Escultura y Arquitectura a Través de la Historia

Escultura Clásica

El Siglo V a.C.: La Etapa Clásica

En los siglos V y IV a. C., la escultura griega llega a su culminación, creando obras que han quedado como modelos de belleza y perfección plástica. En este siglo se produce un proceso febril de realizaciones para conmemorar la victoria frente a los persas y para reconstruir lo destruido. El objetivo estético es plasmar la belleza ideal, aunque es un arte naturalista, se tiende a la idealización: partiendo de la realidad se crean arquetipos. El verdadero protagonista es el cuerpo masculino desnudo, consiguiéndose en su realización un dominio total de la anatomía. Los temas más representados pertenecen al mundo mítico de los dioses y héroes, que son tratados con gran seriedad.

Se pierde definitivamente el hieratismo, lográndose la movilidad de las figuras y captando gestos y actitudes. También se abandona la frontalidad, las esculturas tienen varios puntos de vista. Durante los primeros 50 años del siglo V a.C. encontramos una etapa de transición hacia esos objetivos, aún con restos de arcaísmo, el “Estilo Severo”. Vemos pasos hacia la perfección anatómica, mayor dinamismo, y las soluciones para adaptar la escultura a los tímpanos de los frontones.

Ejemplos de este período son: Los Frontones del Templo de Afaia en Egina y los Frontones del Templo de Zeus en Olimpia; los Relieves del Trono Ludovisi (Nacimiento de Afrodita); bronces como Poseidón, los Guerreros de Riace o el Auriga de Delfos.

Policleto

Broncista. Publica el “Kanon”, obra en la que realiza un estudio de las medidas y proporciones del cuerpo humano. La belleza estaría en estas proporciones (la altura total del cuerpo es siete veces la cabeza) y en la simetría. En el Doríforo, portador de lanza, plasma todas sus teorías: cabeza esférica, proporciones y simetría, postura clásica o “contraposto”, erguido, con cierta curvatura en el torso y la cadera al descansar todo el peso sobre una pierna. El Diadúmeno posee unas características muy parecidas al anterior, aparece atándose una cinta a las sienes.

Otra obra suya es una Amazona herida, premiada en un concurso para la decoración del Santuario de Éfeso, en el que compitió con Fidias y Crésilas hacia mediados del siglo V a.C.

El Siglo IV a.C.

Época de crisis de las ciudades estado y de disgregación y transformación en lo social tras la Guerra del Peloponeso entre Esparta y Atenas y sus respectivos aliados. Atenas, a pesar de la crisis política, siguió manteniendo la supremacía artística en Grecia, gracias a una sociedad elegante y refinada, aunque en este contexto el artista trabaja no para el estado sino para particulares, pues la guerra ha dejado sin recursos las arcas del Estado.

Se producen cambios respecto al siglo anterior:

• Dioses y atletas siguen siendo los protagonistas, pero ahora se representan los dioses más próximos al hombre y no los grandes del Olimpo y los atletas en actitudes menos heroicas, más cotidianas.
• Las figuras se hacen más libres, menos majestuosas.
• El canon estético se estiliza.
• Se acentúa el naturalismo en gestos y actitudes.
• Los rostros comienzan a reflejar el “pathos” (su expresión emocional y estado anímico).
• Inicia su aparición el desnudo femenino.

El Arte Romano

El Arte Romano se inicia en íntima conexión con el Arte Etrusco y con el de las colonias griegas de la Magna Grecia, de cuya cultura es directo heredero, incorporando, además, múltiples elementos de las más diversas culturas mediterráneas bajo dominio romano, con un sincretismo sumamente característico.

Se desarrolla fundamentalmente a partir del siglo III a.C. y evoluciona con evidente homogeneidad hasta el siglo V d.C., a través de las etapas que van señalando su evolución política: República (hasta el año 27 a.C.), Alto Imperio (hasta el siglo III d.C.) y Bajo Imperio (siglos IV y V d.C.).

La Arquitectura Románica

La aportación arquitectónica es lo fundamental en el Románico, supeditándose a ella la escultura y la pintura. Casi todos los elementos de la arquitectura románica (muros, sillares, columnas) pueden encontrarse en estilos precedentes, pero ahora aparecen con espíritu nuevo. La mayor parte de los edificios son religiosos: iglesias, catedrales y monasterios, aunque no faltan las construcciones civiles, palacios urbanos y castillos.

