Explorando la Música del Medievo al Renacimiento
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Ordenación Salmodia
Concepto Principal
Organización de cómo recitar todos los salmos en una semana dentro del Oficio Divino.
Estructura del Texto
El texto lo podemos dividir en 2 partes: una primera en donde se expone un orden para los salmos (en horas diurnas y nocturnas) y una segunda que da flexibilidad a la hora de ordenarlo, siempre y cuando se recite el salterio al completo en una semana.
Contexto Histórico y Musical
El texto lo enmarcamos entre los siglos V y VI, en plena Edad Media, antes de la unificación de los cantos atribuida a San Gregorio Magno. La salmodia, como parte del Oficio Divino, se basaba en la recitación de los salmos en modos gregorianos, distribuidos según el esquema semanal. La Regla de San Benito (480-547) marcó un hito al estructurar la vida monástica en torno a la oración y el canto, organizando las horas canónicas (Maitines, Laudes, Prima, Tercia, Sexta, Nona, Vísperas y Completas). En relación con el canto gregoriano, destaca la recitación salmódica donde el texto se entona en su mayor parte sobre una nota o cuerda de recitación (*tenor*), con algunos grupos de notas que lo introducen, cambios de altura para enfatizar los acentos del texto y grupos de notas cadenciales para terminar. Estos cantos seguían un sistema modal basado en 8 modos definidos por su nota final (re/*protus*, mi/*deuterus*, fa/*tritus* o sol/*tetrardus*) y su ámbito (*auténtico* o *plagal*). Este sistema garantizaba uniformidad en la interpretación musical y litúrgica. La Regla de San Benito fue una guía esencial en la formación de la liturgia medieval, que posteriormente influiría en la estandarización del canto gregoriano y su unificación por Carlomagno.
Reflexión Personal
Personalmente, me gusta que el texto refleja un profundo compromiso con el orden, la disciplina y la constancia, en este caso como pilares de la vida monástica. Al ser una propuesta y no una imposición da más libertad y flexibilidad a las personas, pero es admirable la organización en el tiempo de la recitación íntegra del salterio en una semana, que además exige una dedicación constante al Oficio Divino.
Organum Purum
Concepto Principal
Explicación de las normas de composición y uso de los modos rítmicos de los principales géneros de la polifonía medieval primitiva: *organum purum*, *conductus* y *motete*.
Estructura del Texto
El texto lo podemos dividir en 3 partes según la descripción, características y normas de composición de los 3 géneros: *organum purum*, *conductus* y *motete*.
Contexto Histórico y Musical
El texto se sitúa en el contexto de la polifonía medieval primitiva (siglos IX-XIV), marcando un avance clave en la música occidental. Se centra en tres géneros clave del *Ars Antiqua*: el *organum*, el *conductus* y el *motete*. El *organum purum* representa una de las primeras formas de polifonía, donde se añadía una voz superior (*organalis*), haciendo intervalos consonantes (4ª, 5ª y 8ª) a un *cantus firmus* gregoriano (*tenor*). Este género evoluciona en el siglo XII a las *cláusulas* (con dos o más voces), donde el *tenor* se convierte en bordón y la *vox organalis* (*discantus*) desarrolla melismas por encima. El *conductus*, con base en los modos rítmicos, era una composición homorrítmica y silábica con melodías originales. Introducía pasajes melismáticos llamados *cláusulas*, de las que derivan los *motetes*, con *cantus firmus* gregoriano y voces superiores (*duplum* y *triplum*) con textos nuevos, a veces en lenguas vernáculas. Su uso era extralitúrgico. Estos géneros se desarrollaron en la Escuela de Notre Dame (siglos XII y XIII) con compositores como Léonin y Pérotin. La sistematización musical, impulsada por teóricos como Walter Odington y tratados como *Ars Cantus Mensurabilis* o *Mensurabili Musica*, permitió estructurar obras con precisión y sentó las bases para el *Ars Nova* en el siglo XIV.
Reflexión Personal
Personalmente me agrada cómo los teóricos de la época buscaban sistematizar la música polifónica. Es una muestra del avance en la teoría musical durante el *Ars Antiqua*. Comparando los tres géneros, el *motete* refleja notablemente una interacción entre lo litúrgico y lo secular, aportando riqueza a la música y demostrando cómo la tradición y la innovación pueden coexistir en ella.
Maestros Léonin y Pérotin
Concepto Principal
El legado de los maestros Léonin y Pérotin de la Escuela de Notre Dame, destacando sus contribuciones al desarrollo de la polifonía medieval en los géneros *organum* y *conductus*, respectivamente.
Estructura del Texto
El texto lo podemos dividir en 2 partes: Léonin como gran compositor de *organa*, y Pérotin como gran compositor de *conductus*.
Contexto Histórico y Musical
El texto se ubica en el contexto de la Escuela de Notre Dame (siglos XII-XIII), marcando el desarrollo de la polifonía organizada. Léonin destacó como el primer gran compositor de *organa*, escribiendo un gran libro de *organa* destinado a magnificar la liturgia. Se centra en la ampliación del canto llano (*tenor*) mediante la adición de una voz superior melismática (*discantus*). Pérotin, su sucesor, perfeccionó las *cláusulas* siendo un gran compositor de *conductus*, tanto polifónicos como monofónicos. Compuso obras a cuatro voces, como *Alleluia, Posui adiutorum*, etc. La Escuela de Notre Dame impulsó la notación mensural y, como se ve en tratados como *Mensurabili Musica* de Johannes de Garlandia y *Ars Cantus Mensurabilis* de Franco de Colonia, este avance teórico marcó una transición hacia un control más riguroso de los valores rítmicos. El legado de Notre Dame consolidó un modelo para la música litúrgica y polifónica en la Europa del *Ars Antiqua*.
