El Barroco y el Rococó: Arte y Poder en los Siglos XVII y XVIII

En el siglo XVII, Europa se dividió entre monarquías católicas y protestantes, generando conflictos políticos. Francia adoptó el absolutismo, mientras Inglaterra mantuvo una tradición parlamentaria. A pesar de la decadencia política, los reinos hispánicos lideraron la actualización del nuevo mundo. Los estados pontificios vivieron un periodo de bonanza política y cultural e Inglaterra fortaleció su poder. El Barroco en los siglos XVII y XVIII se desarrolla sobre todo en Roma, en la Roma papal, con un espíritu contrarreformista; en la corte española de los Habsburgo, tanto en Sevilla, Valencia, Toledo, Madrid; y en Holanda, un foco burgués protestante y sobre todo con riqueza pictórica. Francia adoptó formas académicas, Holanda destacó en pintura burguesa y protestante, e Inglaterra desarrolló un estilo propio en el siglo XVIII. Y el Rococó, se desarrolla sobre todo en Francia, con Luis XV y Luis XVI, se sigue llevando de moda. Palacio de Versalles. Guerra de los 80 años entre España y Francia.

ESCULTURAS

La escultura barroca, de origen italiano, es omnipresente en fachadas, retablos y monumentos públicos, otorgando un sentido palaciego, cortesano o simbólico a las escenografías barrocas. Los materiales varían según la región, con predominio del mármol en Italia y la madera en España. La temática incluye lo religioso, lo mitológico y monumentos funerarios. La figura exenta se relaciona con el relieve, destacando por su unifacialidad que potencia la teatralidad barroca. Gian Lorenzo Bernini es el escultor barroco por excelencia, cuyas obras representan la esencia del siglo XVII y ejercen influencia en el siglo XVIII. Su obra refleja influencias pictóricas de Rafael y Guido Reni, así como referencias al mundo clásico, presente también en la escultura barroca francesa. En Francia, la escultura barroca tiene un carácter cortesano, mientras que en España se dedica principalmente a lo religioso. Los escultores franceses, como Girardon y Coysevox, se inspiran en Bernini, especialmente durante el reinado de Luis XIV.

Escultura española:

La escultura religiosa en España, influenciada por la Iglesia y la devoción popular, se centra en retablos, pasos de Semana Santa y figuras de pleno volumen, principalmente de madera policromada. El proceso de elaboración incluye talla, dorado, policromía y añadidos como pelucas y ojos de cristal para realismo. Destacan imágenes como San José con el Niño Jesús y las Inmaculadas, siguiendo directrices del Concilio de Trento para transmitir el mensaje religioso a través de los sentidos. Escuelas notables incluyen la sevillana con Martínez Montañés y la murciana con Salzillo. La escultura rococó, centrada en Europa central, mantiene los materiales tradicionales y busca realismo. Se destacan grupos escultóricos de pleno volumen y obras intimistas. En España, Salzillo y Narciso Tomé son prominentes, conocidos por sus pasos de Semana Santa y obras decorativas.

PINTURA

La pintura barroca, presente en iglesias, palacios y casas particulares, tiene funciones propagandísticas y decorativas. Aborda temas variados como mitología, alegorías e historia. Cinco tendencias del siglo XVII incluyen el clasicismo, naturalismo, realismo, academicismo y barroco.

• Naturalista: Representada por Caravaggio, se basa en modelos reales y utiliza luz artificial. Ribera y Ribalta siguen este estilo.
• Realista: Refleja la realidad observada con fidelidad. Holanda es su origen, destacando pintores como Hals, Rembrandt y Vermeer. Velázquez muestra esta tendencia en obras como"La vieja friendo huevo".
• Barroca: Representada por Rubens, prioriza el color sobre el dibujo y utiliza composiciones abiertas y complejas. Otros artistas incluyen a Jordaens, Van Dyck, Da Cortona y Giordano.

La pintura rococó continúa, nulifica y rompe con las tendencias barrocas, pero mantiene la riqueza estética y la complejidad compositiva. El Rococó, surgido en Francia y extendido por Europa desde principios del siglo XVIII, refleja la sofisticación y los gustos de la sociedad del Antiguo Régimen, destacando la galantería, la elegancia y la intimidad. La paleta de colores se caracteriza por tonos claros como el gris, el verde manzana y el rosa pálido.

Pintura Española:

La alta calidad de las realizaciones pictóricas y literarias de la España del siglo XVII conformó el llamado Siglo de Oro español.

Manierismo y Naturalismo:

En el primer tercio del siglo, la pintura estuvo influenciada por el manierismo tardío del siglo XVI. Destacaron retratistas como Juan Pantoja de la Cruz y el valenciano Sánchez Coello, así como Francisco Ribalta, quien lideró la escuela barroca valenciana junto a su hijo Juan, continuada por Jeroni Jacint Espinosa y Esteve Marc. La escuela toledana, seguidora del estilo de El Greco, y la sevillana también tuvieron importancia en este período, ambas fusionando elementos manieristas y naturalistas. En Toledo, Juan Sánchez Cotán introdujo la temática de naturalezas muertas, mientras que las composiciones de Pedro de Orrente y Luis Tristán se encontraban entre las formas de El Greco y un incipiente naturalismo. En Sevilla, destacaron pintores como Juan de las Roelas, Francisco de Herrera el Viejo y Pacheco, quien tuvo a Velázquez como aprendiz, aunque más enfocado en su educación cultural que artística.

