Bailarines famosos de danza contemporánea

Conceptos generales básicos para la composición coreográfica:

Hacer una obra coreográfica supone un acto de creatividad que implica “crear” en la misma se contempla la interacción con un público, siendo su destino final su exhibición.
El trabajo coreográfico es una elaboración del mundo interno del coreógrafo que se esfuerza por traducir y mostrar a través de imágenes complejas (movimiento corporal, espacial, escénico, música, texto, narración etc.) experiencias e interpretaciones subjetivas, sean de orden puramente sensorial, emotivo, psíquico, físico o cualquier otro.

Éste trabajo implica la apropiación y conocimientos de:

◦ Composición coreográfica        ◦ Lenguaje corporal o disciplinas       ◦ Medio en el cual se insertan las coreografías

Coreógrafos y coreografías

Hay distintas maneras para ella, hay quienes tienen una idea totalmente formada de la coreografía que quieren crear antes de reunirse con los bailarines/alumnos y otros: ◦ Conciben la coreografía a guiar las improvisaciones de los alumnos y bailarines mientras experimentan con las ideas que le son propuestas.    ◦ Estudian la partitura ◦ Escuchan la música     ◦ En aspecto físico y la capacidad de una alumna/ bailarín sugiere ciertos movimientos

La idea coreográfica o motivación en la competencia

Guía el proceso de selección de los materiales (elementos y componentes) y el montaje de todo ello.
Las maneras más comunes para desarrollar la composición coreográfica en el formato de competencias son mediante:
◦ Un tema, sentimiento     ◦ Un argumento      ◦ Lo abstracto
En el primer caso, basan la producción en sólo un tema, sin seguir una línea argumental. Por ejemplo: tratan el amor.
En el segundo, se sigue un libreto.
En el último, se desarrolla la producción sobre el diseño coreográfico en sí mismo.

Componentes y elementos

Elementos: ◦ Del movimiento ◦ Del entorno visual ◦ Del sonido Del sonido.
Los elementos del movimiento se clasifican por su energía, forma, tiempo y espacio.

Grado de energía

Todas las acciones motrices están ligadas a la energía dado que es necesaria para iniciar, controlar o parar el movimiento. El conocimiento del grado de energía permite transformar el movimiento logrando que sea más expresivo, eficaz y estético.

Forma:

es la imagen que el bailarín/atleta describe o da forma con su cuerpo. También, es el formato que un grupo de bailarines compone en la agrupación (formaciones). Se debe cuidar que las formas que adoptan los bailarines/atletas de adelante no tapen a los de atrás, salvo en el caso que sea intencional. 

Tiempo:

sus aspectos son: la velocidad, el acento, el pulso, el ritmo.
Modificar estos aspectos le permite al coreógrafo obtener cambios en su producción coreográfica. 

Espacio:

el bailarín/atleta se mueve en y a través del espacio. La dirección, la ubicación, la orientación, el nivel, el tamaño, el foco, las trayectorias (desplazamientos) son parámetros del espacio.
El espacio puede clasificarse en: personal, parcial, total, social.

Puntos del escenario:

Los puntos y líneas en el escenario son referencias para la descripción y registro de la composición. Se toma como referencia la ubicación del público.

Dibujo de pizza cuadrada de 8 porciones. Abajo de todo en el medio epieza 1 y sigue sentido antihorario. Abajo publico.
Las líneas rectas que unen puntos impares se las denomina medianas y a las que unen puntos pares diagonales.
La intersección de las líneas medianas y diagonales se les denomina punto cero o neutro y coincide con el centro del escenario.
También el espacio se divide en cuadrantes formado por las medianas. 
Cuadrante posterior izquierdo|Cuadrante posterior derecho

Cuadrante anterior izquierdo|Cuadrante anterior derecho

Niveles:

Presentaremos dos, la primera es más específica a la hora de registrar una coreografía y la segunda es la más conocida en el ámbito de la educación corporal:

Primera clasificación:

◦ Movimientos en el suelo    ◦ Movimientos medios     ◦ Movimientos desde la posición de pie en planta     ◦ Movimientos altos     ◦ Movimientos aéreos

Segunda clasificación de los niveles:

◦ Bajo  ◦ Medio  ◦ Alto 

Dirección

Punto en el espacio circundante hacia donde se dirigen los segmentos corporales, desplazamientos, foco, etc. 

