Claves del Postimpresionismo y Realismo: La Noche Estrellada y El Ángelus

Claves del Postimpresionismo y Realismo a través de dos Obras Maestras

La Noche Estrellada (1889) - Vincent van Gogh

Ficha Técnica

• Año: 1889
• Corriente: Postimpresionismo
• Técnica: Óleo sobre lienzo

Estudio de la Obra

La obra se divide en dos planos diferenciados, separados por la línea de las montañas. Más de la mitad del cuadro lo ocupa el cielo estrellado, siendo el auténtico protagonista de la composición. En la mitad inferior se observa el pueblo, cuyas casas aparecen representadas con trazos rectos y del que sobresale el puntiagudo campanario de la iglesia.

En un primer plano, a la izquierda, se alza un imponente ciprés, que adquiere formas ondulantes que lo asemejan a una llama, uniendo visualmente ambos planos: el terrenal y el celestial. Las líneas de las montañas del horizonte también se ondulan, siguiendo una dirección ascendente de izquierda a derecha.

En el cielo, dos grandes espirales nebulosas se envuelven, mientras que las estrellas y la luna parecen iluminar la noche con una intensidad propia, casi como lámparas de gas. A nuestra derecha, un astro de mayor tamaño y de color naranja, una luna creciente, parece confundirse con el sol por su vibrante brillo.

Técnica y Color

Van Gogh utiliza la técnica del empaste, con pinceladas vigorosas, cortas y muy marcadas que contribuyen a la enorme fuerza expresiva de la obra. La gama cromática es predominantemente fría, con un dominio de azules, celestes, verdes y grises. Sin embargo, como contrapunto, utiliza el naranja y el amarillo intenso de las estrellas y la luna para crear un vibrante contraste. Se observa cómo el color y la mancha, aplicados con el pincel en pequeñas y enérgicas pinceladas, sustituyen al dibujo tradicional para definir las formas y el volumen.

El Ángelus (1857) - Jean-François Millet

Ficha Técnica

• Año: 1857
• Autor: Jean-François Millet
• Corriente: Realismo
• Técnica: Óleo sobre lienzo

Estudio de la Obra

Este óleo sobre lienzo representa una escena campestre en un páramo desierto, con dos trabajadores que han interrumpido su labor para rezar el Ángelus al atardecer. La atmósfera parece neblinosa, lo que simplifica el volumen de las figuras y genera una profunda unión entre los personajes y el paisaje que los rodea.

Las dos figuras quedan en zonas de luz y sombra respectivamente, creando un sutil contraste lumínico. Sus caras permanecen en la penumbra, mientras que la luz destaca los gestos y las posturas de los campesinos, consiguiendo expresar un profundo sentimiento de recogimiento y piedad. La luz es natural pero no muy intensa, propia del ocaso, y tiene un carácter ambiental que unifica toda la composición.

Con estas diferentes tonalidades, el artista pretende centrar la atención en la devoción de los campesinos, mientras que los objetos (la carretilla, el cesto, la horca) y el paisaje pasan a formar un segundo plano dentro de la obra. Millet utiliza la perspectiva aérea: los últimos elementos de la obra, como la iglesia en el horizonte, se encuentran más difuminados para crear sensación de profundidad.

Técnica y Color

El tipo de pincelada es firme, segura y corta en la gran mayoría del cuadro, logrando una textura generalmente lisa. En cuanto a la línea, existe una clara preponderancia del color sobre el dibujo para construir las formas. El volumen se consigue a través de las sombras que el pintor proyecta sobre los personajes.

Millet emplea colores suaves y terrosos para el campo y tonos más oscuros para los personajes, reflejando a la perfección las humildes vestimentas de los campesinos. La imagen representa cierta niebla en la que utiliza parte de la gama fría de colores, mientras que la tonalidad empleada en el resto del cuadro es, sobre todo, de colores cálidos (ocres, marrones, rojizos y amarillentos).