Arte del Renacimiento: Del Quattrocento y Cinquecento Italiano a El Greco

1. El Renacimiento Italiano: Arquitectura, Escultura y Pintura

1.1. Arquitectura del Quattrocento (Siglo XV)

• Filippo Brunelleschi: De amplia formación humanística y científica, solucionó los problemas técnicos y constructivos al erigir la célebre cúpula de Santa María del Fiore en Florencia.
• Leon Battista Alberti: Conoce a fondo la arquitectura clásica en Roma y plasma sus teorías en influyentes libros y tratados. En Florencia y otras ciudades realiza hitos como la fachada de Santa Maria Novella, el Palacio Rucellai y la iglesia de San Andrés de Mantua.
• Michelozzo: Se formó como aprendiz junto a Ghiberti y colaboró estrechamente con Donatello en diversos proyectos arquitectónicos y escultóricos.

1.2. Arquitectura del Cinquecento (Siglo XVI)

• Donato Bramante: Procedente de Urbino, concibió el proyecto original para la nueva basílica del Vaticano y construyó el emblemático templete de San Pietro in Montorio.
• Miguel Ángel Buonarroti: Asumió la dirección de las obras de la Basílica de San Pedro del Vaticano continuando el proyecto de Bramante, optando por una planta de cruz griega centralizada y un único acceso principal.
• Jacopo Vignola: Autor de la iglesia de Il Gesù en Roma, que se convirtió en el modelo canónico de templo para la orden jesuítica y la Contrarreforma.
• Andrea Palladio: Adoptó un pseudónimo en alusión a la diosa Palas Atenea; fue autor de Los cuatro libros de la arquitectura y creador de sus célebres villas de corte clásico en el Véneto.

1.3. Escultura del Quattrocento

• Lorenzo Ghiberti: Desarrolló su actividad en Florencia, donde destacan las monumentales puertas del Baptisterio (incluida la Puerta del Paraíso). Su estilo fundamenta su arte en el humanismo, demostrando un dominio absoluto de la fundición en bronce y del relieve pictórico.
• Donatello: Formado inicialmente en el taller de Ghiberti, centró su atención en el estudio de la figura humana, la belleza ideal y el realismo. Trabajó con destreza materiales como la madera, el bronce y el mármol, legando obras capitales como el David y la estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata.

1.4. Escultura del Cinquecento

• Miguel Ángel Buonarroti: Inició su aprendizaje en el taller de los hermanos Ghirlandaio y posteriormente en el jardín de San Marcos bajo la protección de Lorenzo el Magnífico, absorbiendo profundas influencias neoplatónicas.
  • Estilo y técnica: Búsqueda de la belleza, dinamismo, movimiento anatómico, monumentalidad y expresión a través de la terribilità. Empleó preferentemente el mármol mediante la técnica sustractiva, recurriendo en ocasiones al expresivo non finito (inacabado).
  • Obras destacadas: La Piedad del Vaticano, el ambicioso proyecto del Mausoleo de Julio II, la Capilla Medicea y, en su faceta pictórica, los frescos de la Capilla Sixtina y El Juicio Final (encargado por el papa Clemente VII).

1.5. Pintura del Quattrocento

• Masaccio: Figura revolucionaria del siglo XV que investigó a fondo la representación tridimensional del espacio y la perspectiva lineal matemática, tal como se aprecia en su fresco de la Santísima Trinidad.
• Sandro Botticelli: Muy vinculado a Florencia y al círculo intelectual neoplatónico de los Médici. Destacan obras cumbres como La Primavera y El nacimiento de Venus, caracterizadas por una pintura lírica y poética unida al dominio de la perspectiva lineal.

1.6. Pintura del Cinquecento

• Leonardo da Vinci: Formado en el taller de Verrocchio, marchó a Milán para ponerse al servicio de Ludovico el Moro. Pintó las dos versiones de la Virgen de las Rocas y La Última Cena, trasladándose después a Florencia, donde ejecutó La Gioconda. Es el maestro de la perspectiva aérea (según la cual los objetos lejanos se difuminan en tonos azulados) y de la técnica del sfumato.
• Miguel Ángel Buonarroti: Artista total (escultor, pintor y arquitecto), concibió la pintura desde una mirada eminentemente escultórica y neoplatónica. Mostró un profundo conocimiento de la anatomía, dibujando figuras de gran masa corporal y aplicando gamas cromáticas luminosas, tonos ácidos, vivos y contrastes contundentes.

2. La Pintura del Renacimiento en España: El Greco

La pintura del Renacimiento español manifestó durante sus primeras fases una clara inferioridad en volumen e innovación respecto a la arquitectura y la escultura. Sin embargo, ya en la segunda mitad del siglo XVI despunta la figura extraordinaria de El Greco, personalidad artística de una arrolladora originalidad.

2.1. Trayectoria Biográfica

Doménikos Theotokópoulos, conocido universalmente como El Greco, nació en la isla de Creta, formándose inicialmente en la tradición cultural y estética bizantina (pintura de iconos). Se encuentra documentada su estancia posterior en Venecia, donde completó su formación en el uso del color, y en Roma, donde asimiló la monumentalidad manierista de Miguel Ángel. Hacia 1577 ya se encontraba en España; no obstante, la incomprensión y falta de sintonía de Felipe II hacia su obra (en el marco del Monasterio de El Escorial) le obligó a trasladarse y afincarse definitivamente en Toledo, donde desarrolló su producción de retratos y encargos religiosos hasta su fallecimiento.

El Greco fue un creador de profunda singularidad que, no obstante, permaneció largo tiempo poco apreciado e incluso incomprendido tras su muerte. Su recuperación y revalorización crítica comenzaron a finales del siglo XIX. Al no contar con el respaldo unánime de los ambientes oficiales ni con los grandes encargos de la corte real, vivió al margen de las directrices imperiales y murió sin dejar discípulos continuadores de su estilo.

2.2. Características Formales y Estilo

Su lenguaje visual se configuró a partir de una compleja síntesis de influencias: la estética bizantina, la riqueza cromática veneciana, el vigor anatómico de Miguel Ángel, el ambiente espiritual del arte español y, fundamentalmente, las libertades del Manierismo. Su pintura presenta rasgos inconfundibles:

• Espacio aperspectivo: Abandona deliberadamente las normas renacentistas de profundidad y proporción espacial objetiva, creando atmósferas sobrenaturales o atemporales.
• Dinamismo y composición: Emplea escorzos audaces y somete a sus figuras a contorsiones complejas, disponiéndolas en actitudes inestables e imbuidas de gran tensión espiritual. Es habitual la yuxtaposición en un mismo plano de dos mundos: el terrenal (abajo) y el celestial (arriba).
• Canon alargado: Configuración de figuras sumamente estilizadas, ingrávidas y desproporcionadas.
• Luz y color: Su paleta transitó desde los tonos cálidos puramente venecianos hacia colores fríos, tornasolados y ácidos (amarillos, verdes, carmines), realzados por una iluminación espectral que baña las escenas de un aire místico y fantasmal.

2.3. Géneros Cultivados

• Pintura religiosa: Aunque se apartó con audacia de los modelos iconográficos convencionales, sus obras devocionales contaron con un extraordinario arraigo y demanda por parte de cofradías, parroquias y clientela toledana.
• El retrato: Cultivó un agudo realismo visual, revelando una excepcional penetración psicológica en el rostro de los personajes de la sociedad de su tiempo.
• Paisaje: Llevó a cabo singulares vistas urbanas, destacando sus visiones dramáticas y casi expresionistas de la ciudad de Toledo.