Ubicación:

Lugar en el espacio donde se encuentran los bailarines, escenografía, etc. 

Orientación:

Frente/s hacia donde los bailarines/atletas dirigen su cuerpo y o segmentos. 

Tamaño:

Menor o mayor amplitud de un movimiento (pequeño y grande). También se refiere a los distintos grados de amplitud. 

Foco:

Un lugar hacia donde los bailarines dirigen la mirada. 

Trayectorias

Líneas descriptas por cualquier parte del cuerpo en el espacio.
Los desplazamientos sirven para entrar y salir del escenario o para concretar diferentes ubicaciones y formaciones.

Elementos del entorno visual:

Completa en la producción coreográfica. Deben tener relación con la idea general.
Hay que tener cuidado con la selección de colores, vestuarios, aspecto físico general de los bailarines/atletas con el vestuario elegido.
◦ Vestuario   ◦ Maquillaje y peinado   ◦ Escenografía   ◦ Iluminación   ◦ Carácterísticas del espacio de la competencia

Elementos del sonido:

La selección e interpretación de la música es un aspecto fundamental. La música debe ser adecuada a la disciplina con la cual se realizará la composición. La música seleccionada debe favorecer la interpretación musical, considerando las posibilidades de los integrantes de la coreografía para interpretarla.
La interpretación de la música implica la relación de los movimientos seleccionados, con las formaciones y otros cambios con el tempo, el ritmo, las frases musicales, el carácter, la melodía, etc.

Se pueden mencionar como elementos del sonido en la composición coreográfica:

• La música   • Los efectos adicionados   • El silencio   • La palabra hablada, etc.
En cuanto a los efectos, considere incorporarlos a la música de manera equilibrada, no abusando de este recurso. Además, debe ser concretado con prolijidad y buena calidad de sonido.  En algunas producciones coreográficas se incluye el silencio como "falso final", recurso que debe ser concretado de manera tal que se logre el efecto esperado y debe ser advertido al técnico de sonido.

Formaciones:

El diseño grupal es una parte fundamental en las producciones coreográficas integradas por un conjunto de bailarines o atletas. Según se agrupen en el espacio escénico o de competencia se producirá un efecto en el espectador. Cuando se encuentra en el proceso de Montaje, permítase hacer y rehacer, hasta encontrar la forma coreográfica o formación que se ajuste más a la idea que ha visualizado con anterioridad. Recuerde que improvisar es parte del proceso de creación.

Tipo de formaciones:

• “V” con vértice al fondo.   • Triángulo con vértice al frente.    • Línea paralela.   • Circular.    • Compuesta por varias líneas paralelas y con distintos niveles.

Los Momentos de una coreografía de competencia

La estructura de una coreografía de competencia es la siguiente:
• Inicio:
Comienzo de la coreografía. Presentación de la idea coreográfica y de los bailarines / atletas.
• Desarrollo:
Despliegue de la propuesta coreográfica en función de cada disciplina.
• Clímax:
Punto culminante de la coreografía que marca una intencionalidad, sello o idea destacada.
• Final:
Proceso de conclusión y cierre de la coreografía y resolución de la idea coreográfica.

Montaje:

proceso de articulación de los componentes coreográficos, considerando los momentos que forman una coreografía de competencia y su reglamento, liderado por la idea o motivación. En este proceso, el coreógrafo transmite a su grupo las secuencias de movimientos que forman el producto coreográfico.

Revisión y ajuste

Proceso constante durante el montaje de la coreografía que permite la modificación de una decisión ya tomada.

Observando y reflexionando:

Cuando se realiza una coreografía para la competencia, se debe observar y analizar lo logrado con la intención de evaluar la relación entre el producto y el encuadre reglamentario. También es necesario reflexionar sobre el propio proceso de creación de la obra, la coherencia entre la selección de los materiales con la posibilidad de interpretación de los bailarines / atletas. Considerar tres aspectos importantes que están en juego: la coreografía - los intérpretes - el público / jueces.
Desarrollar el juicio crítico sobre los propios productos permite que cada uno de ellos sea una instancia de aprendizaje.

