Estudio Profundo de los Sonetos de Shakespeare: Temas, Estructura y Recursos Literarios

Estudio Profundo de los Sonetos de William Shakespeare

Este documento explora la estructura, los temas y los recursos literarios empleados en una selección de los célebres sonetos de William Shakespeare.

Soneto 12: El Decaimiento Inexorable del Tiempo

En este soneto, los tres primeros cuartetos desarrollan el argumento de la desesperación, y el pareado final (couplet) ofrece la resolución, indicando que no hay esperanza contra esta desesperación.

Desarrollo Temático y Estructural

• Las líneas 1 a 8 se refieren a la descomposición del medio ambiente y están conectadas por la aliteración.
• Las líneas 9 a 14 se centran en la descomposición de la persona amada.
• Este soneto representa la primera vez en que el narrador habla en primera persona, ya que predomina el pronombre "yo".
• Aparecen dos modelos de tiempo: uno de decaimiento gradual y otro sobre una figura agresiva del tiempo (la guadaña).
• Las primeras 12 líneas del poema se asocian con la muerte inocente derivada del decaimiento temporal.

Es uno de los sonetos de la secuencia del "fair youth" (joven hermoso) centrados en la procreación. Aborda directamente al joven después de contemplar cómo el paso del tiempo se ejemplifica en la naturaleza. Aunque la mayor parte del poema lamenta los efectos inevitables del tiempo, el pareado final sirve como una fuente de esperanza en un soneto por lo demás melancólico y resignado.

Imágenes de la Mortalidad y la Solución Propuesta

El poeta pasa por una serie de imágenes de la mortalidad, como un reloj, una flor marchita, el otoño... En la tercera estrofa, el poeta admite que el joven al que se dirige el poema debe luchar contra el paso del tiempo, y para ello lo que propone es la cría y hacer una copia de sí mismo.

El soneto es una frase larga, lo que subraya el paso del tiempo. Aparecen contrastes que muestran el poder del tiempo, como las palabras "noble" y "estéril" para describir los árboles, en alusión al poder del tiempo a través de toda la naturaleza. Este soneto muestra el poder mortal del tiempo, lo cual se evidencia mediante el uso de palabras descriptivas.

Una de las principales imageries es que para desafiar al tiempo hay que crear nuevas virtudes y bellezas. Esto se muestra en las dos últimas líneas del soneto. La mayor parte de las imágenes cambian de tener una identidad viva a tener otra macabra. La palabra "belleza" se refiere al exterior y "dulce" se refiere a las virtudes internas, pero ambas se pierden con el paso del tiempo. Las imageries utilizadas en el poema incluyen la muerte dentro del ciclo de la vida, y algunas están unidas intrínsecamente a ella.

Soneto 18: La Inmortalidad a Través del Verso

Estructura y Comparación Inicial

En el primer cuarteto, el speaker se pregunta si debería comparar a su amado con un día de verano. Se responde a sí mismo que él es más agradable y templado (en el sentido de referirse a su humor, ya que en esa época la temperatura corporal se comparaba con el estado de humor de una persona). Dice que el verano es intenso, pero siempre acaba, aunque los años siguientes vuelve otra vez, por lo que habrá veranos infinitos.

En el segundo cuarteto, afirma que el sol (el "eye of heaven") brilla al igual que su rostro (complexion), pero que todo lo bello eventualmente se desvanece y pierde su encanto cuando acaba el verano por causas naturales e imprevistas.

El Giro hacia la Eternidad

En el tercer cuarteto, el speaker hace un cambio diciendo que su beloved jamás perderá su eterno verano (sus años y juventud), además de su hermosura. La muerte jamás podrá venir a buscarle porque él seguirá vivo en los versos de este poema.

En el couplet, el speaker concluye que la belleza de su amado no se perderá si se sigue conservando este poema. Y durará para siempre mientras que la gente siga viviendo para poder contemplar este poema.

