, que acabará siendo DC Comics, es la pionera con su historieta más emblemática: Superman. Superman se esconde en su álter ego, el tímido Clark Kent, un patoso periodista del Daily Planet de la ciudad de Metrópolis –llamada así por la película de Fritz Lang–, donde también trabaja Lois Lane, la eterna novia de Superman. Sus increíbles poderes lo convierten en el ser más poderoso de la Tierra: superfuerza, supervelocidad…

Siguiendo la estela de Superman, Bob Kane y Bill Finger crean a Batman, el hombre murciélago, que en realidad es un multimillonario, Bruce Wayne, que vive obsesionado por la pérdida de sus padres a manos de un ladrón de poca monta cuando era pequeño. La fama que alcanzaron estos personajes llenó las páginas de las historietas con una cantidad de héroes disfrazados con superpoderes. Otra de las editoriales más exitosas es Timely Comics, origen de Marvel. Será con el Capitán América que este superhéroe vestía un uniforme con los colores de la bandera estadounidense y portaba un escudo que representaba la plenitud física del ser humano. Así nació el Capitán América, símbolo de la nación. El personaje fue creado explícitamente por Simon y Kirby.

En Europa, el cómic también encontró su lugar como medio de expresión. El autor fundamental es el belga Georges Prosper Remi, más conocido como Hergé, quien creó uno de los personajes más influyentes y de carácter opuesto al superhéroe estadounidense. Tintín es un adolescente periodista de carácter abierto y valiente, que recorre el mundo viviendo aventuras en compañía de su perro Milú, el gruñón capitán Haddock o el despistado profesor Tornasol. Daría comienzo a la corriente estilística conocida como línea clara, basada en la claridad del contorno de las figuras, la depuración de cualquier elemento accesorio y la inclusión de personajes caricaturescos en entornos realistas. Hasta su muerte, Hergé cultivó la aventura en su estado más puro, combinada con elementos fantásticos, un humor blanco para todos los públicos y el interés por mostrar otras culturas y documentar ambientes lejanos, como El loto azul.

Danza: Serge Lifar

Pieza clave de la historia de la danza clásica, se presenta como brillante bailarín y prolífico coreógrafo. Desarrolló su carrera al lado de los grandes, y Nijinsky aparece como su primer maestro. Diaguilev y sus Ballets Rusos protagonizaron la carrera artística de Lifar durante su estancia en París. Allí estrenó el creador ruso su primera obra, Renard, y destacó como bailarín principal. Tras la muerte de Diaguilev, ingresó en el Ballet de la Ópera de París, iniciándose así una relación que duró hasta la década de los sesenta. Director también durante unos años de los Ballets Rusos de Monte Carlo, destacó por su profunda inquietud hacia la danza y su educación, como así demuestran la creación del Instituto Coreográfico de la Ópera y de la Universidad de la Danza, y la publicación de su libro Manifeste du choréographe. Es Ícaro es su montaje más conocido e importante, estrenado con música de J.E. Szyfer y decorados de Paul Larthe, con escenografía de Picasso, de quien Lifar era gran amigo y ahijado. Influyente maestro de ballet, Serge Lifar contribuyó a la renovación de la escuela francesa.

Música: Las Big Band estadounidenses

La expresión en inglés big band hace referencia a un grupo amplio de músicos de jazz, y puede ser traducida libremente como orquesta de jazz. Las big bands aparecen como tales a finales de los 20, aunque su época de oro es el período comprendido entre 1935 y 1950. Aunque no exista un único formato de big band, habitualmente se compone de tres secciones: metales, maderas y ritmo. La sección de metales incluye al menos tres o cuatro trompetas y dos o más. La sección de maderas suele estar formada por cuatro o más saxofones que alternan con otros instrumentos como clarinete y flauta. La sección rítmica de acompañantes está compuesta por piano, guitarra, bajo y batería.

El racismo en la vida cotidiana de Estados Unidos se reflejaba en una clara política de separación entre blancos y negros en todos los ámbitos de la sociedad, así como en las big bands, especialmente en los años treinta. Las bandas blancas más famosas son las de Benny Goodman o Tommy Dorsey. La banda de Goodman llegó a ser el símbolo de la Era Swing y obtuvo un enorme éxito. La principal de las big bands negras de la época swing fue la de Duke Ellington, cuya importancia corre por todas las épocas del jazz, incluso en la actualidad, hasta el punto de que no hay una sola big band moderna, ni del jazz, que no tenga influencias de Ellington.

