Explorando el Arte del Renacimiento: Arquitectura, Escultura y Pintura

El Renacimiento: Arquitectura, Escultura y Pintura

Arquitectura del Quattrocento

Cambios: El arco apuntado se sustituye por el de medio punto, junto con otros elementos de la arquitectura clásica. Los edificios buscan la horizontalidad y se adaptan al hombre, aspirando a la perfección matemática.

La Iglesia

1. La planta de cruz latina, buscando el aspecto de las basílicas paleocristianas heredadas de la basílica romana.
2. La planta centralizada, reflejando perfección y simetría.

La cúpula simbolizaba la bóveda celestial y el espacio cuadrado que cubría, el mundo terrenal.

El Palacio

Se estructuraron en torno a un patio central de planta cuadrada, con cuatro crujías alrededor, cada una con dos o tres plantas. La planta baja se abría al patio con arquerías a modo de peristilo, mientras que las superiores tenían ventanas. Desaparecen los elementos defensivos, permitiendo amplias ventanas. El sentido horizontal se reforzaba con cornisas.

Escultura del Quattrocento

La producción escultórica se centró en Florencia. La recuperación de modelos clásicos supuso el desarrollo de las siguientes temáticas:

• La mitología clásica y temas profanos.
• El desnudo, que situaba al ser humano en la cumbre de la creación aplicando el ideal neoplatónico.
• Los retratos de busto.
• La estatua ecuestre monumental para gobernantes o militares.

La escultura italiana ya había mostrado su acercamiento a la estética del mundo clásico, y en el Quattrocento añadió un sentido naturalista característico de la escultura romana. La escultura perdió el carácter docente, su función era plasmar la belleza del ser humano a través del desnudo.

Pintura del Quattrocento

La pintura del Quattrocento continuó siendo de carácter religioso, pero se introdujeron con fuerza temas de la mitología clásica, que contribuyeron a desarrollar la representación del desnudo humano. Los soportes siguieron siendo la pintura sobre tabla, aunque con el tiempo se empezó a utilizar el lienzo. En las técnicas pictóricas, durante la primera mitad del siglo XV se mantuvo la pintura al temple, y en la segunda se introdujo el óleo. Para la pintura mural se siguió utilizando el fresco.

La transformación sustancial se produjo con el uso de la perspectiva lineal. Ésta revolucionó el concepto de la pintura al permitir la representación en una superficie plana de la apariencia de profundidad, es decir, tres dimensiones donde solo hay dos. Su empleo consiste en plantear en la pintura una serie de líneas de fuga que convergen en un único punto de fuga. Estas líneas forman una pirámide imaginaria que puede ser cortada en distintos planos. En esos planos, los objetos representados reducen su tamaño proporcionalmente, dando la sensación de profundidad. El descubrimiento de la perspectiva se debe a Brunelleschi y Alberti. Los pintores también hicieron importantes avances en la utilización de la luz, con la que conseguían mostrar el volumen de los objetos representados.

Botticelli muestra en su obra el dominio del dibujo y de la composición, y un estilo lírico facilitado por la esbeltez de las figuras y las posturas curvadas. Es un conocedor del mundo clásico.

Arquitectura del Cinquecento

Dos estilos:

Clasicismo

Desarrollado durante las dos primeras décadas del siglo XVI, el arte llevó a sus máximas consecuencias los principios del arte clásico. Se continuó con las ideas estéticas del Quattrocento, pero buscando ahora una mayor monumentalidad y austeridad decorativa. Se prestó atención a las plantas centralizadas.

Manierismo

En la tercera década surgió una regresión del humanismo. El artista ya no buscaba conjugar cristianismo y mundo clásico, sino que exaltaba la iconografía religiosa en detrimento de la de tipo pagano. Se desarrolló el manierismo, un nuevo arte caprichoso, imaginativo y extraño, alejado de la claridad renacentista, fuertemente pesimista y de carácter intelectual y minoritario. Se caracterizó por el empleo de motivos clásicos utilizados con un lenguaje anticlásico.

Tipologías arquitectónicas

• El templo: De planta centralizada cubierta con una cúpula, el simbolismo en la unión del cuadrado de la planta (tierra) y el círculo de la cúpula (cielo). La planta de cruz latina simbolizaba la cruz de Cristo y se adaptaba mejor al culto católico. El crucero se cubría con cúpula.
• El palacio urbano: Estructura compuesta por cuatro crujías abiertas con arquerías a un patio cuadrado, buscando la monumentalidad.
• La villa: Su precedente son las romanas, diseñadas para el control por parte del terrateniente de su explotación agraria. Se convirtieron en casas campestres para el descanso, buscando la monumentalidad.

Escultura del Cinquecento

Los escultores entraron en contacto directo con las obras clásicas. Por influencia de las esculturas de la antigüedad romana, buscaban el clasicismo y la monumentalidad. El antropocentrismo y el consecuente interés en mostrar la belleza del cuerpo llevaron a dar una gran importancia al desnudo, que se convirtió en uno de los principales temas. Según avanzó el manierismo, la escultura adquirió mayor fuerza expresiva, lo que se manifestaba en la gesticulación y en el ímpetu de los movimientos y las posturas que pretendían reflejar la potencia de las pasiones humanas. Fue muy característico el retorcimiento helicoidal. El material más utilizado fue el mármol y el bronce.

Pintura del Cinquecento

A comienzos del siglo se desarrolla un gusto clasicista. El carácter humanista y neoplatónico continuó favoreciendo la representación del desnudo, buscando la belleza ideal. A lo largo de la centuria, los escenarios dejaron de ser ambientes de perspectiva y pasaron a ser espacios que realzaban la monumentalidad de las figuras que ocupaban un primer plano. El escenario prescindía de accesorios. A partir de la tercera década se buscó mayor movimiento y fuerza expresiva hasta triunfar el manierismo en la segunda mitad del siglo. Una de las aportaciones de la época fueron los avances en el tratamiento de la luz, así como la introducción de la perspectiva aérea, en la que se simula el efecto atmosférico que la luz ejerce sobre los objetos.

Características de la pintura manierista

• La deformación de las figuras, que se estilizan y se retuercen en forma helicoidal.
• La fantasía en el uso de la luz, tratada a veces de modo irreal.
• El abandono de la claridad compositiva, introduciendo elementos anecdóticos para rellenar el espacio.
• El refinamiento de los temas y el estilo.

Pintura veneciana

Caracterizada por dar una sensación de bienestar y calidez con estos aspectos:

• Plasmaba un mundo alegre enmarcado en escenarios lujosos.
• Atmósfera luminosa y llena de color.
• Técnicas más utilizadas: la pincelada y el sfumato.
• Tipo de desnudo femenino delicado y sensual.