Aspectos Formales y Temáticos

Este es un soneto shakesperiano clásico con catorce líneas en pentámetro yámbico muy regular:

Estructura de Rima: ABAB CDCD EFEF GG

• Personificaciones: En casi todo el poema, en todas las líneas en las que está comparando a su beloved con el verano.
• Metáfora: "eye of the heaven", se refiere al sol.
• Pregunta Retórica: La primera pregunta (no importa la respuesta).

El tema principal es el amor y la belleza eternos en comparación con la naturaleza. Mientras la naturaleza se desvanece a medida que pasan los años, la belleza y el amor de su beloved perduran eternamente a causa de la creación de este poema. Aquí Shakespeare pasa de criticar el verano a describir la inmortalidad de su amado.

Detalles Estilísticos Línea por Línea

• Línea 1: Es una pregunta retórica, ya que al orador no le importa si respondemos o no, e introduce la metáfora principal del poema, donde el día de verano se discutirá con conceptos más aplicables al amado que al verano mismo.
• Línea 2: "Temperate" (templado) es un juego de palabras, ya que conlleva dos significados importantes: moderación o autocontrol cuando se aplica al amado, y temperaturas suaves cuando se aplica al día de verano.
• Líneas 3-4: Hay personificación. Los vientos no pueden "sacudir" cosas literalmente, y los capullos no pueden ser descritos como "queridos" (darling). El verano no puede tomar un "arrendamiento" literalmente, lo que implica una metáfora del clima como propiedad alquilable. Los "darling buds" introducen una metáfora extendida de la vida vegetal.
• Líneas 5-6: Existe una oposición aparente: el clima a veces es demasiado caluroso y a veces demasiado frío. Hay personificación con "eye" (ojo) y "complexion" (tez). "Complexion" no solo significa la apariencia del rostro, sino también el bienestar interno general en la época de Shakespeare. La metáfora de la vida vegetal continúa en "shines" y "dimm’d", ya que las plantas necesitan luz para prosperar.
• Línea 9: La personificación se invierte: el orador describe al amado en términos naturales, dándole un "verano eterno" que no podría aplicarse literalmente.
• Línea 11: "Shade" (sombra) continúa la metáfora vegetal (estar en la sombra es malo para una planta), y también es un juego de palabras, ya que puede significar "fantasma".
• Línea 12: La metáfora vegetal se completa: el orador señala que las plantas pueden "crecer" si son organizadas y cultivadas por humanos (las "lines to time" podrían sugerir plantas alineadas en una granja). Esto se relaciona con el tema principal: el amado necesita ser organizado y desarrollado por el poeta para sobrevivir.

El orador del Soneto 18 está absolutamente fijado en el destino y la mortalidad, pero cree haber encontrado una máquina del tiempo efectiva: la poesía. En lugar de contemplar un hermoso día de verano, el orador no deja de pensar en lo efímero de la vida. Sin embargo, el poeta se presenta como un héroe que anuncia que, al representar artísticamente a su amado, puede salvarlo de los estragos del tiempo. Por lo tanto, "Tiempo" es la intersección entre los temas de "Literatura y Escritura" y "El Hombre y el Mundo Natural". El hombre en el mundo natural no puede evitar estar sujeto al tiempo, pero es a través de la literatura que puede liberarse.

A un nivel, el Soneto 18 se ocupa de la relación entre el hombre y la muerte inevitable en la naturaleza. A otro nivel, el poeta también parece fascinado por la relación entre el clima estacional y el "clima" interno y el equilibrio personal.

Al leer este poema en voz alta, lo que más llama la atención es su pulcritud y perfección formal. Cada línea avanza en un pentámetro yámbico perfecto, sin enjambment (líneas que continúan sin pausa). El sonido del poema es perfecto, lo cual es elegante, pero también funciona con los temas dominantes: el poema es demasiado perfecto. Si el orador estuviera verdaderamente absorto en el amor, sus palabras podrían sonar torpes al intentar organizar pensamientos emocionales intensos. En cambio, el poema suena meticulosamente elaborado y planeado. El orador ha "bloqueado" al lector en su forma de leer el poema, sugiriendo que el poeta es más un estratega que un amante.

