Evolución de la Pintura Moderna: De Manet y Picasso hasta la Abstracción
1. Édouard Manet
La trayectoria de la pintura moderna comienza con Édouard Manet. Aprendió el oficio entre 1850 y 1856, y su obra temprana se sitúa en la estela de Courbet. Manet encarnará el realismo, representando una visión distanciada y analítica donde lo moderno consiste en disminuir la importancia del tema. Tratará las figuras humanas como objetos de bodegón.
Napoleón III permitió la exposición en 1863 con las obras excluidas en el Salón de los Rechazados. Allí se expuso El almuerzo en la hierba, que provocó escándalo. Olympia se expuso en el Salón de 1865; era un homenaje a la Venus de Urbino de Tiziano. Era evidentemente una prostituta con una mirada de descaro intolerable. Para Manet era un simple pretexto en el cual solo importaba el tratamiento franco, la gran mancha clara contra el fondo negro. Manet la había pintado por la misma época que el almuerzo; los dos cuadros forman casi un díptico.
Lo característico de Manet era el ver por manchas. En El pífano —el cual era un resultado poderoso logrado con medios muy simples— no plantaba objeciones de este tipo y fue rechazado de todas formas por el jurado del Salón de 1866. Manet había cultivado un españolismo donde estaba influenciado por pinturas tanto de Velázquez como de Goya. En El balcón, Manet se inspira en las Majas en el balcón de Goya. Las críticas mostraban una gran inconformidad, diciendo que los personajes no tenían relación y existía una gran contradicción entre ellos. El mismo problema se plantea en El ferrocarril; se puede añadir que, como en el balcón, falta aquí toda comunicación entre las figuras.
Tanto en el almuerzo como en Olympia hay una mujer desnuda que mira directamente. En El ferrocarril, la mujer ha levantado la vista del libro y observa interrogante. Uno de los propósitos del pintor pudo haber sido combinar dos puntos de vista opuestos sobre el cuerpo femenino, para verlo por delante y por detrás a la vez. Manet ha traído el fondo hacia delante. A pesar de los fracasos, nunca abandonó su empeño de triunfar en la exposición oficial; su único gesto de rebeldía fue en 1867, cuando construyó su propia sala de exposición.
2. Paul Gauguin
En su búsqueda de lo visionario, Gauguin comenzó cultivando la pintura como aficionado y, desde 1879, participó en las exposiciones impresionistas. Buscaba un estilo menos naturalista, más simplificado y abstracto. Se instaló en Bretaña en 1886; le interesaba sobre todo pintar como un primitivo. Un cuadro de Bernard parece haber influido decisivamente en la obra de Gauguin: Visión después del sermón. En él, el color ha de ser lo más saturado posible; la pureza consiste en usar el pigmento tal como sale del tubo. Lo que le importa es la fuerza expresiva del color como material en bruto.
El Cristo amarillo representa a unas bretonas adorando un calvario; otra vez la superstición primitiva y de nuevo la disposición en semicírculo de las figuras. La relación de las mujeres con la presencia sobrenatural sería en adelante un tema constante en Gauguin. En los años ochenta se interesó por la talla primitiva y creó relieves inspirados en ella. En Enamorados y Series felices, un demonio toma de la mano a una mujer desnuda y la tienta con las palabras del título, pero ella se resiste. Aquí toma relevancia el bajorrelieve, la forma y el color en el carácter de la materia. Domina la inmovilidad, apenas perturbada por el leve giro de la cabeza; los brazos forman un monolito como una estatua egipcia.