Tipos de construcciones: La planta

Se generalizan las plantas de cruz latina formadas por naves longitudinales más otra transversal, el transepto. El crucero se sitúa en la intersección de ambas y, formando la cabecera, los ábsides o las capillas semicirculares. Cuando las naves son más de una y las laterales se prolongan envolviendo el presbiterio, zona del altar mayor y del coro para los clérigos, dan lugar a la girola o deambulatorio. En estos casos, en las iglesias más monumentales, sobre las naves laterales puede haber una galería abierta mediante arcadas a la nave central, que recibe el nombre de tribuna. En torno a la girola puede haber pequeñas capillas radiales. A los pies se suelen levantar torres de campanas flaqueando la fachada principal; asimismo, a los pies puede haber una nave transversal, pero además de cruz latina podemos encontrar de cruz griega, etc.

Iglesias de peregrinación

Estas iglesias están para acoger a la gran multitud de peregrinos que pasan en la iglesia todo el día. Además, deben producir una emoción estética de carácter religioso y eran simbolismo del encuentro entre el hombre y Dios.

Monasterios

Los monasterios se encuentran casi siempre en lugares apartados. Sus características son más o menos fijas: su núcleo central es el claustro, un patio porticado, rodeado de cuatro galerías con arcos sobre columnas sencillas o, más comúnmente, pareadas; alrededor se ordenan las demás dependencias: iglesia, sala capitular, refectorio, cocina, dormitorios, etc.

La Arquitectura Gótica

Las características generales de esta clase son la luminosidad y la verticalidad.

La Verticalidad

La verticalidad, la elevación, la gran altura e increíble esbeltez de la arquitectura gótica, simboliza el deseo de ascensión hacia Dios.

La Luminosidad

Con las innovaciones arquitectónicas, el muro pierde su papel estructural, siendo sustituido por las vidrieras, ya que el nuevo sistema constructivo concentra los empujes en puntos concretos, transformando a los muros en cubrimientos exteriores, no en soportes.

Principales edificios: la catedral

La catedral preside en las ciudades, es su edificio más representativo y su núcleo, contrastando claramente con la iglesia rural o los monasterios románicos. La planta de tres o cinco naves principalmente. El crucero sobresale un poco y está más centrado que en las catedrales románicas. En la cabecera debemos distinguir entre el presbiterio y el coro, la girola, que ahora puede ser doble, y la capilla radial, generalmente poligonal.

El alzado

Destaca la gran altura de las naves, sobre todo la central, contrastando esta acentuación de las líneas verticales con la horizontalidad de la arquitectura románica. El triforio sustituye a las verdaderas tribunas de las grandes iglesias de peregrinación románicas, estrecha galería abierta primero solamente al exterior, pronto lo hará también al exterior con vidrieras. El claristorio es un tercer cuerpo recubierto de grandes ventanales con vidrieras, subrayando, junto con el triforio, la obsesión gótica por la luminosidad. Las torres, ahora de elevación desmesurada, se dividen en varios cuerpos y culminan por un remate agudo y calado con tracería gótica llamado chapitel o aguja.

La Escultura Románica

Características Generales

El precedente de la escultura románica hay que buscarlo en los ensayos prerrománicos y en la escultura oriental, portadora de cierta experiencia grecolatina, pero transformada por elementos cristianos.

Evolución estilística del relieve

Durante el Románico, lo que le interesa a los escultores es el aspecto intelectual, el mensaje, y no el naturalismo, no la representación fiel de la realidad. Por esto, las figuras son sencillas, de relieve muy plano, con los ropajes ajustados al cuerpo y con los pliegues sencillos y paralelos, desproporcionadas, generalmente alargadas artificiosamente, sin volumen, dispuestas en composiciones sumamente sencillas, generalmente yuxtapuestas, sin perspectiva, sin ambiente ni fondos, sin expresión, hieráticas, sin movimiento, sin relacionarse las distintas figuras de las escenas entre sí, etc.

Temas iconográficos: en los tímpanos de las portadas

Los dos temas más característicos son: el Pantocrátor Todopoderoso, Cristo en Majestad, los símbolos evangelistas contemplados por los cuatro ancianos del Apocalipsis y El Juicio Final, presidido por el Pantocrátor y el Tetramorfos; es ahora cuando se representa al demonio en forma antropomórfica.

