La Evolución del Cine: Desde sus Inicios hasta los Géneros Cinematográficos

Historia de la Aparición del Cine

La aparición del cine se contextualiza en el siglo de la industrialización, cuando aparecen la máquina de vapor, el automóvil, etc. Ya existía un dispositivo de proyección, la linterna mágica, inventada por Kirscher. A finales del siglo XVIII se populariza el panorama, en una plaza se proyectaban imágenes fijas. Se proyectaban paisajes, batallas y en gran formato. Daguerre se ganaba la vida con estas producciones. En 1920 apareció la primera imagen fotográfica por Niepce. Se asoció con Daguerre y consiguieron rebajar la exposición de la fotografía de 14 horas a 30 minutos. Más adelante, se redujo a 10 minutos. A partir de 1850, la exposición se redujo de 10 minutos a menos de 1 segundo. Aparece el colodión húmedo para revelar las fotografías. En 1880, la gelatina de bromuro de plata permitió una exposición más breve de una centésima de segundo. Unos años después, Kodak desarrolló la primera película fotográfica. Fue la base para el Kinetoscopio de Edison. El primer producto inventado por Edison fue el Kinetoscopio. En 1895 se logró proyectar en EE.UU. las primeras imágenes del Kinetoscopio, justo en la fecha en la que los hermanos Lumière iban a proyectar las primeras imágenes cinematográficas (la llegada del tren a la estación). Los primeros géneros cinematográficos estaban muy evocados a mostrar la realidad que ocurría. Al mismo tiempo de esto, en Europa, Edison había desarrollado una manera de proyectar las imágenes del Kinetoscopio, un nuevo dispositivo llamado Vitascopio. El Vitascopio se orientó hacia la espectacularidad, como combates de boxeo, peleas de gallos o el erotismo.

Dos autores hablan de una serie de características que integran el cine en el contexto cultural de la época y que hicieron que tuviese ese éxito cultural. Son 6 características:

• El cine aparece relacionado con el desarrollo de la vida urbana y esa vida permite el desarrollo de nuevos espectáculos, nuevas formas de entretenimiento.
• El cine tiene como objeto central el cuerpo humano, que es el centro de visión de las películas.
• Se reconoce en el cine un tipo de público masificado; esto es, es más importante la colectividad que el individuo.
• El cine tiene un impulso a fijar, definir y representar momentos aislados de diversión o atracción.
• El cine comienza a proponer una progresiva indefinición de los límites de la realidad y sus representaciones.
• El cine se inserta en la aparición de una cultura comercial y un deseo de consumir que potencia nuevas formas de diversión.

Modo de Representación Primitivo – N. Burch (Película Méliès)

1. Autarquía en el encuadre.
2. No continuidad del montaje.
3. No clausura.

Escuela de Brighton: ya se utilizaba el montaje con cierto matiz narrativo, con cierta coherencia. Utilizaban grandes acercamientos de cámara con una finalidad gramática. Había películas cortas de persecuciones, y ese montaje entre perseguido y perseguidor se usaba con fines humorísticos. La persecución se repitió en las películas cómicas de la época.

Pathé se dedicaba a distribuir fonógrafos y vio en el cine una posibilidad de ampliar su negocio. Contaba las mismas historias que ya se contaban porque copiaba todas las películas de éxito de la época. Fue un gran industrial que incluso Méliès terminó trabajando para él. Empezó a hacer películas, dramas reales basados en la realidad, por ejemplo, el alcoholismo, la historia de un crimen, huelga, etc. Se trataba de mostrar la realidad. Exportaba sus películas por Francia y parte del mundo. En esta época, 1908, los espectáculos populares estaban bien diferenciados de los de la burguesía. Los culturales eran los espectáculos burgueses. Después de copiar películas e historias, había agotado el modelo de Pathé que empezó en 1900, mínimo coste, máximo rendimiento. Esas necesidades se unieron y Pathé, junto con financieros de la época, fundaron la Film d'Art. Se le quería dar un toque artístico a estas películas, por lo tanto, contrató a grandes artistas como escritores, dramaturgos, etc. Se contrataron actores profesionales y con renombre internacional del teatro burgués. Estas películas, destinadas a un público culto, eran grandes producciones y se gastaban mucho dinero en decorados, atrezzo, etc. Fundamentalmente contaban un tipo de historias que se basaban en obras literarias, tanto novelas como dramas y adaptaciones de obras teatrales. Se contaban acontecimientos históricos reales. La primera película de Film d'Art fue en 1908, que se llamó El Asesinato del Duque de Guise. Fue un gran acontecimiento en la época porque no solo se proyectó esa película, sino que se acompañó de pantomima, recitación de un poema y de un ballet. En Italia, las adaptaciones que se hacían eran sobre todo de mitos clásicos grecolatinos y adaptaciones de obras de Shakespeare. En Noruega y países nórdicos, el tipo de film d'Art que se hacía fueron dramas basados a veces en su tradición literaria. Las historias sobre la Roma clásica son destacables porque influyeron en el tipo de cine posterior. Los dramas nórdicos dieron lugar a lo que se llamó el estilo internacional. Las grandes producciones que poco después, antes de los años 20, se hicieron en Hollywood, tenían como referencia las grandes producciones del film d'Art y del cine italiano. Se habla de “colosal italiano”, películas de romanos. En Alemania, el cine tuvo su particularidad, pero sobre todo se hacían historias originales con argumentos originales, sin adaptaciones realizadas por artistas de prestigio de la época. Se llamó Autoren Film.