Reflexión Personal
El texto es muy sencillo y claro, distinguiendo las contribuciones de Léonin y Pérotin. El hecho de que sea simple y que no profundice creo que es positivo para un público general que busca comprender el contexto histórico-musical, pero para aquellos que buscamos un análisis más profundo, el texto deja mucho que desear. Por esto, el texto me parece un tanto superficial, adecuado, por ejemplo, para la introducción al tema pero no para ofrecer una comprensión completa sobre los compositores, su relevancia y la evolución de la música en la Escuela de Notre Dame.
Landini
Concepto Principal
La reacción de los pájaros al escuchar el órgano de Landini.
Estructura del Texto
El texto se divide en 3 partes. En la primera se enmarca la acción en un tiempo y espacio (día, al aire libre). En la segunda se le propone a Landini que toque el órgano para ver la reacción de los pájaros. La tercera parte corresponde a la reacción de estos, con un tono poético y descriptivo.
Contexto Histórico y Musical
El texto se ubica en el Trecento italiano (*Ars Nova*, siglo XIV), un período marcado por la crisis económica, política y social donde la música polifónica profana creció como medio de entretenimiento para las élites. Francesco Landini (1325-1397), protagonista del texto, fue el compositor principal del Trecento italiano. Fue un destacado organista y compositor del que se conservan 90 *ballate* a 2 voces, 42 a 3 voces, una *caccia* y 10 *madrigales*. Estas eran las principales formas musicales del periodo. Los *madrigales* eran canciones polifónicas de tema amoroso o pastoril, con una estructura estrófica y un *ritornello*. La *caccia* era un canon a dos voces que representa escenas de caza o mercado, presentando onomatopeyas y grandes saltos interválicos. La *ballata*, originalmente para danza y monofónica, es una composición que evoluciona a obras de 2 o 3 voces. La notación evoluciona permitiendo mayor precisión en los valores rítmicos, y se da la *Música Ficta*: la música sobreentendida por el buen intérprete (alteraciones) para embellecer la melodía. Las músicas de esta época, y del siglo anterior, se reúnen en el *Códice Squarcialupi*.
Reflexión Personal
El texto refleja la profunda conexión entre música y naturaleza en el Trecento italiano. Además, este texto resalta el virtuosismo de Landini como organista, a pesar de su ceguera. En un contexto histórico de crisis y tensiones sociales, es muy poético y fascinante cómo la música proporciona entretenimiento y un impacto emocional, incluso en la naturaleza misma, creando una atmósfera en la que incluso los pájaros parecieran rendirse a su arte. Esto refleja el carácter místico, espiritual y transformador de la música. Creo que incluso en nuestro mundo moderno, el poder de la música sigue siendo el mismo: entretenernos, sorprendernos, unirnos y conectarnos con algo más grande que nosotros mismos.
La Reforma y la Música
Concepto Principal
El texto defiende la importancia de los himnos religiosos y su rol en la promoción del Evangelio, además de la importancia de una educación musical para los jóvenes al servicio de la fe cristiana.
Estructura del Texto
El texto se divide en 2 partes: una primera de reflexión sobre el valor espiritual y teológico del canto religioso, donde Lutero acude a ejemplos bíblicos de profetas y salmos, y una segunda que propone adaptar los cantos religiosos a cuatro voces, orientada a la educación de los jóvenes, donde Lutero critica la actitud de quienes rechazan el arte en el cristianismo.
Contexto Histórico y Musical
El texto se sitúa en el contexto de la Reforma Protestante, un movimiento iniciado por Martín Lutero en 1517 que buscaba reformar las prácticas de la Iglesia Católica y hacer el culto religioso más accesible a la población. Para ello Lutero impulsó el canto congregacional en alemán con los *corales luteranos*: melodías simples derivadas de cantos gregorianos, canciones populares o nuevas composiciones monódicas que los fieles podían cantar al unísono. Estos se recopilaron en antologías y se convirtieron en la base para arreglos polifónicos y motetes religiosos. Ejemplos de Lutero son *Ein feste Burg* y *Christum wir sollen loben schon*, un himno gregoriano traducido por Lutero y armonizado por Osiander. Otros compositores destacados son Michael Praetorius, Johann Hermann Schein, Hans Leo Hassler y Leonhard Osiander. En cuanto a la educación, Lutero subraya la importancia de formar a los jóvenes en la música, no solo como una actividad artística, sino también como un medio para evitar conductas inmorales y promover valores cristianos tanto en las élites como en el pueblo.
Reflexión Personal
El texto de Lutero resalta cómo la música puede ser una herramienta efectiva no solo para la alabanza a Dios, sino también para la educación moral y espiritual de la sociedad. Personalmente, considero que Lutero acertó al comprender la importancia de la música como una fuerza transformadora en la sociedad, y su visión de la música como un medio educativo sigue siendo relevante en la actualidad. Sin embargo, también podría debatirse si esta simplicidad musical limitaba el potencial artístico de las composiciones religiosas de la Reforma.