En los capiteles de los claustros

Se representan principalmente temas como vegetales, animales, tanto reales como fantásticos, y figurados.

La escultura exenta

Esta se reduce a imágenes del Crucificado y de la Virgen con el Niño. El Crucificado, como en el mundo bizantino, es de cuatro clavos y adopta dos tipologías: Cristo en Majestad y el Cristo desnudo, y se puede encontrar en marfil, madera o metal.

La Virgen y el Niño

A la Virgen se la representa sentada, de frente, hierática, con el Niño sentado sobre sus rodillas, también de frente y estático, en actitud de bendecir, con un libro o la bola del mundo en la mano, sin relación alguna entre ambas figuras.

Los Precedentes de la Pintura Gótica

Hay que buscarlos en la pintura románica occidental (frescos, frontales de altar e iluminación de libros sobre todo) y principalmente en la pintura y mosaicos bizantinos, muy especialmente sus iconos.

Técnicas y soportes

La pintura gótica implica grandes cambios respecto a la pintura románica debido a la sustitución de los muros por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros soportes y técnicas. Al principio, el protagonismo será casi exclusivamente de las vidrieras y de la iluminación de libros con miniaturas, desarrollándose en una fase más avanzada del Gótico la pintura sobre tabla. Las técnicas empleadas en pintura son variadas, según los soportes: en pintura sobre tabla, el temple, con aglutinante de huevo o colas, permite su aplicación con finos pinceles, lográndose un gran detallismo y colores más intensos y brillantes. La técnica de las vidrieras comienza en Francia en el siglo XII: se montan los vidrios, coloreados con tonos azules, rojos, amarillos y verdes en la pasta vítrea fundida o posteriormente, sobre un bastidor emplomado, logrando el efecto de un mosaico transparente. El retablo será el soporte gótico por excelencia, evolucionando al pasar de una tabla a dos “díptico”, tres “tríptico” o a muchas “políptico”.

Temas

La temática es fundamentalmente religiosa. Los temas se inspiran en la vida de Jesús, de la Virgen y de los Santos, destacando entre estos los apóstoles y los santos titulares. En menor escala también encontramos ejemplos de pintura profana, desarrollándose ahora el retrato. Por último, decir que la pintura gótica tiene un carácter narrativo y una finalidad didáctica y devocional.

Arquitectura del Quattrocento

Los elementos de construcción fueron el ladrillo y la piedra en aparejo y mampuesto, todo ello forrado de mármol. Como elementos sustentantes, los pilares y las columnas, utilizando los tres órdenes griegos y los dos romanos; como elementos de cubrimiento, el arco de medio punto, la bóveda de cañón, cúpulas y casetones. Las fachadas tienen un desarrollo horizontal y suelen dividirse en tres pisos que se estructuran en tres órdenes y se decoran con almohadillado, medallones, guirnaldas o amorcillos; y están coronadas por un frontón triangular. En la decoración interior destacan los bucráneos, relieve a candelieri, guirnaldas, cornucopias, cintas, festones y grutescos. En el ámbito urbano, sus propuestas se dirigieron a la organización de ciudades ideales o utópicas, mientras que en el privado se tendió a la organización de los espacios abiertos. Los edificios más comunes: iglesias, con planta basilical, de cruz latina y centralizada; los palacios, que se disponen alrededor de un patio central; las villas, basadas en la casa de campo de origen romano, alcanzan su máximo esplendor en las villas de Palladio.

Brunelleschi

Para edificar se basa en la aplicación de las matemáticas, la geometría y los modelos de la Antigüedad; gusto por la simplicidad, la claridad y la proporción; elementos decorativos escasos; arquitectura sólida, útil y bella; preocupación por la combinación de la arquitectura y el entorno; uso del color: gris para los elementos sustentantes y blanco para los pasivos.

Obras

• Cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores (1419), Florencia. Presenta dificultades de orden estilístico, pues se trataba de realizar la cúpula para un edificio gótico y era necesario un compromiso entre las nuevas ideas que Brunelleschi tenía y el viejo estilo.
• Basílica de San Lorenzo: se inicia sobre 1420 y se acaba después de su muerte. Presenta una planta de cruz latina con un transepto y tres naves. Las proporciones son regulares, simétricas y armónicas, hechas a la medida del hombre. Hay gran simplicidad, con pocos elementos ornamentales. Brunelleschi es el que sintetiza las leyes de la perspectiva lineal centralizada.

