El Arte del Renacimiento: Pintura, Perspectiva y Maestros

Pintura del Renacimiento

Características

La pintura renacentista se caracterizó por una estrecha relación con la geometría y las matemáticas, implementando sistemas de medidas proporcionadas y una ordenación del espacio en la obra pictórica. La línea y el color dejaron de tener un sentido meramente ornamental para expresar efectos tridimensionales y plasmar el volumen. Se resalta la preocupación por la luz y el tratamiento de la perspectiva, un artificio que permite representar el espacio tridimensional y los objetos en una superficie plana bidimensional.

Tipos de Perspectiva

• Perspectiva lineal: Se logra graduando el tamaño de las figuras en función de la proximidad o lejanía, utilizando líneas diagonales que confluyen en el punto de fuga.
• Perspectiva aérea: Introducida por Leonardo da Vinci, representa la atmósfera del cuadro graduando el tamaño y la nitidez de los objetos, difuminando las figuras y el fondo desde el primer plano hasta el final.

Temáticas y Técnicas

Los temas recurrentes fueron históricos, religiosos, alegóricos y mitológicos. La pintura se practicó sobre muros (soportes fijos), tablas y lienzos, utilizando técnicas como el fresco, el temple y el óleo. Florencia fue un gran centro artístico durante el Quattrocento, mientras que Roma y Venecia destacaron en el Cinquecento.

Periodos

• Quattrocento: Se enfocó en resolver el volumen y la perspectiva.
• Cinquecento: Se centró en la búsqueda de la belleza, con composiciones geométricas, belleza idealizada, interés en el cuerpo humano desnudo (femenino) y perfección en la captación del movimiento y la luz. Se redujeron las figuras y lo anecdótico desapareció.

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci, cuya vida transcurrió entre Florencia y Milán, fue el prototipo del genio renacentista. Su gran inteligencia le permitió desarrollar múltiples disciplinas, como la ciencia y la técnica. Defendió la excelencia del arte pictórico sobre las demás artes, considerando la pintura como una actividad intelectual que reproduce la realidad. Estudió el cuerpo humano anatómica y geométricamente, las particularidades de los tipos humanos y la expresividad de los rostros, tanto física como gestual.

Características de su obra

Sus preocupaciones principales fueron la luz y el movimiento. Captaba el movimiento con su poderoso dibujo, sentido del ritmo y composiciones geométricas. Concebía la luz no como una graduación paulatina de tonos, sino como una fusión lenta o contrastes suaves de claros y oscuros (claroscuro). Utilizó el sfumato, que consiste en dar a las figuras contornos vagos, difuminados y borrosos, fundiéndolas con el ambiente para crear una atmósfera de misterio. Su perspectiva no solo graduaba los tamaños de las figuras, sino que también definía la nitidez de los contornos y colores según la distancia, dando lugar a la perspectiva aérea.

Obras

• Etapa en Florencia: La Anunciación, donde un muro divide el cuadro en dos bandas horizontales.
• Etapa en Milán: La Virgen de las Rocas, centrada en la Virgen, con figuras unidas por gestos y miradas, un fondo paisajístico de formas rocosas y el sfumato. La Última Cena, pintura al temple sobre pared en el refectorio de Santa María de la Gracia en Milán, donde Jesús anuncia su traición. Leonardo muestra los sentimientos de los discípulos con gestos de turbación. La composición es geométrica y simétrica, con la perspectiva marcada por las líneas arquitectónicas que confluyen en la figura de Cristo.
• Último periodo: La Gioconda, un retrato entre la realidad y la idealización, con un compendio de su teoría artística: claroscuro, sfumato y perspectiva aérea. Destaca la expresividad del rostro y las manos, donde se concentra la luz. La composición presenta un desequilibrio en la línea del horizonte y la enigmática sonrisa de la dama.

Miguel Ángel

Miguel Ángel se caracterizó por su lucha contra la materia para alcanzar la espiritualidad, su dibujo firme, volúmenes netos, figuras robustas y musculosas, eliminación de referencias paisajísticas, creación de violentos escorzos, equilibrio dinámico y figuras colosales que traslucen una fuerza física y espiritual (terribilità).

Obras

• Etapa florentina: El Tondo Doni, pintado al temple con una composición en espiral.
• Fase romana: Los frescos de la Capilla Sixtina, un ambicioso proyecto del Papa Julio II. Los frescos de la bóveda (1508-1512) presentan una síntesis de pintura y arquitectura, con cerca de 350 figuras que representan temas del Génesis y del Antiguo Testamento. Miguel Ángel finge espacios arquitectónicos y divide las escenas con arcos fajones. A los lados aparecen profetas y sibilas. Los frescos de la cabecera desarrollan el tema del Juicio Final, con cerca de 400 personajes y la terribilità de Miguel Ángel. Cristo Juez y la Virgen se sitúan en la parte superior, mientras que en la inferior se aprecian las almas de los elegidos y los condenados. Se incluyen referencias mitológicas.