Caravaggio y el Tenebrismo: Realismo, Polémica y la Dicotomía de su Obra Romana (1600-1606)

Caravaggio en Roma (1600-1606): La Fusión de lo Sagrado y lo Profano

Judith y Holofernes: Tenebrismo y Detalle Anatómico

La escena se presenta en primer plano con figuras cortadas. La cama, que funciona como el cuerpo de Holofernes, se prolonga hasta el fondo, permitiendo un profundo estudio de la anatomía: un cuerpo desnudo con una perfección absoluta, un hombre con barba y musculatura fuerte. La figura de la sirvienta está esperando con su mandil extendido para llevarse la cabeza y transportarla al campamento de los judíos.

Características Estilísticas y Cromáticas

• Cromática: Se utilizan colores ocres y el blanco para destacar la figura principal. El rojo intenso del cortinaje sirve para subrayar la importancia del personaje que aparece justo debajo.
• Tenebrismo: El resto de la habitación permanece en la oscuridad, en pleno tenebrismo, donde la luz incide dramáticamente sobre las figuras.
• Realismo y Simbolismo: Los pendientes que Magdalena había tirado al suelo son los que utiliza Judith, un detalle que acentúa el realismo en las figuras, mientras que el entorno se percibe fantasmagórico e ilusionista.

Precedentes e Influencias

Existen precedentes en el título homónimo de Tintoretto. Caravaggio emplea la perspectiva de Sotto in Sú, una composición en primer plano cortada y fuertes escorzos. Contemporáneamente, se relaciona con la obra Judith de Artemisia Gentileschi, una de las mejores seguidoras de Caravaggio.

El Segundo Periodo Romano (1600-1606): Monumentalidad y Contraste Social

Este periodo marca la etapa en Roma en la que la monumentalización adquiere mayor importancia. Caravaggio inicia una vida paralela en los bajos fondos, lo cual se refleja directamente en los modelos que escoge para sus obras. A pesar de esto, continuará trabajando para la élite romana, evidenciando la contraposición de sus dos mundos.

Incluso será acusado de falta de decoro religioso, pero la élite seguirá comprando y alabando esos cuadros que causaban polémica. A partir de este momento, vivirá una vida ajetreada: deja la casa del Cardenal del Monte y comienza a tener problemas legales, entrando en el mundo de esos bajos fondos que, a lo largo de los años, lo llevarán al asesinato y a su posterior huida de Roma.

La utilización de modelos de los bajos fondos se justifica por el artista al sentir cierta identificación con ellos. Caravaggio, en este momento, vive en esos ambientes marginales, lo que contrasta fuertemente con su formación cristiana y sus protectores religiosos.

Obras de Tránsito y Polémica

San Juan Bautista

La figura está completamente desnuda y aparece junto al cordero. Esta concepción del tema religioso generó gran polémica. Se le representa como un simple muchacho, un pastor desnudo tomando el sol, sin la idealización tradicional. Su piel está tostada por el sol, careciendo de la carne y la piel limpia esperadas. Caravaggio juega con la luz y la sombra, y en esa desnudez, incluso muestra el sexo de San Juan.

La composición presenta un gran escorzo, con cierta influencia de los desnudos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. La diferencia de altura en las piernas confiere gran movimiento y dinamismo. Solo el rojo del manto, junto con el cordero, marca una diagonal que se complementa con la posición y la propia diagonal del cuerpo de San Juan. Caravaggio utiliza la volumetría, la luz y la figura para crear una composición muy dinámica.

Amor Victorioso

Dentro de las diferentes interpretaciones, la obra tiende a verse como una representación profana de Eros. Sin embargo, la presencia de una coraza, siendo un encargo de un marqués, sugiere un sentido más complejo. Se interpreta como el triunfo del amor (símbolo de la verdad) sobre el mundo de la guerra. El niño aparece feliz y sin prejuicios, triunfando por encima de todas las convenciones. (Este cuadro también causó polémica respecto a la posible homosexualidad de Caravaggio).

Comparativa: Cupido de Parmigianino

En la obra de Parmigianino, el aspecto sexual y la sugerencia son más atractivos que la desnudez plena. Trata el tema con una figura andrógina, un muchacho con alas de pájaro, realizado bajo unas proporciones típicas manieristas. Son figuras irreales, situadas en un ambiente imaginario.

David y Goliat

Esta obra enlaza temáticamente con Judith y Holofernes, pues ambas justifican un crimen para la salvación del pueblo de Israel. David corta la cabeza al gigante Goliat después de haberlo matado. El cuerpo de Goliat vuelve a estar en escorzo, dirigido hacia un fondo oscuro.