Soneto 20: Ambigüedad de Género y Deseo

Estructura Cuarteto por Cuarteto

• Versos 1-4: Se puede adivinar que Shakespeare está claramente enamorado del joven.
• Versos 5-8: Shakespeare parece estar bajo el control de esta persona, o al menos le está proclamando estos atributos.
• Versos 9-14: Parecen sugerir que desea al joven y quiere estar con él más que de una manera platónica.
• Versos 13-14: El autor admite su amor por el joven, pero acepta que no puede cumplir su deseo más allá de forma platónica. Expresa que quizás no puede tenerle como amante, pero será quien verdaderamente le ama.

Naturaleza del Amor y Ambigüedad

Este poema se refiere a su amor con un hombre joven. Tanto si se trata de una naturaleza sexual o platónica es cuestión del lector elegir. Cada hombre y cada mujer puede apreciar la belleza de alguien de su mismo sexo sin que esto implique tendencias homosexuales, aunque tampoco descarta la posibilidad.

Interpretación Crítica

El Soneto 20 es uno de los más interesantes por sus diversas perspectivas sobre los misterios perpetuos de los sonetos, incluida la verdadera identidad del "fair lord" y la naturaleza exacta del amor que el poeta expresa por él. El soneto está plagado de juegos de palabras y ambigüedad, el campo de batalla perfecto para la interpretación académica.

El primer cuarteto describe al joven como femenino: con "un rostro de mujer", "un corazón gentil de mujer", etc. La apelación "master-mistress" puede interpretarse literalmente (el joven es amo y amante) o figurativamente, como andrógino (el joven es masculino y femenino, o quizás ninguno).

Parece que el narrador justifica su propia atracción hacia el joven. Los eruditos están divididos, pero la visión predominante es que, aunque la atracción está presente, no implica necesariamente que sea sexual. En las líneas 11-12, el poeta lamenta explícitamente que el joven fuera creado como hombre, pero al mismo tiempo niega interés en sus genitales: "And by addition me of thee defeated / By adding one thing to my purpose nothing". Esa "cosa" es presumiblemente el pene del joven, siguiendo el juego de palabras común de Shakespeare.

En el pareado final, el poeta concede que el amor del joven puede pertenecerle a él, mientras que el uso de su amor (el acto sexual) queda para las damas. Nótese el juego de palabras con "prick" en la línea 13: como verbo puede significar "elegir", mientras que como sustantivo es un término vulgar para "pene". Además, el Soneto 20 es el único de Shakespeare que utiliza rima exclusivamente femenina, quizás un intento deliberado de feminizar aún más al joven.

Algunos eruditos sostienen que el poeta cifró intencionalmente el nombre real del joven en las líneas del soneto 20 (mencionando las letras HEWS o variaciones). Aunque esta interpretación es altamente especulativa y debe permanecer inconclusa sin evidencia histórica corroborativa, invita a la reflexión.

Soneto 29: De la Desgracia a la Alegría Renovada

En este soneto, el hablante se siente abrumado por sus sentimientos de odio a sí mismo, y un solo pensamiento, el recuerdo de su amada, le recuerda lo afortunado que es realmente.

Frustración y Depresión Inicial

Estilísticamente, este soneto es similar al resto de su colección. Las primeras ocho líneas muestran la frustración del poeta con su oficio y su estado emocional de depresión.

• En la primera línea, se asume como "fallen on hard fortune", es decir, ha tenido mala suerte.
• También se siente en desgracia ante "men's eyes", lo que implica que el público en general lo ve desfavorablemente. Esto se refuerza en la línea 2, cuando se lamenta de su "state like to a wretch" (estado de paria). Aquí, "estado" se refiere a un estado del ser, y en este caso, a ser expulsado de la sociedad.

