Fundamentos de la Dramaturgia Clásica: Teatralidad, Catarsis y la Revolución de Lope de Vega

Fundamentos de la Experiencia Escénica

Teatralidad y Anti-Textocentrismo

La Teatralidad se define como la capacidad de crear plásticas (imágenes escénicas). Es la esencia de lo teatral: una espesura de signos y sensaciones que trascienden el texto y se revelan en la escenificación.

El público percibe ante todo con los sentidos. El objetivo primordial del hecho teatral es conmocionar desde las emociones, y no primariamente desde lo intelectual. Esto implica evitar el Textocentrismo, que es la tendencia a depositar excesiva importancia en el texto dramático por encima de la puesta en escena.

La Tragedia según la Poética de Aristóteles

Aristóteles define la tragedia como la imitación de una acción elevada que posee magnitud y está completa en sí misma. Esta acción debe estar enriquecida en el lenguaje, con adornos artísticos adecuados para las diversas partes, y debe contener incidentes que exciten piedad y temor, hasta llegar a la catarsis de estas emociones.

Elementos de la Tragedia

El tema representado es una acción, y la acción requiere actores. El orden jerárquico de los elementos es crucial:

• La acción se representa mediante la Fábula (la combinación de los incidentes acaecidos).
• El Carácter es lo que incita a adscribir ciertas cualidades morales a los personajes.
• El Pensamiento y el carácter dirigen las acciones.

Una tragedia es imposible sin acción, pero no sin carácter, ya que el carácter en un drama revela el propósito moral de los protagonistas. Se pueden imitar acciones elevadas (tragedias) y no elevadas (comedia).

Las Seis Partes de la Tragedia

Las partes constitutivas de la tragedia son:

1. Fábula (el más importante)
2. Caracteres
3. Dicción
4. Pensamiento
5. Espectáculo (debe estar en segundo término)
6. Melodía (debe estar en segundo término)

Catarsis y Fábula

El efecto catártico estaba ligado a la creencia religiosa del espectador griego. En conceptos contemporáneos, donde lo religioso se pierde, la catarsis lleva a los espectadores a tener otro tipo de experiencias, como las estéticas. La fábula debe tener una selección de sucesos que se lleven a cabo con lógica y coherencia interna.

Innovaciones Dramáticas: El Arte Nuevo de Lope de Vega

El Arte Nuevo de Hacer Comedias

En su obra Arte Nuevo de Hacer Comedias en este tiempo, Lope de Vega sistematiza los rasgos de la comedia. La comedia de capa y espada establece una serie de características que perduran hasta la dramaturgia contemporánea.

La Tragicocomedia y el Héroe

Lope establece que el aspecto cómico es compatible con lo trágico. Para que esta mezcla funcione, es necesario rebajar las dosis de ambos géneros respecto al sujeto, buscando un punto medio. Esta tragicomedia adquiere una alternancia de ritmos que capta la atención del espectador. Este hecho de la mezcla genérica supuso un cambio fundamental en la tradición dramática.

En el Siglo de Oro, el determinismo del héroe clásico cae. El sentido trágico cambia la forma del héroe. El siglo XX, con personajes cotidianos y limitados (como los del teatro del absurdo), nos deja pocos héroes y muchos antihéroes, barriendo la figura heroica tradicional.

Estructura y Convención Teatral Lopeana

En la época de Lope, la sociedad estaba volcada en el teatro, siendo el hecho teatral la principal seña de identidad y fuente de ocio. Se buscaba crear obras que fueran gustosas para “el vulgo” pero manteniendo la calidad.

Lope defiende la unidad de acción. Respecto a la estructura interna, el objetivo es que la acción transcurra en el menor tiempo posible. El poeta puede ofrecer pautas espacio-temporales para distribuir la materia dramática.

Características clave del teatro lopesco:

• El teatro comienza con acciones, no con individuos. La acción empieza primero, lo que dificulta la empatía inmediata con el personaje.
• Los conflictos deben sembrarse desde el principio y ser cerrados al final de forma breve (pura convención teatral).
• Se debe mantener la acción para el gusto del vulgo, evitando momentos en los que el personaje no hable.
• Adecuación del lenguaje a la clase social del personaje.
• Búsqueda de que el espectador se transforme en el personaje.
• Estructura en tres jornadas (planteamiento, nudo y desenlace).
• Temas centrales como la deshonra.

Cada jornada se limitaba a cuatro pliegos, basándose en la idea de que el espectador no aguantaría más, concibiendo la comedia como una proyección de la vida.