Los principios básicos del film eran:

• Era verdadero arte destinado a un público burgués.
• Los actores eran profesionales que luego se establecerían en Hollywood el star system.
• Eran superproducciones; había que invertir en decorados, grandes espacios para conseguir un producto que diese una rentabilidad.
• Los cánones del género dramático y el desarrollo del drama, la forma de hacer cine se fue instaurando por ese estilo.
• Estos films eran largometrajes. El canon de duración se estableció de 1.30h a 2h.
• Hubo un trasvase de directores, actores y técnicos europeos hacia EE.UU. Esto fue de 1908 a 1915.

El film d'Art, tal y como se estableció, duró poco por muchos factores, pero principalmente porque eran películas con poco dinamismo que no conectaban con el público de la época. Estas características sí quedaron en el cine posterior. Todavía no estaba plenamente en el modelo de representación institucional.

A partir de 1910, el modo de representación primitivo se fue transformando en modo de representación institucional. A partir de aquí, el cine que ya estaba representado como arte, las vanguardias empezaron a interesarse por ese medio. El modo de representación institucional se empezó a imponer a partir de los últimos trabajos de Griffith.

Los Géneros Cinematográficos

El género tiene una peculiaridad que es que establece un pacto de verosimilitud particular en el espectador de ese género, que es lo que Omon llamó Efecto Género. El género cinematográfico proviene del género literario, es heredero de esos estudios de los géneros literarios. A partir de unos 40 años, se abordó de una manera científica el estudio de los géneros cinematográficos más allá del grupo de categoría. En la teoría de los géneros hay cierta ambigüedad por parte de los teóricos a la hora de atribuir un género a determinada película. A la hora de estudiar las películas a lo largo de la historia de la literatura y de la historia del cine, ha habido dos posturas teóricas:

1. Primera teoría clásica y aristotélica: es una concepción poética de los géneros. Cuando el espectador va a ver una comedia, desde esta teoría es porque sabe lo que va a ver. Propone un modelo de referencia, cómo construir relatos.
2. Segunda teoría moderna: se aborda el género como un modo de concebir la realidad; los géneros plantean una visión del mundo. Es también un modelo ideológico lo que se ve y se estudia desde esta teoría moderna; cada género plantea una serie de valores, ese mundo funciona con unas reglas determinadas. Se ofrece como paradigma. Ejemplo: la diligencia.

Desde estas dos teorías se mantiene que los géneros tienen un valor de utilidad práctica, no solo para el autor concreto de determinado relato que sabe cómo se construyen las comedias, los thrillers, etc. También es utilidad práctica para el espectador, ya que a la hora de exponerse ante un relato sabe lo que va a ver y espera determinado modo de mostrar la historia, lo que hace más legible el texto cinematográfico, ya que el espectador en principio conoce las claves del género y puede percibir lo que va a suceder. Esto instala al espectador en el verosímil propio del género y establece determinadas acciones como verosímiles.

Podríamos lanzar una primera definición de género que no es la completa, desde una perspectiva poética: los géneros son mecanismos o categorías que facilitan la producción y lectura de las obras, puesto que el autor conoce y codifica determinadas formas creativas y el lector ve cómo facilita su elección al conocer la categoría a la que pertenece la obra.

Hay una cosa que prima sobre todos los elementos en el género cinematográfico y es su aspecto industrial y mercantil. La industria, cuando presenta las películas, las presenta dentro del género, en sus notas de prensa, en los carteles, etc. Una película de terror, aventuras, etc., la establece dentro de una categoría. Eso a veces influye más que otro tipo de cuestiones relacionadas con la poética. La relación que establecen las películas de géneros con sus espectadores se articula de diferentes maneras, por ejemplo:

• De manera ideológica: articulando imaginario colectivo, que es aceptado socialmente; por ejemplo, si se plantea un mundo de violencia, eso se ve como normal a la hora de ver esos relatos cinematográficos.
• De manera comunicativa: articulando reglas, códigos que el espectador conoce de antemano, facilitando la comunicación. Una película de género es más fácil de ver que una película de autor.

