El David de Miguel Ángel: Obra Maestra del Renacimiento y la Escultura

I. CLASIFICACIÓN

• Título: David
• Autor: Miguel Ángel
• Cronología: 1501-1504
• Material y procedimiento: Mármol y talla
• Dimensiones: 4,34 m de alto incluyendo la roca
• Localización actual: Galería de la Academia de Florencia

II. DESCRIPCIÓN Y ASPECTOS TÉCNICOS

Temática y Contexto

La obra presenta un tema religioso, pero con la clara influencia del antropocentrismo renacentista, como muestra su desnudez. En principio, el bloque de mármol en el que trabajó Miguel Ángel había sido elegido 40 años antes.

La escultura representa el momento de tensión anterior a la acción de enfrentarse a Goliat. Sobre su hombro izquierdo tenso cae la honda, cuyo extremo llega a la altura de su mano derecha, donde se sitúa la piedra. El personaje calcula el movimiento con el ceño fruncido para que el disparo sea certero.

Miguel Ángel, a diferencia de Donatello, lo representa no como un adolescente, sino como un joven poderoso y atlético. Su intensa mirada nos incita a pensar que el enemigo se encuentra frente a nosotros. Es considerada como su última obra de juventud y en la que aparecen rasgos nuevos cercanos a la terribilità. La obra fue encargada por la Signoria de Florencia para colocarla en uno de los contrafuertes del Duomo, de ahí su gran altura.

Material y Técnica

Material: Miguel Ángel tuvo que utilizar un bloque ya usado y deteriorado de mármol de Carrara de más de cuatro metros. Trabajó con la técnica extractiva de la talla, directamente sobre el bloque, sin utilizar un modelo de escayola como solía ser habitual, limitándose, como él mismo afirmaba, a "quitar lo que sobraba".

La talla se completa con el pulimentado, con lo que se reproducen fielmente los nervios (como se observa en las manos), la piel y los músculos.

Anatomía y Proporciones

El canon es largo. Además del bloque, condiciona el hecho de que, en principio, estaba pensada para ser colocada en el Duomo de Florencia, por lo que tiene varias correcciones ópticas, como la cabeza proporcionalmente grande para ser vista desde abajo.

El color: Es una obra monocroma.

Tratamiento de la figura: Destaca por la ANATOMÍA, que es atlética y no de adolescente como sugiere la Biblia. Presenta un trabajo a trépano en los rizos (generando un efecto de claroscuro) y con ciertas desproporciones entre el brazo derecho (muy largo y con una gran mano) y el izquierdo (en ángulo más pequeño), además de unos pies también muy grandes.

Composición y Ritmo

Se observa un contrapposto, pero con características propias: piernas muy abiertas y brazos muy tensionados. La pierna de nuestra izquierda, más rígida, soporta el cuerpo, mientras la derecha se inclina hacia atrás. Existe un ligero curveo subiendo la cadera y bajando el hombro de nuestra izquierda.

La composición es abierta a partir de un ligero zigzag entre la cabeza y su pierna izquierda. Este retorcimiento nos incita a rodear la imagen (composición abierta) y dirige nuestra atención hacia la cabeza, girada hacia la izquierda, y su mirada. El David puede ser contemplado desde diferentes puntos de vista.

Ritmo: La obra es un ejemplo del MOVIMIENTO EN POTENCIA. Todo el cuerpo está en tensión: los músculos, los tendones del cuello, las venas de la mano y su mirada con el ceño fruncido. Este gesto, que parece estudiar al rival, adelanta lo que será la terribilità. Su mirada nos hace imaginar la presencia de Goliat, al que se dispone a lanzar la piedra con su honda.

El artista representa la tensión interior que precede al desencadenamiento de la acción; es decir, el movimiento en potencia.

III. COMENTARIO HISTÓRICO

La larga vida de Miguel Ángel le permitió vivir la transformación y los cambios del arte. Su estilo evoluciona a través de las siguientes etapas:

1ª Etapa Juvenil (1491-1505)

Sus esculturas se vinculan con el clasicismo, con composiciones piramidales y la búsqueda de la belleza idealizada y rostros serenos. De este periodo destaca la Piedad del Vaticano.

2ª Periodo de Madurez (1505-1534)

El descubrimiento del Laocoonte influye en el alejamiento del clasicismo, iniciando un concepto de expresión artística propio: el MANIERISMO. Destacan de este periodo grandes grupos escultóricos:

• Sepulcro de Julio II: Incluye el Moisés, Lía y Raquel, y los Esclavos.
• Sepulcro de los Médicis.

Características de esta etapa:

• Cuerpos de gran anatomía, figuras en espiral o linea serpentinata.
• Introduce la expresividad y el movimiento en potencia (la llamada terribilità).
• Se inicia el "no acabado" o non finito (como en las alegorías del Día y el Crepúsculo), bien por insatisfacción o por un sentido espiritual y simbólico.

3ª Periodo Final (1548-1564)

Sus realizaciones son cada vez más personales, separándose de la armonía y el equilibrio clásicos para expresar su idea interior. Es ahora cuando se entrega plenamente a su concepto de "solo quito lo que sobra", recurriendo frecuentemente al non finito, ya sea por concepto estético o por descontento con la obra.

Esta etapa coincide con una crisis religiosa y personal (enfrentamientos entre católicos y protestantes). De esta época son la Piedad de Florencia y la Piedad Rondanini; la primera con linea serpentinata y gran expresividad, y la segunda con un non finito que obliga al espectador a colaborar en el significado de angustia de la obra.