Belleza, Decadencia y Creación: Ecos de Mann y Lorca

Muerte en Venecia: Belleza, Decadencia y Crisis Artística

Llega a Venecia con un rechazo hacia todo lo que no considera belleza; sin embargo, vivirá precisamente aquello que negó, convertido en un hombre de arrugas y pelo teñido. El creador, sumido en una profunda crisis vital y artística, contempla a su efebo como una belleza estatuaria, pero no vital. No llega a tocarlo; se limita a observarlo desde fuera. Venecia se presenta como una visión turbada que le priva del estatismo y del silencio, especialmente cuando sube a la góndola y todo es ruido.

Tadzio representa todo lo que el artista busca: inspiración, belleza, silencio, juventud e inocencia. Pero también encarna el dolor; es una creación propia que le produce desazón, pues no puede controlarla.

Existe una ausencia total de culpa, lo que sustenta la obra en un ideal nietzscheano muy propio de la época, abriendo las puertas a otro tipo de contemplación. Se percibe una falta de corporeidad hedonista.

Hacia la mitad del cuarto capítulo, Mann compara a Tadzio con Jacinto y Narciso, referentes clásicos siempre presentes e importantes en la obra.

La novela presenta una estructura cíclica: la expresión de lo grotesco en el vaporetto que lo lleva a Venecia tiene un paralelo en la comparsa de músicos bufos. Aquí comienza su declive. La 'mancha' de la belleza, el feísmo del que el protagonista se creía inmune, se manifiesta en su renuncia a la vejez (preferida al inicio de la obra) para intentar recuperar y controlar el deseo. Se crea una máscara de maquillaje y tinte, inventa un alter ego de sí mismo, mostrando un intento de revivir lo no vivido (similar a Perlimplín).

Hace un último intento por apresar la belleza. La muerte aparece en un halagado encuadre de luz, pero Tadzio —belleza y creación— se difumina bajo el sol destructor.

La muerte surge como un deseo de experimentar otra vida, reflejando la insuficiencia del arte en sí mismo.

Perlimplín: Tradición Teatral y Vanguardia Lorquiana

Orígenes en la Commedia dell'arte

Para encontrar el origen del personaje, debemos remontarnos a la Italia del siglo XV, donde surge una forma teatral (no un género) conocida como la Commedia dell'arte. Esta forma incipiente de arte teatral consistía en una comedia all'improviso (improvisada). Dado que los cómicos no actuaban sobre un texto rígidamente fijado, trabajaban sobre guiones (canovacci) y propuestas escénicas esbozadas pero no completamente desarrolladas. Es considerada una cumbre del teatro moderno.

Se trata de un teatro de estereotipos, de máscaras fijas, donde cada personaje tiene una forma de vestir y una máscara particular. Llegó a España entre los siglos XVI y XVII mediante las giras de compañías italianas, con figuras como Botarga y Ganassa. La fórmula se adaptó; por ejemplo, en El viejo celoso de Cervantes, el protagonista es un Pantalone.

Fue recuperada en el siglo XIX como un correctivo natural al envaramiento de la Ilustración, vista como una recuperación del arte y de la esencia misma del teatro.

Pierrot y la Fusión en Perlimplín

Pierrot se crea en Francia hacia 1830 como contrapunto natural de Arlequín. Viste con casaca blanca, es llorón, patético, tristón y siempre un perdedor en el amor, convirtiéndose en un gran icono de la modernidad. Perlimplín resulta de la suma de Pantalone y Pierrot. Aquí reside la grandeza de Lorca: crea una nueva identidad a partir de dos personajes independientes.

Este nuevo icono es adoptado por varias razones:

• Al Romanticismo le interesa su implicación barroca y la concepción del antihéroe (Pierrot es un perdedor).
• Existe una empatía entre el personaje y el escritor.
• Perlimplín es un creador, un poeta en el sentido etimológico (poiesis). Se enfrenta a la disyuntiva de elegir entre el triunfo como poeta y el triunfo en el amor (aceptar la carnalidad implica perder su condición de creador).
• Es un ser nocturno, cuya única aliada es la luna, que escucha sus dolores de amor y a la que se siente unido. La noche es su ámbito natural, como en el Romanticismo.
• Pierrot, como máscara del teatro del silencio o pantomima, encarna la poética sinestésica del Romanticismo y, posteriormente, del Simbolismo: un teatro que expresa sensaciones mediante un método mímico.

Influencias y Contexto Español

En la década de 1860 aparece en Inglaterra un segundo tipo de pantomima, la pantomima negra, representada por un grupo de payasos que comenzaron como un grupo familiar. Se acerca al Simbolismo y llega a París en 1889, vista como una continuación de la línea de Pierrot.

El ambiente teatral de novedad lo introduce en España Jacinto Benavente con una miscelánea teatral denominada Teatro fantástico y La blancura de Pierrot.

Ramón Gómez de la Serna también escribe pantomimas en castellano. Y Gregorio Martínez Sierra crea el Teatro de Arte en 1916. A él se debe la primera oportunidad que se le da a Lorca. Lorca se definió a