Romanticismo, Realismo, Impresionismo y Postimpresionismo: resumen del arte del siglo XIX
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Resumen
El documento repasa el arte del siglo XIX en su contexto histórico, político y económico, y las corrientes Romanticismo, Realismo, Impresionismo y Postimpresionismo. Incluye también la arquitectura industrial (Eiffel y la Escuela de Chicago) y la escultura de Rodin, con sus principales autores y obras.
Puntos clave
- El Romanticismo surgió en la primera mitad del siglo XIX como oposición al Clasicismo, potenciando los sentimientos y la libertad del artista.
- El Realismo, en la segunda mitad del siglo XIX, representó de forma objetiva la realidad social y criticó la burguesía y la explotación de las clases bajas.
- El Impresionismo centró su atención en la luz, el color y la representación de la realidad inmediata, influido por el positivismo, la óptica y la fotografía.
- Los impresionistas abandonaron el claroscuro y pintaron series de un mismo motivo en distintas condiciones atmosféricas, como la Catedral de Rouen de Monet.
- El Postimpresionismo agrupa artistas diversos unidos por su relación antiimpresionista: Van Gogh, Gauguin y Cézanne.
- La arquitectura industrial empleó hierro, acero y cristal; la torre de Gustave Eiffel fue el edificio más alto del mundo.
Arte del Siglo XIX: Contexto Histórico-Artístico
El siglo XIX fue una época de transformaciones políticas, económicas y sociales. La pervivencia de los imperios europeos y los cambios sociales e ideológicos, debido al avance de las revoluciones burguesa e industrial, se reflejan en las diversas corrientes culturales existentes.
En España, la inestabilidad del reinado de Fernando VII, las regencias, el mandato de Isabel II y la restauración de Alfonso XII, condujeron a que el país se incorporara con retraso a la Revolución Industrial y al “aislamiento” del mundo artístico internacional.
El arte no fue ajeno al período revolucionario (revoluciones burguesas y Revolución Industrial) y los estilos se sucedieron, creando nuevos valores artísticos. Los artistas generaron una nueva forma de expresión artística: Romanticismo, Realismo, Impresionismo, Postimpresionismo. En las décadas finales, apareció la libertad de creación, como fin de la homogeneidad de estilos.
Romanticismo
El Romanticismo surgió en la primera mitad del siglo XIX como oposición al Clasicismo. Trató de potenciar los sentimientos y la libertad del artista. Es el deseo de que aparezca lo nuevo, lo sublime, lo que está más allá del límite. Además, destaca: la historia nacional, el amor a la Edad Media (rechazo al racionalismo ilustrado), la vivencia de la religión y el gusto por lo exótico.
La pintura romántica se difundió por Europa, en ella se aprecia el ansia de libertad e innovación del arte moderno y fue base del Impresionismo.
- Francia:
- Eugène Delacroix: temas históricos, políticos y orientales; estilo colorista y dinámico, en cierto modo dramático (La libertad guiando al pueblo).
- Théodore Géricault: formas clasicistas combinadas con temas románticos, tono más dramático y composición movida (La balsa de Medusa).
- Gran Bretaña: Dos vertientes: paisajismo y temas fantásticos. William Turner y Henry Fuseli.
- Alemania: Caspar David Friedrich, naturalezas infinitas y melancólicas en la que la figura humana aparece inmersa, solitaria y pensativa. El caminante sobre el mar de nubes.
Realismo
Opuesto al Romanticismo. Segunda mitad del siglo XIX. Representó de forma objetiva la realidad social, criticando la burguesía y la explotación de las clases bajas. Gustave Courbet, El taller del pintor (manifiesto del estilo), formó un escándalo en los medios artísticos por su antiacademicismo y su crudeza.
La escultura realista está representada por Constantin Meunier, comprometido con el realismo social. Representó obreros y campesinos cargados de fuerza y dignidad como dioses y héroes.
La pintura realista tuvo sus representantes en Francia. Gustave Courbet, el más destacado con El entierro en Ornans. Jean-François Millet, con escenas costumbristas del mundo rural y la vida cotidiana de los campesinos, atrajo la atención de la burguesía, pues el mundo rural simbolizaba “lo bueno”.
Arquitectura del Siglo XIX: Eiffel y la Escuela de Chicago
El siglo XIX, el siglo de la industrialización, trajo nuevas formas urbanas y tipologías arquitectónicas. Es una época de renovación urbana con construcciones de ensanches y vías de comunicación, en los que se dejó de lado al vapor sustituyéndolo por la electricidad y el petróleo.
La arquitectura industrial adoptó nuevos materiales tecnológicos: acero, cristal o hierro, que permitieron construir edificios grandes y ligeros que se sustentaban con pocos soportes; así se podían abrir grandes espacios y rellenar con cristal. Permitían construir con rapidez debido a las piezas prefabricadas. Su uso se difundió a través de las exposiciones organizadas por distintos países para mostrar sus innovaciones, como en la Primera Exposición Universal de Londres con el Palacio de Cristal de Joseph Paxton, destruido en un incendio.
El mayor exponente fue la torre de Gustave Eiffel. Fue el edificio más alto del mundo. Está construida en hierro. Aunque pesa más de 10.000 toneladas, da sensación de ligereza, por la transparencia en la que no se distingue su interior de su exterior.