ASPECTOS DE LA COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA PARA LA COMPETENCIA

Conocimiento-Idea o motivación-Planificación-Montaje-Revisión y ajuste-Observación y reflexión

Existen otras maneras de lograr concretar una idea coreográfica, estas pautas son solo una guía:
• Conocer los códigos y reglas del lenguaje o disciplina deportiva
• Clarificar la idea / motivación.
• Investigar: la música, las posibilidades y limitaciones de movimiento y expresión de los bailarines /atletas, el tipo de vestuario y materiales para su confección y presupuesto, y los otros componentes y elementos.
• Seleccionar y articular los componentes coreográficos (elementos del movimiento, del entorno visual y del sonido).
• Iniciar el montaje de la coreografía (coherencia en los momentos)
• Revisar y ajustar lo montado.
• Observar y reflexionar sobre lo producido.
Para la producción integral de una coreografía es necesario crear un balance entre la composición coreográfica, las posibilidades de ejecución de los integrantes y la apreciación visual de la misma.

Diferencias entre danza clásica y moderna

CLÁSICA

1. Es estructurada. Usa zapatillas, corséts y máscaras.
2. El escenario se utiliza como elemento de decoración.
3. No utiliza niveles bajos, solo altos y a veces medio (rodillas).
4. Son dramas teatralizados (usan mímica y gestos).
5. Tiene fuerza el binomio estrella-cuerpo de baile.
6. Se utiliza una dinámica (grado de energía) tranquila.
7. El tiempo varía según las obras, pero por lo general se mantiene constante, salvo pequeñas variaciones.
8. El movimiento va de afuera hacia adentro. No es algo que se siente y luego se expresa. Se actúa más.

MODERNA

1. Surge en oposición a la clásica. Se trabaja descalzo, con túnicas para no impedir el libre movimiento.
2. El escenario forma parte de la danza. Se trabaja apoyándose en él.
3. Utiliza todos los niveles posibles.
4. Se da más importancia a expresar sentimientos y emociones del bailarín.
5. No hay tanta distancia ni tan marcada, aunque pueda haber solista o estrella.
6. Juega en una misma obra con distintas dinámicas.
7. Juega en la misma obra con distintos tiempos, lo que da más riqueza.
8. El movimiento va de adentro hacia afuera. Primero se siente y luego se lo exterioriza.

Metodología y Práctica de la Danza Moderna

Puntos a tener en cuenta:

a) Preparación Muscular  b) Preparación Técnica  c) Improvisación  d) Las Clases Prácticas  e) Terminología

Preparación Muscular:

1- POSTURAS:

Es la resultante de una lucha entre la atracción de la gravedad y la necesidad de vencerla. Antes de comenzar a moverse, es necesario que el bailarín recoja toda su musculatura, dejando de lado la tensión en exceso y logrando así la "posición de alerta". Se llega a descubrir dos posiciones en la musculatura: La posición neutra (de relajación total) y la posición de alerta (tensión equilibrada). El bailarín debe lograr, que todo hombre se vea reflejado en él, pues es intérprete del ser humano en sí y de todas sus situaciones. Para ello deberá lograr una actitud absolutamente natural y humana. Cuando se baila la posición del cuerpo buscará brindar, de la forma más clara sencilla y natural, la expresión del personaje, situación o sentimiento de la obra coreográfica. Esta actitud se verá reflejada en el cuerpo del bailarín, aún antes de comenzar a bailar, pues el clima se logrará no sólo para el público, sino para sí mismo, ya que nada podrá ser bien transmitido hacia el exterior si antes no fue vivido y experimentado por sí mismo. Así llegamos a comprender que una "postura correcta" es seguida de una "actitud correcta" dando como resultado una "proyección correcta" de lo que se quiere transmitir.

2- ACTITUD

Es la resultante de una concentración del bailarín, es un estado de ánimo, una situación, un personaje, es la transformación mediante la cual un cuerpo traduce su emoción y permite traducir su espíritu.

3- POSICIONES DE LOS PIES

En el Ballet Clásico se utilizan cinco posiciones y la Danza Moderna las adopta agregando además sus variantes con pies cerrados. El peso en todas ellas se reparte equilibradamente entre ambos pies.

DANZA CLÁSICA

1º 2º 3º 4º y 5º posición

DANZA MODERNA

Pies juntos y paralelos (sexta).  Pies separados y paralelos (séptima). Pies separados y paralelos (uno adelantado del otro). Pies cerrados y paralelos en una misma línea.