La Fotografía Comprometida con los Pobres

Como parte del paquete de medidas del “New Deal”, Franklin Delano Roosevelt creó la Farm Security Administration (FSA), cuya intención era ayudar a la población rural estadounidense expulsada de las granjas durante la Gran Depresión de la década de 1930. A esto se unió el fenómeno climático del “Dust Bowl”, tormentas de arena continuas, resultado de la sobreexplotación y la sequía. Los territorios del Medio Oeste se convirtieron en un lugar inhóspito, por lo que la población se vio obligada a buscar suerte en otros estados.

La FSA sirvió para mostrar al resto de la sociedad estadounidense la pobreza y las duras condiciones de vida de toda esa gente y justificar la ayuda federal. Para ello, contrataron a un grupo de fotógrafos para llegar al público. Las imágenes conseguidas por la FSA se han convertido en iconos de la Depresión de los 1930, así como de la propia vida estadounidense. Podemos decir que con estas fotografías se abre el camino para la nueva manera de combinar arte y documento social.

• Dorothea Lange - Conocida como la “fotógrafa del pueblo”, por su interpretación visual de la condición humana, sus fotos son muestra de compasión y consciencia de justicia social. Sus imágenes están llenas de emoción cruda, que posibilitan la identificación empática de quien las contempla con la persona retratada. Lange se sirve de primeros planos con miradas fuera de cámara. Se adivina el “genio creador” de la autora en muchas de sus fotografías, sobre todo en la serie de Madre Migrante, que fue tomada en un campo de recolectores de guisantes en California. La serie se sucede desde un plano general, acercándose hasta un primer plano de la madre, mientras que sus hijos esconden el rostro apoyándose en ella. Esto enfatiza la expresión de la mujer, que aúna fuerza y preocupación, en una lucha entre la supervivencia y la resignación. Muchos consideran que esta es la foto más significativa de la FSA.
• Walker Evans - Walker Evans se centra en mostrar ambientes y lugares llenos de detalles de la vida diaria. Algunas de sus mejores imágenes son entradas de tiendas, barberías, casas rurales... También trabaja el retrato, pero despojado de emotividad, por lo que podemos afirmar que la “objetividad” es un rasgo característico en la fotografía de Evans. Su importancia radica en capturar la apariencia exacta y presente de los objetos y las personas retratadas, que miran directamente al objetivo. Se identifica a Evans como un observador imparcial de la realidad que fotografía. A través de sus imágenes, Evans consigue transmitir su idea de lo estadounidense con el fin de convertirlo en icono de la identidad nacional.

La Fotografía Esteticista Europea: Cecil Beaton

La belleza dominó el universo y el horizonte de Cecil Beaton. El artista inglés, fotógrafo de la realeza y de las celebridades, además de galardonado escenógrafo, elevó este término a las esferas del arte y la moralidad, equiparando su significado con perfección, esfuerzo, bondad y autenticidad. “La belleza”, declaró Cecil Beaton, “es la palabra más importante del diccionario. Es sinónimo de perfección, esfuerzo, verdad, bondad”. El celebrado fotógrafo de moda, reportero de guerra y escenógrafo del teatro y el cine establecía un credo estético que aplicaría a su vida y a su obra. El profesor australiano Peter Conrad recuerda que Beaton convirtió en escenario o elemento artísticos la totalidad de su entorno vital. “Elegía a sus invitados por sus cualidades fotogénicas y hablaba de sus amantes como ornamentos hogareños, complementos de su preciosa decoración”, escribe Conrad. Beaton era un dandi, un profesional hecho a la medida de sus ideales estéticos. Elevó no sólo la belleza, sino también la fotografía y el diseño de decorados y vestuario a la categoría de arte. Se inspiró en la pintura y en la escultura para crear un estilo cargado de glamour y dramatismo. Con un olfato que le alertaba de las nuevas tendencias, se mantuvo en vanguardia durante sus cinco décadas de actividad creativa. Su huella aún se siente en profesionales de la cámara como David Bailey o Mario Testino. Beaton subió de escalafón social hasta penetrar en los círculos más elitistas del Reino Unido y el extranjero. Abandonó la Universidad de Cambridge sin completar su licenciatura en Historia y Arquitectura. La revista Vogue le contrató como fotógrafo, caricaturista e ilustrador, dando paso a una relación que perduraría hasta los años setenta.