Alusiones Bíblicas y Envidia

Las líneas 3-4 hacen alusión a Job del Antiguo Testamento, quien fue arrojado sobre un montón de estiércol y llamó a un Dios que no le escuchó. El poeta se encuentra en una situación similar: el cielo personificado es Dios, y en este caso es "sordo", haciendo inútiles los gritos del poeta. La idea de maldecir el destino de uno también recuerda a Job, quien maldijo su propio nacimiento.

El orador envidia lo que otros tienen, y en las líneas 5-9 ve que casi todo el mundo posee algo que a él le falta:

• Desea ser como "more rich in hope" (más rico en esperanzas).
• Desea ser "counted a man more fair" (considerado más apuesto).
• Desea estar "possessed of many friends" (tener muchos amigos), o ser popular, a diferencia del poeta (como se estableció en las dos primeras líneas).
• En la línea 7, envidia el talento artístico de un hombre y las oportunidades que ofrece a otra persona.

El Vuelo de la Alondra y la Redención

El símil de una alondra se desarrolla en las líneas 10-12, cuando el hablante describe el efecto que un pensamiento de su amor tiene en su "estado", o bienestar emocional. El hecho de que la alondra se eleva de la "dull and earth" (tierra hosca) al "break of day" (alba) implica que el día es mucho más feliz que la noche; los días de descanso se comparan con el amanecer de un pensamiento del ser amado. Como la alondra, que "sings hymns at heaven's gate", así el alma del poeta se vigoriza con el pensamiento del fair lord, y parece cantar al cielo con esperanza renovada.

El pareado final del Soneto 29 declara que esta alegría provocada por un pensamiento del fair lord es suficiente para convencer al orador de que está en mejor situación que la realeza. Aquí, "State" es un juego de palabras: lleva el significado de bienestar emocional, como lo hizo anteriormente en el poema, y sugiere que el amor del señor hace que el orador sea más feliz que con todas las riquezas de un rey. Pero también se refiere a una nación o un reino.

Soneto 60: El Flujo Constante del Tiempo

Metáforas del Tiempo

El tema principal es la visión de la naturaleza del tiempo cuando va pasando y de cómo actúa en la vida de los seres humanos.

• Primer Cuarteto: El speaker dice que los minutos se reemplazan los unos a los otros como las olas en la "pebbled shore" (orilla de guijarros), donde cada minuto ocupa el lugar del otro en una secuencia regular. Metáfora: La de la marea; "sequent toil" como que las olas del mar son los minutos que siguen hacia adelante y se sustituyen el uno al otro en la playa, al igual que en el tiempo.
• Segundo Cuarteto: Cuenta la historia de una vida humana en el tiempo comparándola con el sol: desde el nacimiento ("Nativity"), que se eleva sobre el océano ("the main of light"), luego se arrastra hacia arriba, hacia el mediodía (la "crown" de la madurez), y luego de repente se deshace por "crooked eclipses", que combaten y confunden la gloria del sol.
• Tercera Estrofa: El tiempo es representado como un monstruo devastador, que detiene el florecer juvenil y comienza a empeorar a medida que el tiempo pasa, cava arrugas en la frente de la belleza, engulle bellezas de la naturaleza, y siega con guadaña todo lo que se encuentra firme. La antítesis en las líneas 9 a 12 es entre el poeta envejecido y la buena apariencia del joven.

Cada cuarteto presenta una descripción metafórica del paso del tiempo en la vida humana, mientras que el couplet ofrece un giro a los temas anteriores del poema.

Pareado Final: El autor se dice que sus versos jamás se interpondrán en el paso del tiempo que vaya viniendo, y continuará alabando el "worth" (valor) de su amada pese a la "cruel hand" (mano cruel) del tiempo.

Estructura de Rima: ABAB CDCD EFEF GG

Recursos: Imagery extrasensorial (sensación).

Soneto 116: La Definición del Amor Verdadero

La Inmutabilidad del Amor

El tema principal es el tratamiento del amor. El amor es algo irrevocable, que sobrevive al tiempo y a todos los obstáculos de la vida. Y si alguien no lo cree es porque no se ha enamorado.

