Características e innovaciones de la música barroca

Características principales

El periodo barroco presenta una serie de rasgos distintivos que definen su estética musical. Entre ellos destacan:

• Contraste entre planos sonoros, timbres, modos, ritmos, tempi, dinámicas y caracteres.
• Ritmo: energético y muy marcado, casi mecánico, con pulsación regular.
• Melodías: largas y fluidas, ornamentadas; la melodía tendrá un éxito enorme.
• Armonía: se convierte en la base de la música; el bajo continuo actúa como cimiento musical.
• Sistema tonal: se afirman las escalas mayores y menores.
• Afinación temperada establecida como estándar.
• Dinámica: comienza a usarse conscientemente como elemento generador de interés y expresividad.
• Timbre: la familia de violines reemplaza a las violas antiguas; la orquesta comienza a tomar forma.
• Textura: ligeras y homófonas: una melodía simple acompañada de acordes.
• Teoría de los afectos: se preserva un mismo clima o sentimiento musical a lo largo de la pieza.
• Estilo de carácter vital y sensual.
• En la música vocal se acentúa la unión entre la música y el texto.

Innovaciones musicales

Entre las innovaciones más relevantes del Barroco destacan:

Bajo continuo

En el Barroco se desarrolló un estilo en el que la música quedaba reducida a una voz principal que tenía la melodía y la voz de bajo como acompañamiento. Estos acompañamientos eran realizados por instrumentos graves de viento o cuerda.

Concepto de tonalidad

El concepto tonal establece a la tónica como la nota más importante, la que da nombre a la tonalidad por ser la primera. Le sigue la dominante, situada a la quinta grado.

Aceptación plena

Hasta el Barroco la música instrumental era considerada un género menor y los compositores reservaban sus mejores esfuerzos para la música vocal. Esta aceptación plena de la música instrumental tuvo lugar en la segunda mitad del siglo XVII y fue, en buena parte, consecuencia del éxito obtenido por los instrumentos de arco.

Formas vocales

Las principales formas vocales del periodo son:

• Cantata: obra para ser cantada; puede estar escrita sobre textos religiosos o profanos.
• Oratorio: escrito sobre texto bíblico; participan solistas, coro y orquesta; los personajes no actúan, sólo cantan una historia o drama de carácter religioso.
• La Pasión: drama litúrgico sobre la pasión y muerte de Cristo; puede usar la lengua latina o la lengua vernácula. Está protagonizada por un evangelista que narra la historia mediante el recitativo, además de personajes del evangelio y el pueblo.
• Ópera: representación escénica de carácter lírico-dramático, donde alternan recitativos e intervenciones orquestales; se distingue entre ópera seria y ópera bufa (cómica).

Formas instrumentales

• Preludio y toccata: piezas breves para instrumentos de teclado.
• Sonata: obra para ser tocada; suele constar de cuatro movimientos que alternan rápido y lento.
• Fuga: forma compleja que puede ser vocal; tiene tres partes: exposición temática, divertimento o desarrollo, y stretto conclusivo.
• Concerto grosso: un grupo de instrumentos solistas (generalmente violines) contrasta con el resto de la orquesta.
• Concierto solista: similar al concierto grosso, pero con un único instrumento solista.

Música para teatro

• Zarzuela: en 1648 se estrenó El jardín de Falerina; en estas obras se alternan escenas habladas con otras cantadas sobre temas populares españoles.
• Tonadilla: intermedio satírico que generalmente concluye con una danza española.
• Ópera: en el siglo XVIII la ópera italiana se puso de moda en la corte borbónica, gracias a cantantes como Farinelli.

Música religiosa

Joan Bautista Comes y otros compositores siguieron las directrices renacentistas, logrando monumentales obras para dos o más coros, incluso hasta 15 voces.

La música instrumental

Domenico Scarlatti desarrolló su carrera en España; destaca especialmente su producción para clavicémbalo. Antonio Soler escribió un gran número de sonatas a uno o dos tiempos.