La Evolución del Arte en el Siglo XVI: De la Maestría Veneciana al Manierismo Europeo

La Primacía del Color en la Pintura Veneciana

Los policromos mosaicos bizantinos también ejercieron una influencia significativa. Los pintores venecianos no consideraban al color como un aditivo del cuadro una vez dibujado, a diferencia de los florentinos. La aproximación veneciana se centró en la integración total de los elementos:

“Giorgione no dibujó aisladamente las cosas y los personajes para distribuirlos después en el espacio, sino que consideró a la Naturaleza, la tierra, los árboles, la luz, el aire, las nubes y los seres humanos con sus puentes y ciudades como un conjunto....A partir de ahora, la pintura fue algo más que dibujo y color. Fue un arte con sus leyes ocultas y sus recursos propios”.

Tiziano retoma este concepto, un genio que iguala en el color la maestría de Miguel Ángel con el dibujo. Restablece la unidad compositiva, rota por la falta de uso de las reglas de la composición, a través del color. Correggio experimenta aún más que Tiziano la capacidad que tienen la luz y el color para contrapesar formas y conducir la mirada. Además, responde al carácter simbólico de la luz. Este dominio de la luz y el color le permitió elaborar la decoración de cúpulas con un efecto etéreo.

3. Alemania y los Países Bajos en la Primera Mitad del Siglo XVI: La Difusión del Nuevo Saber

Los artistas del norte de Europa se interesaron por los logros de sus coetáneos italianos. Hubo tres conceptos fundamentales que asumieron:

1. La perspectiva matemática.
2. La anatomía científica.
3. La exhumación de las formas clásicas en arquitectura.

La síntesis fue complicada en arquitectura, ya que el sistema gótico y el renacer de las formas clásicas, aunque lógicos y coherentes, eran distintos entre sí. Pintores y escultores sí asimilaron el nuevo paradigma. Ejemplificaremos este proceso en el más grande artista alemán, Alberto Durero.

Alberto Durero: Dibujo y Proporción

Durero siempre tuvo facilidad para el dibujo y aprendió los principios técnicos de los pintores italianos. Estos estudios le supusieron un entrenamiento en la representación de lo minucioso que luego plasmaría en sus grabados. Con respecto a la representación del cuerpo humano, Durero descubrió que la “mera imitación de naturaleza visible... nunca sería bastante para producir la inaprensible calidad de belleza” del arte italiano. Durero empleó como guía en su estudio del cuerpo humano los textos clásicos que hablan sobre las proporciones del mismo.

Matías Grünewald: El Sermón Gráfico

Otro artista alemán significativo es Matías Grünewald, de biografía desconocida. Sus obras son retablos tradicionales, destacando el de Isenheim, continuador del arte gótico y conocedor de los descubrimientos italianos. La finalidad de su arte es la de “proporcionar un sermón gráfico”. Las figuras de diferente tamaño reflejan la máxima bíblica: “Es preciso que Él crezca y yo mengüe”. Desprecia la representación de la belleza y adopta los principios de los primitivos medievales.

Otros Artistas del Norte

Reseñamos a un tercer artista alemán, Lucas Cranach, que asume los logros de los italianos. En los Países Bajos en la primera mitad del siglo XVI destacamos a varios pintores, como Jan Gossaert (Mabuse). Hyeronimus Bosch (El Bosco) utiliza los métodos que permiten una representación veraz de la naturaleza para mostrarnos lo irreal.

4. Europa en la Segunda Mitad del Siglo XVI: La Crisis del Arte y el Manierismo

En la primera mitad del siglo XVI se creía haber alcanzado la culminación de la pintura occidental. Los años siguientes se denominan Manierismo porque lo que se practica es una imitación formal, un intento de superar a los maestros de la generación anterior. Se tomaron varios caminos, como pintar cuadros de significado críptico o de ejecución que no fuera clara, sencilla y armoniosa. Se abrió así una renovada experimentación en el arte que posibilitó la heterodoxia en la composición o en el colorido.

Arquitectura y Escultura Manierista

Andrea Palladio, sin embargo, lo que pretendía era sobrepasar a los clásicos, utilizando la planta central (como el Panteón romano) y fachadas a la manera de templo griego. Una bella combinación, pero poco funcional. Benvenuto Cellini, escultor y orfebre florentino, se nos muestra como otro intento de superar a los maestros de la generación anterior.

Parmigianino y la Búsqueda de la Belleza Alternativa

Ahondamos en esta intencionalidad con la obra de Parmigianino (hacia 1532-40), caracterizada por deformadas proporciones anatómicas y composición desequilibrada. Hay método en esta concepción: el artista quiso ser heterodoxo. Quiso demostrar que la solución clásica de la armonía perfecta no es la única posible y que hay otros 6 medios de conseguir la belleza.