• Primer Cuarteto: El speaker dice que el amor es invariable. Puede superar los obstáculos que se pueden encontrar pese a los cambios que pueda sufrir un enamorado.
• Segundo Cuarteto: Dice que a pesar de las tempestades o los impedimentos, el amor siempre sobrevive porque va más allá.
• Tercer Cuarteto: Describe lo que no es el amor. Que el tiempo no afecta al amor, porque el amor sigue siendo lo mismo y teniendo el mismo significado a pesar de que pasen las horas, días o semanas.
• Pareado (Couplet): Atesta que si las palabras que ha dicho son mentira, significaría que ningún hombre conoció el amor.

Estructura de Rima: ABAB CDCD EFEF GG

Análisis Retórico y Estructural

La definición de amor que proporciona es una de las más citadas y antologizadas del canon poético. Presenta el ideal extremo del amor romántico: nunca cambia, nunca se desvanece, sobrevive a la muerte y no admite defectos. Insiste en que este ideal es el único amor que puede llamarse "verdadero".

La división argumental es simple:

1. Primer cuarteto: Lo que el amor no es (cambiable).
2. Segundo cuarteto: Lo que el amor es (una estrella guía fija, inamovible por las tempestades).
3. Tercer cuarteto: Lo que el amor no es específicamente ("time’s fool"—sujeto al cambio temporal).
4. Pareado: Anuncia la certeza del orador.

El lenguaje del Soneto 116 no es notable por su imagery o rango metafórico. De hecho, su imagery, particularmente en el tercer cuarteto (el tiempo blandiendo una hoz que destruye los labios y mejillas rosadas de la belleza), es bastante estándar en los sonetos, y su metáfora principal (el amor como estrella guía) no es sorprendente en su originalidad. Sin embargo, el lenguaje es extraordinario porque enmarca la discusión de la pasión amorosa dentro de una estructura retórica muy restringida e intensamente disciplinada. Con un control magistral del ritmo y la variación del tono (el pesado equilibrio de "Love’s not time’s fool" para abrir el tercer cuarteto; el "O no" declamatorio para comenzar el segundo), el orador presenta un argumento casi legalista sobre la pasión eterna del amor, y el resultado es que la pasión parece más fuerte y urgente debido a la contención en el tono del orador.

Soneto 128: El Deseo Sensual y la Música

Este es un soneto musical donde se compara al poeta con la música, y la Dark Lady es quien toca el clavicémbalo.

Desarrollo del Deseo

• Primer Cuarteto: Compara a su amante con la música mientras toca las teclas del teclado de madera con sus dedos, mientras el autor lo escucha atentamente.
• Segundo Cuarteto: El speaker dice que envidia a las teclas que ella toca porque es como si las besase de arriba abajo haciendo sonar música. El autor desea ser ese instrumento y que sus labios no se queden esperando a esas teclas y sonidos (besos).
• Tercer Cuarteto: Dice que para ser como esas teclas debería estar hecho de madera. Un objeto que no vive, sin embargo sus labios sí. Por eso su amada debería escoger algo en vida.
• Pareado (Couplet): El autor dice que ya que las teclas parecen muy felices cuando los dedos las tocan, que la mujer se los deje al instrumento y que le dé los labios al autor para poder besarlos.

Estructura de Rima: ABAB CDCD EFEF GG

Temas y Recursos

• Personificación: A la música y a las teclas del clavicémbalo.
• Imagery: Extra sensorial (se puede casi escuchar las notas que emite el instrumento).

El tema principal es un amor con contenidos más sensuales. La Dark Lady está tocando y el poeta desea un ansiado beso de ella, sin embargo, la chica solo se dedica a tocar el clavicémbalo. El único consuelo que el poeta tiene es su fantasía de besar a su amante, que es un consuelo vacío dado que el poeta anhela el toque sensual que la Dama Oscura utiliza mientras se toca el instrumento musical.