Estas relaciones también se articulan con cierta censura porque los códigos de género restringen las posibilidades creativas y narrativas, y esto de por sí no es del todo negativo, ya que de algún modo lo que hacen los géneros en muchos autores es invitarlos a la transgresión. Si esta transgresión tiene éxito, se codifica y es asumida con una homología más.

Definición de Género Cinematográfico según Rich Altman: se puede definir de cuatro formas:

• El género cinematográfico se entiende como un esquema básico o fórmula que precede, programa y configura la producción de la industria. Es decir, el género cinematográfico es un modelo industrial.
• El género cinematográfico es también una estructura o entramado formal sobre el que se construyen las películas. Es decir, es un modelo dramático, una manera de construir relatos.
• El género cinematográfico es una etiqueta, un nombre de una categoría fundamental para las decisiones y comunicados de distribuidores y exhibidores. Identifica géneros a la película en una categoría y facilita la comercialización. También instala al espectador en un código.
• El género cinematográfico es también un contrato o pacto entre el texto y el espectador, una posición que toda película de género exige a su público, modelo de referencia.

Atendiendo a esta cuádruple definición, se establece una serie de funciones del género cinematográfico en su relación con los autores y espectadores:

• Función cognitiva: los géneros ayudan a la identificación de los relatos cinematográficos y actúan como sistema de reconocimiento.
• Función taxonómica: los géneros permiten distinguir y clasificar los relatos, estableciendo corpus de géneros para su estudio.
• Función poética: los géneros contribuyen a la creación narrativa proporcionando referencias acerca de los elementos tipos del contenido de la historia y del discurso.
• Función sistémica: las regularidades del propio género hacen predecir el sistema, facilitando la creación y la producción. Predice las regularidades.
• Función hermenéutica: los géneros facilitan la interpretación, haciendo más legibles los textos cinematográficos en la medida en que son validadas las expectativas que tiene el espectador de ese género.
• Función estética: los géneros permiten establecer una verosimilitud propia de cada género particular, estableciéndose lo que Amon llamó efecto género, que actúa de relato a relato, a lo largo del tiempo, históricamente.

Con respecto al género, históricamente se tienen en cuenta una serie de consideraciones:

• Es la industria cinematográfica la que define a los géneros que posteriormente reconocen los espectadores. A partir de aquí, los investigadores investigan las películas en clave de género.
• Los géneros tienen identidades y fronteras precisas. Normalmente se seleccionan para su estudio relatos cinematográficos concretos.
• La mayoría de los autores entienden que los géneros siguen una evolución predecible a lo largo de la historia. Se entiende que son evolutivos, pero también conservadores y acumulativos. Esto es, se entiende que los géneros pueden cambiar según la sociedad donde se construyen esos relatos. Si tiene éxito, empieza a formar parte del género.

El género es predecible porque se investiga bajo el siguiente esquema evolutivo:

• Iniciación: se habla de que todo género tiene un período de iniciación. Siempre hay una primera película de un género concreto, ejemplo: los pistoleros, que posteriormente va evolucionando en distintos relatos.
• Maduración: luego vendría el período de maduración. En el código de maduración, los códigos ya son asimilados y aceptados por los espectadores.
• Clasicismo: el género está totalmente consolidado. Los códigos son completamente compartidos. En el cine negro podría decirse que es en los años 40.
• Decadencia: en algunos casos, el género puede morir o en otros casos se instala en el siguiente período; el período de decadencia se pasaría al período paródico o manierista.
• Nostalgia: hay una especie de reivindicación del género. Es lo que pasó en los años 60 con el cine de Hitchcock y el suspense.

Los géneros insertan al relato cinematográfico en lo verosímil a través del efecto género. El efecto género es la verosimilitud compartida y originada en un corpus concreto de película. Lo verosímil consiste en una serie de reglas que afectan a las acciones de los personajes en función de máximas a las que pueden ser asimiladas. Las máximas son modelos prefijados que, bajo la forma de imperativos categóricos, expresan el sentir de la opinión pública. Lo verosímil establece una serie de reglas que son reconocidas por los espectadores, reglas no escritas sino implícitas en el código, en la manera de contar la historia. Lo que el espectador no puede prever resultará inverosímil. En los relatos cinematográficos, lo verosímil depende de las máximas, que están compartidas con el mundo real. En muchos relatos, sobre todo de género, lo verosímil no solo depende de las máximas, lo real, sino que depende también de otros relatos del mismo género. Cada género también construye su propio verosímil que funciona solo en ese mismo género. Son aquellas acciones que se repiten dentro de ese corpus genérico. En las películas de género, los contenidos se deciden en mayor grado por la relación con otras películas del mismo género.