La Evolución del Vestuario Teatral: Historia y Significado de la Indumentaria Escénica

El Vestuario Teatral: De la Ocultación a la Representación

Por regla general, diremos que el hombre común se “disfraza” para ocultarse o transformar su persona con el fin de no ser *reconocido*. El actor, por el contrario, se viste para representar cabalmente el personaje que interpreta y hacerlo más creíble para el público asistente.

En una representación teatral, una combinación de colores mal escogidos en los trajes de los actores puede deslucir el espectáculo, así como los anacronismos entre los trajes diseñados y la época en la que se desarrolla la trama.

La Indumentaria en la Edad Antigua

Grecia

En Grecia se utilizaba el traje común pero estilizado, o con adornos más recargados. Lo básico era el Quitón o Chitón, una túnica corta que usaba el actor, aunque con mangas mucho más anchas.

Con el tiempo, el largo del chitón se extendió hasta los tobillos y se calzaron con unos zapatos de suela alta llamados coturnos. Sin embargo, este calzado era utilizado únicamente para la tragedia. En las comedias se usaban sandalias comunes o bien iban descalzos.

Sobre el chitón también podían usar el Himatión o la clámide. Máscaras y accesorios como sombreros también eran utilizados para distinguir un personaje de otro.

Roma

Durante el periodo romano, se continuó utilizando las máscaras, y los personajes eran siempre representados con la misma indumentaria, de tal manera que el público sabía de quién se trataba. Algunos ejemplos de vestuario fijo eran:

• El mensajero: Siempre vestía sombrero y abrigo.
• El soldado: Llevaba espada y una túnica corta.
• El villano: Usaba abrigo de pieles.
• El sirviente: Vestía una túnica corta.

Cuando el teatro romano decae por la vulgaridad de sus temas y desarrollo, el vestuario se vuelve mucho más vistoso y extravagante a modo de compensación.

Edad Media y Renacimiento: El Retorno a la Escena

La Edad Media y el Renacimiento retoman la actividad actoral usando el traje de diario, aunque representaban a personajes épicos o antiguos. Así, para la tragedia el vestuario era suntuoso, y para la comedia era sencillo.

El Surgimiento de la Commedia dell'Arte

Es a mediados del siglo XVII (alrededor de 1600) cuando el vestuario teatral se aleja de lo convencional y se crean trajes específicos (incluyendo máscaras) para los personajes que aparecen en lo que se conoció como la Commedia dell'Arte:

• El Capitán
• El Doctor
• Arlequín
• Pantaleón
• Pulchinela, etc.

Posteriormente, se estanca un poco la creatividad y más bien se busca adicionar al traje común algún adorno extravagante. Así, los personajes de alcurnia usaban grandes sombreros con plumas de avestruz; los emperadores y los reyes, coronas; los turcos, turbantes y grandes mantos, etc.

La Búsqueda de la Fidelidad Histórica

Es a mediados del siglo XVIII cuando se empiezan a confeccionar trajes siguiendo los patrones de cada época en la que se ambienta la obra. Figuras como Lekain, Talma y Mademoiselle Clairon aparecen con trajes que trataban de reflejar lo mejor posible los vestidos originales.

Edad Contemporánea: Vestuario como Complemento Escenográfico

En el siglo XIX aparecen nuevas tendencias y conceptos teatrales que incorporan el vestuario como un complemento de la escenografía, sobre todo en lo relacionado al color del vestuario en concordancia con el del decorado, lográndose una armonía visual que antes no se tomaba en cuenta.

Hoy en día, el vestuario teatral es un arte básicamente plástico porque emplea las técnicas plásticas de composición, armonía de color, etc., en su elaboración.