Decidió viajar a Tahití, donde se instaló en 1891, esperando librarse del podrido Occidente y ser al fin libre. Manao tupapau es una obra en la que el pintor cuenta la anécdota de que, al volver una noche, encendió en su cabaña una bujía y su amante nativa se pensó que era un fantasma, pero el artista confiesa que pintó el cuadro seducido solo por la forma del desnudo. Este cuadro puede verse como un juego de inversiones sobre el Olympia de Manet; en el cuadro busca la belleza plástica. En Dos tahitianas, los cuerpos están dibujados con una pureza de contorno que recuerda a Ingres, mostrando como si pudiéramos acercarnos a una ceremonia de mujeres ante un ídolo, en la cual la mujer da la ofrenda tanto de la pulpa de fruta como de su cuerpo. Se trasladó a las islas Marquesas, donde pintó inetes en la playa, en los que los espíritus cuya presencia no perturba la calma idílica de las demás figuras. Esta pintura está inspirada en los frisos del Partenón.
3. Pablo Picasso
Picasso fue uno de los artistas más controvertidos y mitificados. Nació en Málaga hasta que se trasladó a La Coruña y a Barcelona. Destaca el aspecto de ambiente favorable a la pintura en el hogar; Cataluña tenía una intensa vida cultural. Picasso se trasladó a París en 1900. Los cuadros de la época reflejan un mundo sórdido y desesperanzado; este periodo es denominado azul al ser el color predominante. Se trasladó a vivir a Montmartre; su entorno mejoró y eso parece notarse en las obras de su etapa conocida como rosa.
Las señoritas de Aviñón iniciaron un camino cubista. Entre 1907 y 1914 fue donde Picasso exploró todas las posibilidades que ofrecía un lenguaje artístico. Cuando acabó la Primera Guerra Mundial, sorprendió con obras clásicas. Picasso entró en la órbita del surrealismo y puede considerarse al Guernica como la obra culminante de esa etapa.
Circunstancias personales contribuyeron a propagar la leyenda de un artista cuya eterna juventud creadora iba en paralelo con una rara vitalidad biológica. En el siglo XX estuvo inverso en un espíritu simbolista finisecular donde representó con frecuencia el amor angustiado. Se convirtió en un caso extremo de artista incomprendido, dejándose influir por el Greco. A medio camino puede situarse un cuadro como Dos desnudos; la ruptura con el espacio renacentista se insinuaba un año antes de que se iniciara su sistemática demolición.
Su matrimonio fue el regreso hacia un arte neoclásico. Simultaneó pronto esas obras tradicionales con otras radicalmente innovadoras. En los años 30 retomó la temática taurina, ya que era un símbolo de la fuerza instintiva de la naturaleza. Indignado con el fascismo, ejecutó obras militantes y aceptó pintar una obra para el pabellón de la República en el cual representó a la población vasca de Guernica. Los elementos de su iconografía anterior volvían a estar presentes, representando ahora a la libertad aniquilada por la brutalidad del franquismo. Los surrealistas contribuyeron a que conciliara sus preocupaciones estrictamente personales con la visión del mundo que tenían los intelectuales. Se comprometió políticamente con la República española; Picasso produjo obras propagandísticas como El osario o Matanza en Corea, y en las últimas décadas de su vida creó una infinidad de pinturas.
4. La Abstracción
Muchas corrientes de la vanguardia acabaron desembocando en un arte no figurativo. Esto sucedió en un breve lapso de tiempo, entre 1910 y 1917. La abstracción no obedece a un programa estético común; Kandinsky inauguró una corriente lírica, la cual nada tiene que ver con las obras de Malévich o Mondrian. En el primer desarrollo del arte abstracto contaron ciertas corrientes teosóficas y esóricas; algunos artistas creían que las formas revelaban un complejo universo espiritual. El arte no mostraba lo material de este mundo, sino que aspiraba a un ámbito más elevado.
Kandinsky descubrió la pintura abstracta por casualidad. Lo que propugnaba era una verdadera liberación de los prejuicios naturalistas, pero no el cultivo inexorable y necesario de la pintura abstracta. Al escribir su libro De lo espiritual en el arte, da sus ideas fundamentales de que el efecto físico del color suscita una vibración anímica y, a su vez, permite la asociación con otros sentidos. Estaba convencido de que el triunfo de la abstracción era inexorable.