Alberti

San Francisco de Rímini

Reforma de un templo gótico para convertirlo en el mausoleo de la familia Malatesta, en el que Alberti transforma el exterior, especialmente la fachada.

Escultura

Principales características

Naturalismo, independencia definitiva de la arquitectura, predominio de la línea curva, proporcionalidad (retoma el canon de nueve cabezas griega y el contrapposto), adquiere mayor movimiento, dinamismo y expresividad. En cuanto a la temática, siguieron con las representaciones hagiográficas de santos y temas bíblicos. Además, se añadieron el desnudo, los temas mitológicos, el retrato de busto y el ecuestre. Otras tipologías escultóricas son los monumentos funerarios y las cantorías. Entre los materiales utilizados destaca el mármol. También se utiliza el bronce, la madera, la piedra, etc.

Donatello

Es el introductor en la escultura de todas las características renacentistas: perspectiva, bulto redondo, representación y proporción del cuerpo humano, búsqueda de la belleza,... También se basa en lo clásico.

Obras

• David: El momento elegido por Donatello para su representación es posterior al combate, con un David adolescente victorioso que apoya uno de sus pies sobre la cabeza del gigante. Aunque resulta difícil creer que este joven delicado haya terminado con el temible enemigo, Donatello busca la creación de belleza y armonía.
• San Marcos: uso del contrapposto; se trata de una figura totalmente vestida y, sin embargo, se puede apreciar toda su anatomía, pues es un cuerpo articulado con capacidad de moverse; ropas y rostro se alejan del clasicismo, son de la época; tamaño natural.

Donatello también realiza un gran número de relieves creando sensación de profundidad. Hay un interés por crear intensidad narrativa en sus obras, enlazando con las preocupaciones básicas de la pintura.

Pintura del Quattrocento

Hay un naturalismo, perfección técnica, un gran interés por la naturaleza y el paisaje. Se interesan también por los volúmenes y por la perspectiva. Las composiciones empiezan a ser armónicas y muchas veces se disponen de manera geométrica. También hay una preocupación por la profundidad y el encuadre de las figuras. Las técnicas más utilizadas son el fresco, el temple y el óleo. Temáticamente se realizan pinturas religiosas y paganas. La escuela más importante es la florentina, a la que pertenecen:

Fra Angélico

Su obra supone la transición del idealismo gótico al naturalismo renacentista. Su obra está todavía en la línea gótica dada su profunda religiosidad; no intenta reflejar la belleza de lo temporal, sino la belleza ideal, fruto de la mano divina.

Obras

• La Anunciación del Museo del Prado:
  • Goticismo: las figuras del ángel y la Virgen reflejan el espiritualismo de la escuela sienesa.
  • Renacentismo: las figuras están situadas en una arquitectura de la época. Más destacada es la escena de la expulsión del Paraíso, que tanto en expresividad como en tratamiento es plenamente del Quattrocento: las figuras de Adán y Eva responden a planteamientos naturalistas, que ofrecen un contrapunto a las figuras de la Anunciación; el jardín está minuciosamente tratado. Vemos en toda la obra una clara preocupación por la creación de espacio, tanto en la arquitectura de la derecha como en el Jardín del Edén.

Masaccio

Atravesó el naturalismo para llegar a una pintura tridimensional, volumétrica, surgida de un mundo real, fuera de la artificialidad de los fondos dorados. Su gran preocupación era la representación correcta del espacio y de la figura humana, confiriéndole volumen mediante el uso de la luz y el color.

Obras

• La Santa Trinidad de la Iglesia de Santa María la Novella

Sandro Boticelli

Las características más importantes de su pintura son:

• Búsqueda de la belleza ideal: figuras bellas, delicadas, con un ligero aire melancólico. No son fruto de un estudio anatómico. Formas desnudas que retornan al arte clásico.
• Predominio de la línea sobre los efectos tonales: el modelado a base de matices de color creados por el juego de luces es muy suave.
• Destaca el uso de la línea curva frente a la recta, que le da mayor sensibilidad a la obra.
• No hay interés por la perspectiva.
• Composiciones muy simples, pero equilibradas.