Soneto 129: La Lujuria como Ciclo de Vergüenza

Este poema se enfrenta a la idea del deseo sexual, tal como existe en la nostalgia, la satisfacción y la memoria. Se trata de la lujuria como un anhelo de placer futuro, la lujuria que se consume en el presente, y la lujuria recordada después de la experiencia placentera, cuando se convierte en una fuente de vergüenza.

Las Tres Fases de la Lujuria

• Inicio: El narrador dice "lust in action" (lujuria en acción), es decir, tal y como existe en la consumación del acto sexual, es un "expense of spirit in a waste of shame" (un gasto de espíritu en un desperdicio de vergüenza). Luego dedica el resto del primer cuarteto a la caracterización de la lujuria, tal como existe "till action" (antes de la consumación).
• Segundo Cuarteto: El narrador salta entre el anhelo, la satisfacción y la memoria. Tan pronto como la lujuria es "enjoyed", es "despised" (despreciada). Cuando la lujuria es anhelada, la satisfacción de ese anhelo es cazada "past reason" (más allá de la razón), pero tan pronto como se logra, se convierte en vergüenza y es odiada.
• Tercera Estrofa: El narrador dice que la lujuria está loca en sus tres formas: en la búsqueda y la posesión, está loca; y en la memoria, la consumación, y el deseo ("had, having, and in quest to have") es "extreme". Aunque se experimenta que podría ser "a bliss in proof" (un placer al ser probado), tan pronto como está terminado ("proved") se convierte en "a very woe" (un gran pesar). El anhelo es "a joy proposed" (una alegría propuesta), pero en la memoria, el placer que proporcionaba no es más que "a dream" (un sueño).

Pareado Final: El narrador dice que el mundo entero conoce bien estas cosas, pero sin embargo, nadie sabe cómo evitar la lujuria con el fin de evitar la vergüenza: "To shun the heaven that leads men to this hell" (Evitar el cielo que lleva a los hombres a este infierno).

Recursos y Tono

La situación del narrador es la de una persona que ha experimentado cada etapa de la lujuria, y que por lo tanto es capaz de expresar la vergüenza que siente ahora con referencia a su deseo pasado y su consumación. Aunque la lujuria de este poema no es explícitamente sexual, se describe en lenguaje muy carnal: sangriento, lleno de culpa, salvaje, grosero, cebo tragado.

El recurso más importante de este poema es su rápida oscilación entre los tiempos verbales y los tiempos temporales; salta entre las etapas de la lujuria casi incontrolablemente, y al hacerlo crea una imagen global de su tema desde todos los ángulos, cada uno teñido por el vergonzoso "infierno" que ocupa el narrador.

Otro recurso importante, y raro en los sonetos, es el tono impersonal del poema. El orador no dice abiertamente que está escribiendo sobre su propia experiencia, sino que presenta el poema como una descripción impersonal, un catálogo de los tipos de experiencia que ofrece la lujuria. Sin embargo, la ferocidad de su descripción contradice su propósito real, que es lamentar su propia rendición reciente al deseo lujurioso.

Soneto 130: Parodia de las Convenciones Petrarquistas

Este soneto se burla de las convenciones de los sonetos cortesanos en este retrato realista de su amante (la Dark Lady), por lo que se trata de una parodia de su figura.

Comparaciones Desfavorables

Este soneto compara a la Dark Lady con una serie de otras bellezas, y nunca a favor de la amante:

• Sus ojos son "nothing like the sun" (nada parecidos al sol).
• Sus labios son menos rojos que el coral.
• En comparación con la blancura de la nieve, sus senos son pardos.
• Su cabello son como hilos negros en la cabeza.

En el segundo cuarteto, el narrador dice que ha visto rosas separadas por color ("damasked") en rojo y negro, pero que no ve las rosas de este tipo en las mejillas de su amante, y él dice que el aliento que "reeks" (apesta) de su amante es menos encantador que el perfume.

En la tercera estrofa, admite que, a pesar de que ama su voz, la música "hath a far more pleasing sound" (tiene un sonido mucho más placentero), y que, a pesar de que nunca ha visto una diosa, su amante, a diferencia de ellas, camina sobre el suelo.