Ribera:

Josep de Ribera, pintor nacido en Valencia pero afincado en Nápoles, inicialmente siguió el estilo de Caravaggio, pero luego evolucionó hacia el barroco con composiciones dramáticas y complejas. Su obra incluyó principalmente temas religiosos, paisajes, mitología y retratos, como"La barbuda de los Abruzzo" y"Combate de mujere". En el segundo cuarto del siglo XVII, la pintura española vio el surgimiento de grandes figuras como Diego Velázquez, Francisco de Zurbarán y Alonso Cano, que representaron el núcleo central del Siglo de Oro. Velázquez, inicialmente activo en Sevilla, se trasladó a Madrid donde se convirtió en el retratista de la corte, pintando cuadros costumbristas, religiosos y mitológicos, incluyendo"Los borracho" y"La rendición de Bred". Zurbarán se destacó en representar la vida monástica y en retratos religiosos, mientras que Cano, también arquitecto y escultor, trabajó en Sevilla, Madrid y Granada, mostrando un estilo moderado entre el clasicismo y el barroquismo.

LAS MENINAS - Modelos e Influencias

Velázquez asimiló la pintura veneciana del siglo XVI, el naturalismo de Caravaggio y aprendió de grandes maestros contemporáneos como Rubens para acabar creando Las Meninas.

Descripción formal:

El cuadro muestra todas las figuras dispuestas en la parte inferior, el artista consigue crear un gran campo visual. La infanta Margarita está en el punto convergente de las diferentes diagonales que dibujan con otros personajes. Hay dos objetos importantes, el espejo y la puerta, que aportan una gran profundidad escénica, el espejo refleja algo y la puerta amplía el espacio visual. Velázquez utiliza una pincelada larga y fluida en conjunto con otra corta y precisa que le ayuda a perfilar con detalle los vestidos. Es capaz de transmitir con gran realismo texturas diferentes como la dureza de la madera o el pelo del perro. Otro ejemplo de la técnica pictórica de Velázquez es la captación de la luz, tanto en sus efectos generales como en los detalles, hay 2 focos de luz: uno que alumbra directamente sobre los personajes y otra que entra por la puerta del fondo. Velázquez domina la perspectiva aérea, y plasma la atmósfera que hay entre los cuerpos mediante el difuminado de los contornos.

Temática:

Inicialmente, esta tela estaba en los inventarios del palacio como “El cuadro de la familia”, pero en 1843 el pintor Madrazo le dio la denominación actual, Las Meninas, una palabra de origen portugués que significa"dama de hono". En el centro está la infanta Margarita con sus damas de honor, en el fondo, en la apertura de la puerta está Don José Nieto Velázquez, a su lado reflejado en el espejo se ven al rey Felipe IV y la reina Mariana de Austria. La temática de la obra tiene muchas teorías, pero la más asentada es la que considera que se trata de un retrato de la infanta Margarita en el estudio del pintor, ocupado en la elaboración de un retrato de la familia real.

La ronda de noche - Modelos e Influencias

Rembrandt abandona la composición tradicional del retrato del grupo de la escuela holandesa por la cual se hacía uso de un uniforme y de la situación estática de los personajes de forma escalonada. Sus retratos innovadores influyen de manera notable en artistas del siglo XIX como Goya que manifestaron su interés por el dominio colorido y la luminosidad.

Descripción formal:

La composición formal, dinámica y desordenada está formada por líneas de fuerza que conforman los retratos y sus lanzas. El centro está compuesto por figuras del capitán y el teniente y el resto, en muchas actitudes y posturas; se organiza en tres grupos que envuelven a los protagonistas. La presencia de escorzos en las manos y las armas de los personajes, confieren dinamismo a través de movimientos naturales. Un foco de luz artificial, ilumina el primer plano de la escena dejando a la oscuridad los personajes del fondo de los cuales sólo podemos distinguir los rostros y las banderas. Por otra parte, la joven que deambula entre los guardias parece que desprende luminosidad por ella misma.

Temática:

La tela representa un retrato colectivo de los miembros que formaban parte de la compañía de la guardia cívica de Amsterdam, indica al teniente que tienen que ir hacia un concurso de tiro en honor a María de Medici. Esta fue encargada por el capitán para decorar una sala. La joven es interpretada como una personificación de compañía y el gallo que sujeta es el símbolo que utilizaba esta compañía.

Éxtasis de Santa Teresa

Descripción formal:

Es una muestra del theatrum sacrum, el espacio adopta un carácter escenográfico donde se recoge un espectáculo sagrado en medio del camino del mundo espiritual y el terrenal. Sobre el altar situado en el centro de la capilla, se representa la escena, un ángel retirando la flecha que ha clavado en el pecho de Santa Teresa la cual experimenta una sensación de dolor y placer que simbolizan el amor divino. Para representar este éxtasis, Bernini esculpe un rostro con ojos cerrados y la boca medio abierta. La convulsión también se plasma en los pliegues abundantes y expresivos de su hábito con los cuales se realiza un juego de volúmenes que aportan el dinamismo de la escena. El artista consigue aumentar la sensación de movimiento a través del cruzamiento diagonal. La luz ilumina de forma natural la escultura convirtiéndolo en una luz divina gracias a los rayos de bronce situados detrás de las figuras. En las paredes laterales se sitúan relieves que representan la perspectiva desde donde sacan la cabeza los miembros de la familia.

Temática:

Esta escena representa la transverberación de Santa Teresa, una unión mística con Dios narrada en el libro de la Vida, escritora mística y fundadora de la orden de los Carmelitas Descalzas.

Modelos e Influencias:

Bernini se inspiró en la tela del éxtasis de Santa Margarita de Cortona realizada en Italia por Giovanni. El éxtasis de Santa Teresa ha sido motivo de muchos estudios en diferentes campos de conocimientos y es una buena prueba de la obra de Dalí.

a de la obra de Dalí.