Fundamentos del Diseño Gráfico: Imagen, Tipografía e Historia

La Imagen Corporativa

La Identidad o Imagen Corporativa es el conjunto de imágenes y objetos que identifican a una empresa o institución. Se diseña para ser atractiva al público, interesar a los consumidores y facilitar la identificación de una serie de productos.

Está compuesta principalmente por varios de estos elementos:

• Logotipo: Es el elemento gráfico que identifica a una empresa o institución. Está formado por formas o imágenes muy simples y de fácil identificación.
• Marca: Es el nombre de la empresa. La marca se realiza con una tipografía determinada, sencilla y legible. Normalmente, el logotipo y la marca tienen como medida la misma altura y comparten los mismos colores.
• Color Corporativo: Son los colores que identifican a la empresa o institución. No deben ser más de 3 tonos diferentes y deben estar en consonancia con lo que se quiere vender o publicitar.

Recursos gráficos para realizar logotipos:

1. Usar la inicial de la marca.
2. Simplificar una imagen relacionada con la empresa.
3. Repetir una forma o hacer una simetría.
4. Dibujar una acción muy simple.
5. Usar la marca como logotipo.

La Revolución Industrial y los Principios del Diseño

El Diseño siempre ha estado presente en la vida de la humanidad; desde la prehistoria, el hombre ha fabricado todo aquello que le era necesario con los recursos que ha tenido a su alcance. Pero el concepto de Diseño, tal como lo entendemos hoy en día, aparece con el surgimiento de la máquina y la expansión de la producción con la Revolución Industrial en el siglo XIX.

Durante ese siglo, el concepto de Diseño y de diseñador pasó por varias etapas:

1. El movimiento “Arts and Crafts” (Artes y Oficios), creado en Inglaterra por William Morris, cuya filosofía tenía como idea principal la oposición a la producción mecanizada frente a la idea de que los artistas debían implicarse en el proceso de fabricación de los objetos.
2. El “Art Nouveau” o “Modernismo”, movimiento de finales del siglo XIX que introduce motivos naturalistas y orgánicos en el diseño, valorando la figura del artesano y un sentido artístico de la vida frente al desarrollo maquinista. Tuvo una gran influencia en la arquitectura; Antoni Gaudí es uno de sus mayores exponentes.
3. El “Funcionalismo”, movimiento que se inició al norte de Europa a finales de siglo, donde prevalecían formas más geométricas con un estilo más funcional y austero. Diseñadores importantes fueron Otto Wagner, quien definió el funcionalismo con la frase: “Solo puede ser bello lo que es práctico”, y Hermann Muthesius, quien crea la fundación “Werbund Institut”, cuya postura une los valores artesanales del trabajo manual y los del progreso social a través del uso de la máquina. Esta integración será la clave del éxito del Diseño en el siglo XX.

La Tipografía

La Tipografía estudia las formas, estilos y los usos de las letras, llamadas “tipos” en el mundo del Diseño. Es importante conocer la estructura o forma de los tipos para poder crear diseños nuevos, así como su clasificación a lo largo de la historia:

Estructura o Estilo:

• Mayúscula
• Minúscula
• Redonda
• Cursiva
• Con modulación
• Sin modulación
• Con remate
• Sin remate

Clasificación o Familia:

• Gótica
• Humanista o Romana
• De palo seco
• De escritura
• De fantasía

Recursos de diseño con tipografías:

Además, se puede usar la tipografía como recurso visual dibujando con ella, cambiándole la forma, el color, etc.

• Diseño con diferentes tipografías.
• Sustituir una letra por una imagen.
• Diseño usando la tipografía como línea o como relleno de una forma.
• Cambiar texturas y color de las letras.

El Art Nouveau y la Composición en Diseño

El Modernismo o Art Nouveau es un movimiento que surge a finales del siglo XIX, cuya característica es la introducción de motivos naturalistas y orgánicos en el diseño.

Antoni Gaudí es una de las figuras más relevantes de este movimiento, introduciendo grandes cambios en la arquitectura y el diseño de objetos. Integra en sus edificios todo tipo de trabajos artesanales: cerámica, vidrio, forja, etc.

Pero donde más influencia tuvo este estilo fue en el diseño de carteles, llenando las calles de publicidad y convirtiéndolas en “galerías de arte urbanas”. Son destacados los siguientes autores:

Autores destacados del Cartelismo Art Nouveau:

• Toulouse-Lautrec (1864-1901): Aunque era pintor impresionista, realizó numerosos carteles y elevó el estado del cartel a categoría de arte. Dibujaba carteles para promocionar espectáculos nocturnos, siendo sus encuadres lo más original de su obra.
• Alphonse Mucha (1860-1939): En sus carteles introdujo un estilo muy decorativo en el que predominaba la línea clara y pura. Fue uno de los máximos exponentes del Art Nouveau. Dibujaba sobre todo mujeres jóvenes rodeadas de flores y gran cantidad de adornos.
• Leonetto Cappiello (1875-1942): Creó imágenes simples que capturaban la atención y la imaginación del espectador de la calle. Se le considera el padre de la publicidad moderna, ya que a menudo usaba la caricatura y los fondos simples para llamar la atención.
• Ramón Casas (1866-1932): Uno de los mejores cartelistas españoles, desarrolló un lenguaje sencillo, llamativo y eficaz. Diseñó la propaganda de bebidas tan famosas como Anís del Mono o Codorniu.

El Cartel

Es un medio esencial en nuestra cultura visual. Se realiza con la unión de una imagen y un texto y ha de ser capaz de informar con rapidez y eficacia.

Tipos de carteles:

• Cartel Informativo: informa de cualquier acontecimiento.
• Cartel Cultural: informa de exposiciones o concursos oficiales.
• Cartel Comercial: promociona un producto.

Elementos del cartel:

• La imagen: Es la parte principal del cartel, debe ser llamativa y simple. Puede ser una fotografía, un dibujo o una textura (Formas básicas abstractas, formas básicas realistas, detalles ampliados).
• El texto: Es la parte informativa del cartel. Hay que elegir una tipografía acorde con el tema y que sea legible (Texto de acompañamiento, texto que se une a la imagen, el texto es el cartel).
• El color: Ayuda a comprender el mensaje del cartel. Hay que trabajarlo consiguiendo contrastes que ayuden a entenderlo (Blanco y negro, monocromático, contraste de complementarios).
• La composición: Componer es ordenar los elementos que configuran el diseño (imágenes y texto) atendiendo a los diferentes conceptos o leyes compositivas:

Leyes de Composición:

1. Equilibrio de las formas y color, para conseguir diferentes tipos de composición:
   • Composición central: crea una imagen estable y equilibrada.
   • Composición diagonal: se usa cuando queremos que el mensaje sea más dinámico, ya que crea movimiento.
   • Composición lateral: ayuda a leer los mensajes, ya que la vista se desplaza hacia donde esté la imagen.
2. Ley de composición de masas, donde simulando una balanza intentamos buscar un equilibrio entre los elementos visuales para que tengan el mismo peso visual en todo el diseño.
3. Ley de la sección áurea: es una fórmula matemática que permite dividir el diseño en partes proporcionalmente armónicas y crear puntos de atención dividiendo el espacio creativo en tercios. El espacio del diseño se divide en tercios, buscando los puntos de mayor atención, y los puntos de atención se sitúan en los tercios de las imágenes, creando composiciones armónicas y dinámicas.