La Declaración Final

En los últimos dos versos, el narrador declara que, "by heav’n", él piensa que su amor es tan raro y valioso "As any she belied with false compare", es decir, un amor en el que se invocan falsas comparaciones para describir la belleza única de su amada.

Subversión de la Tradición

Este soneto es una burla elaborada a las convenciones de la poesía del amor comunes en la época de Shakespeare. La mayoría de los sonetos de esa época estaban modelados siguiendo el estilo petrarquista. En los sonetos de Petrarca se alaba la belleza, el valor y la perfección de Laura con metáforas basadas en bellezas naturales. En la época de Shakespeare, estas metáforas se habían convertido en cliché, pero seguían siendo la técnica aceptada para escribir poesía amorosa, resultando en poemas que idealizaban mediante comparaciones entre la naturaleza y el amante.

En muchos sentidos, los sonetos de Shakespeare invierten las convenciones del amor petrarquista: los poemas se escriben no a una mujer perfecta, sino a un hombre ciertamente imperfecto (en la secuencia del fair youth), y los poemas de amor a la dark lady son todo menos idealizados. Se burla de las metáforas petrarquistas típicas. En el pareado final, el narrador manifiesta su intención: insistir en que el amor no tiene por qué seguir estas presunciones para ser real, y las mujeres no tienen que parecerse a las flores o al sol para ser bellas.

La estructura retórica es importante: en el primer cuarteto, el hablante usa una línea por cada comparación (sol, coral, nieve). En el segundo y tercer cuartetos, amplía las descripciones para ocupar dos líneas cada una (rosas/mejillas, perfume/aliento, música/voz, diosa/amante). Esto crea el efecto de un argumento expandido y desarrollado, y evita que el poema se estanque, ya que se basa en una sola clase de broma durante las primeras doce líneas.

Soneto 138: El Engaño Mutuo y la Lujuria Irónica

El Soneto 138 presenta un estudio psicológico de la amante, que revela muchas de sus hipocresías. Ella ama al poeta, pero él no se hace ilusiones sobre su carácter. "When my love swears that she is made of truth, / I do believe her, though I know she lies". Acepta sin protestar su "falso hablar en lenguas" y no espera nada mejor de ella.

Una Relación Basada en la Falsedad

Cínicamente, él también engaña y se consuela al saber que no está siendo engañado por la farsa de fidelidad de la mujer hacia él. En una relación sin afecto o confianza, los dos amantes están de acuerdo en tener una relación basada en el engaño. Ambos acuerdan no expresar la verdad:

"Why should my heart think that a several plot / Which my heart knows the body’s Яeason hath not?"

La construcción de la oración en estas líneas es análoga, mostrando cómo tanto el poeta como la mujer fingen mentir cuando cada uno sabe que la otra persona sabe la verdad.

El Humor Irónico del Pareado Final

El tema principal de las dos líneas finales es la lujuria, pero se trata con un humor irónico. El poeta se contenta con apoyar las mentiras de la mujer porque se siente halagado de que ella piensa que es joven, aunque él sabe que ella sabe su edad. Por otra parte, él no pone en duda sus promesas de fidelidad, a pesar de que ella sabe que él es consciente de su infidelidad. Ninguno está dispuesto a revelar los defectos del otro.

En definitiva, el poeta y la mujer permanecen juntos por dos razones: la primera es la relación sexual, la segunda es que se sienten cómodos con la relación de mentiras que llevan. Estas dos razones se indican por el juego de palabras con la palabra "lie" (mentir), que significa tanto "tener sexo" o "engañar":

"Therefore I lie with her and she with me, / And in our faults by lies we flattered be."

El tono es amargo porque habla de su amante infiel. El ambiente es tenso, porque su amante le miente sobre su infidelidad, pero él le cree de todos modos. El poema sugiere que el hombre y la mujer se sienten cómodos con el engaño mutuo, lo que les permite mantener su relación, impulsada por la lujuria y el halago mutuo.