En el último tercio del siglo XIX, un grupo de arquitectos de Chicago fundaron la Escuela de Chicago, debido a un incendio en la ciudad que destruyó más de 15.000 edificios. La especulación de terrenos y la demanda de viviendas, obligaron a construir en vertical, junto a otras técnicas: uso de estructuras de hierro para obtener grandes alturas, pilar de hormigón como soporte, ascensor eléctrico, exteriores lisos y acristalados con predominio de líneas verticales y horizontales junto a fachadas de mampostería.
El edificio más importante es el Leiter Building, con las bow-windows.
Impresionismo: Monet, Renoir y Degas
Los pintores tomaron su posición con respecto a la industrialización. Por un lado, un grupo de artistas que querían reflejar en el arte el mundo de lo industrial; por otro, artistas que rechazaban la nueva concepción. Buscaban el arte como una vía de escape de la realidad, una vuelta a los orígenes o una búsqueda de una sociedad primitiva.
El Impresionismo es la transición entre la pintura tradicional y la contemporánea. Centró su atención en el estudio de la realidad y es un arte influenciado por el positivismo, atrayéndose con descubrimientos como la óptica y la fotografía.
Los pintores impresionistas se centraban en representar las formas y era típico que hiciesen diferentes versiones de un mismo motivo, pues las condiciones atmosféricas y lumínicas eran diferentes a lo largo del día. Esto se ve en la serie de la Catedral de Rouen de Monet.
Los impresionistas defendieron el predominio del color sobre la línea, sus figuras carecen de contorno. Son conscientes de la existencia de colores primarios y la complementariedad de estos, debido al químico Chevreul con su teoría de los colores. La luz se convirtió en un instrumento de principal importancia. Abandonaron la técnica del claroscuro. La luz es un elemento compositivo que modifica objetos, texturas y colores.
El contenido perdió importancia sobre la resolución formal y técnica de una visión inmediata de la realidad. Los temas principales fueron el paisaje y el realismo.
El punto de partida del movimiento fue en las tertulias del Café Guerbois, con Manet y una serie de artistas como Claude Monet, Edgar Degas y Pierre-Auguste Renoir.
Napoleón III fundó el Salón de los Rechazados, donde los pintores impresionistas dieron a conocer su obra, aunque fue un fracaso. Por lo que los artistas fundaron la Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores.
- Claude Monet: Pintura al aire libre o au plein air. Dedicándose al paisaje. Impresión, sol naciente.
- Pierre-Auguste Renoir: Vida parisina, ocio de la burguesía en su tiempo libre. Almuerzo de los remeros.
- Edgar Degas: No pintaba al aire libre. Caballos y jinetes; y bailarinas. La clase de danza en la Ópera.
Rodin y la Escultura
Auguste Rodin creó un nuevo concepto escultórico en lo referente al monumento y la escultura pública. Fue criticado por lo “inacabado”. Tenía un espíritu experimentador y audaz, destaca una radical innovación.
Abarcó toda la gama de posibilidades plásticas, de lo espontáneo al patetismo heroico. El caos es una herramienta para plasmar sus intenciones.
Trabajaba en yeso.
Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin y Van Gogh
El Postimpresionismo engloba a un conjunto de artistas y tendencias diversas entre la última exposición impresionista hasta dos décadas después, cuando apareció el Cubismo.
No se puede hablar de uniformidad cronológica ni de estilo, sino de una serie de artistas que abrieron sus puertas al arte contemporáneo. Su único factor en común es la relación antiimpresionista.
- Vincent Van Gogh: Utilizó una técnica por la que dejó de estar al servicio de la realidad para someterse a las necesidades plásticas y emocionales. Sus cuadros expresan subjetividad mediante su propia pincelada. Añadió la técnica de la xilografía japonesa, la pintura de Rubens que le hizo incorporar las mezclas de colores. Su pincelada será el antecedente del Fauvismo.
- Paul Gauguin: Quería encontrar temas que simbolizasen sus sensaciones y una técnica distinta apropiada a la representación. Creó el cloisonnisme, colores planos que rellenan delimitaciones realizadas por líneas gruesas. El color de los lienzos será el antecedente del Expresionismo.
- Paul Cézanne: Transformó la relación entre el objeto en la naturaleza y una experiencia visual en la armonía. Simplificó las formas y experimentó con los diferentes modos de percibir el espacio. Sus composiciones recuerdan a cuadros húmedos. La pincelada detallista será el antecedente del Cubismo.
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PDF Word HTMLPreguntas frecuentes
¿Qué diferencia hay entre Romanticismo y Realismo?
El Romanticismo potenciaba los sentimientos, la libertad del artista y temas como la historia, la Edad Media o lo exótico. El Realismo, opuesto a él, representaba de forma objetiva la realidad social y criticaba la burguesía y la explotación de las clases bajas.
¿Qué caracteriza a la pintura impresionista?
Se centra en representar la luz y el color más que la línea, las figuras carecen de contorno y abandona el claroscuro. Muchos pintores hacían varias versiones de un mismo motivo según la hora y la atmósfera.
¿Qué es la Escuela de Chicago?
Es un grupo de arquitectos de Chicago que, tras un incendio que destruyó más de 15.000 edificios, desarrolló la construcción en vertical con estructuras de hierro, pilares de hormigón y ascensor eléctrico.
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